Antigüedad
El establecimiento del Imperio Romano coincidió con el apogeo de la tradición griega. El estilo romano se perfeccionó gracias al contacto con el arte helénico, sobre todo el bronce. Los escultores copiaron obras griegas para formarse. Luego, basándose en estos modelos, innovaron: les debemos en particular el busto (que se detiene en los hombros o el cuello) y la popularización del retrato, que ya no era prerrogativa del emperador.
Herederos de la tradición bizantina, los frescos y mosaicos ilustran escenas mitológicas o cotidianas. Embellecen tanto las casas como los templos, a veces combinados con frescos pintados directamente en las paredes. El Museo Archeologico Nazionale di Napoli, una de las colecciones de arte antiguo más ricas y antiguas del mundo, alberga en la planta baja esculturas griegas y romanas de la colección Farnesio. En la planta superior, se exponen reliquias de Pompeya y Herculano, incluido el famoso mosaico de Alejandro Magno de la Casa del Fauno. La visita completa el recorrido por el yacimiento, antaño cubierto por las cenizas del Vesubio. Entre las maravillas in situ: los flamantes frescos de la Villa de los Misterios; la Casa del Poeta Trágico, por sus escenas de mitología griega; la suntuosa Domus des Vettii.
El estilo bizantino ha dejado su impronta en el arte cristiano. Se caracteriza por los temas religiosos e imperiales, el uso de iconos y mosaicos, la estilización de los motivos y el oro que suscita asombro. Las aportaciones de Bizancio impregnan especialmente Basilicata y algunas ciudades calabresas. El Sur de Italia fue el primer centro de la pintura bizantina, del siglo X al XIV. Dignos de ver: los frescos de Carpignano ( siglo X), Vaste o San Vito dei Normanni ( siglo XII ) y la capilla de San-Stefano in Soleto ( siglos XIII y XIV ).
En el norte, el modelo bizantino desapareció en favor del arte cristiano. Las iglesias se adornaron con pinturas y esculturas piadosas. El arte medieval, puesto al servicio de las creencias, se apoya en el simbolismo pictórico para cantar las alabanzas de los valores cristianos.
Escultura medieval
Tras una dominación etrusca, los lombardos se asentaron en territorio romano a partir del año 568. En el noroeste de Italia, el estilo románico se desarrolló a finales del siglo XI y se extendió hasta Cerdeña e Inglaterra. Las innovaciones estéticas llegaron a través de los Alpes, traídas por los artistas que venían a trabajar desde los países fronterizos. Los modelos nacidos en el norte de Europa se difundieron así en la región de Como. Modificaron la arquitectura y el arte religioso en general.
Los primeros maestros del arte románico lombardo fueron escultores itinerantes anónimos. Muchos de ellos confluyeron en la zona de Como. Estos "Maestros de Como" contribuyeron a la aparición del estilo lombardo. Esculpieron figuras zoomorfas, grifos y otros monstruos en el exterior de la basílica de Sant'Abbondio y en el coro de la basílica de San Fedele. Las representaciones humanas, más raras en este periodo, son fornidas y poco realistas, y contrastan con los ornamentos animales y vegetales, más elaborados.
Siguieron otros maestros en el norte de Italia: Wiligelmo en Módena, Nicolaus en la catedral de Piacenza y en Ferrara; en 1138, participó en el tímpano policromado de la basílica de San Zenón en Verona. En 1139, esculpió una Virgen, una escena de la Anunciación y una Adoración de los Reyes Magos para el portal de la catedral de Verona, revelando elementos tomados del norte de España.
Pintura mural
Grandes murales adornaban las iglesias en el siglo XI. Lombardía conserva magníficos frescos románicos, como en Civate (Lecco), San Pietro Al Monte o la capilla de San Martino en Carugo (Como). Los artistas se liberaron del modelo bizantino. Las figuras se alargaron y a principios del siglo XIII surgió una tendencia más naturalista, como se aprecia en el fresco del Sacrificio de Isaac de la iglesia de San Jacopo do Grissiano, que tiene como telón de fondo las cumbres nevadas de los Dolomitas.
El siglo XIII marcó el inicio de una vasta conquista de la realidad que trastornó la pintura occidental. Cimabue y su discípulo Giotto fueron los primeros en sacudir el modelo bizantino. Insertando en su pintura vida, emociones y elementos paisajísticos, este artista lanzó el "nuevo naturalismo". Las figuras divinas se acercaron a lo humano.
En la Escuela de Siena, las tradiciones bizantinas fueron barridas por un arte gótico impulsado por Simone Martini y los hermanos Lorenzetti, notables por su trabajo del detalle.
De las scuole a la escuela veneciana
Las scuole aparecieron en Venecia en el siglo XIII y se definían como hermandades de caridad. Las más ricas recurrían a artistas para construir o embellecer sus locales, afirmando así su prestigio. Indirectamente, estimulaban la creación artística y contribuían al desarrollo de la escuela veneciana. Dio lugar a un estilo único, el más reconocible de todas las escuelas italianas, entre las enseñanzas góticas y bizantinas y las particularidades locales.
El Renacimiento llegó a Venecia a través del taller de Jacopo Bellini (1400-1470), el primer pintor que se liberó totalmente del estilo gótico, que replanteó la noción de perspectiva y composición del espacio. En Venecia, sus obras pueden verse en la Galería de la Academia y en el Museo Correr.
Discípulo de Giovanni Bellini, hijo de Jacopo, Tiziano (c. 1488-1576) exploró todos los géneros durante su larga vida: frescos(Historia de San Antonio, Scuola del Santo de Padua), retratos y autorretratos, escenas mitológicas y religiosas. Destacó en la representación de la luz y el movimiento. Inventor del efecto de halo, favoreció el color sobre la forma. El arte de Tiziano tuvo un impacto considerable en el arte europeo.
Veronés (1528-1588), colorista sin igual, fue el pintor del esplendor veneciano. Incluso en sus temas bíblicos, el lujo y la belleza priman sobre el fervor religioso. Los frescos de la Villa Barbaro di Maser ponen de relieve una investigación sobre la percepción del espacio pictórico en relación con el espacio arquitectónico.
Mecenazgo y Quattrocento
A finales de la Edad Media, la pobreza asoló el sur de Italia. El centro y el norte, especialmente florecientes, canalizaron las innovaciones del Renacimiento.
En Roma, el principal patrocinador fue el Papa. Pío II, amante del arte, juró por la Antigüedad. Pero debemos a Sixto IV la primera fase del proyecto más ambicioso de este periodo: la Capilla Sixtina reúne a Miguel Ángel, Rafael y Sebastiano del Piombo. Tanto en pintura como en escultura, estos genios del Renacimiento romano redefinieron radicalmente la noción de clasicismo.
En el siglo XV, las grandes familias principescas reinaban en las ciudades italianas. El mecenazgo estaba en pleno apogeo: los Médicis en Florencia, los Sforza en Milán. Con la Escuela Florentina nacieron los primeros pintores renacentistas.
El primer Renacimiento italiano, o Quattrocento, está representado por Masaccio. Inventor del punto de fuga único, redefinió la perspectiva, los volúmenes y las proporciones. El arquitecto Brunelleschi diseña la primera cúpula. En este periodo decisivo de apertura al mundo y al conocimiento, el arte religioso dio un vuelco. Los temas profanos entran en escena.
Sforza, Milán y Leonardo
La escena artística milanesa alcanzó su apogeo con la llegada de dos maestros: Bramante, en 1479, y Leonardo da Vinci, en 1482. Esta explosión creativa fue posible gracias a los mecenas.
Francesco Sforza y sus descendientes fueron los responsables de los encargos más excepcionales. Vincenzo Foppa ejecutó para él algunos de los frescos de la capilla Portinari. Allí aplicó magníficamente las lecciones de la arquitectura a la pintura: crear la ilusión de espacio a través de un único punto de fuga.
Ludovico il Moro confía a Leonardo la decoración de un pequeño muro del refectorio de Santa Maria delle Grazie, el Cenacolo Vinciano. En 1498, el genio crea la famosa Última Cena. Las vivas emociones de los apóstoles dominan la composición de las figuras agrupadas de tres en tres, que aísla a Cristo en el centro. La luz retoma la iluminación natural de la sala para dar al espectador la impresión de entrar en la escena.
El genio de Leonardo (1452-1519) impresionó a sus discípulos directos e indirectos durante varias décadas. Hijo de un campesino, Leonardo entró en la corte del duque de Milán Ludovico Sforza como ingeniero. Se interesó por las matemáticas, la música, la escultura, la ciencia, el dibujo y la arquitectura, y pronto recibió encargos de pintura. Anotaba sus estudios en cuadernos, pero la mayoría de sus obras quedaron inacabadas. La perspectiva y su orden geométrico figuran entre sus principales temas de estudio.
La estudiada composición, la melancolía de los rostros, el sfumato (contornos atenuados por una especie de bruma), los rostros andróginos, la iluminación difusa constituyen sus principales aportaciones, perpetuadas por los "leonardeschi". Activos en el siglo XVI, Boltraffio, Andrea Solario, Cesare da Sesto, Bernardino Luini y Agostino da Lodi contribuyeron a la armonización del gusto difundiendo sus enseñanzas en el Ducado e incluso más allá de Milán.
Entre las obras maestras de la Pinacoteca ambrosiana de Milán figuran Leonardo, Rafael, Botticelli y Caravaggio, cuyo Bodegón prefigura la pintura barroca.
Estilo barroco
la "escuela napolitana" se afirma en el siglo XIV. Desde Nápoles, el espíritu barroco se extiende a Campania, Apulia y Calabria. Una de estas tendencias deriva del estilo de Giotto, que llegó a ejecutar los frescos de Santa Chiara y la Incoronata (Nápoles). Entre sus alumnos, Tommaso de Stefani, nacido en 1324, es conocido con el sobrenombre de "Giottino".
Expulsado de Roma, Caravaggio (1571-1610) se quedó en Nápoles. Reconocido como el gran pintor barroco, este personaje tumultuoso y maestro absoluto del claroscuro causó una fuerte impresión en los artistas napolitanos. Entre los pintores regionales a recordar: Mattia Preti (1613-1699), el "jinete calabrés", es uno de los pintores más famosos del siglo XVII de su época. Algunas de sus obras adornan la iglesia de San Domenico, en Taverna. Su pintura está fuertemente influida por el estilo de Caravaggio y Veronés.
El barroco, cima del fervor religioso, hizo furor en Italia hasta el siglo XVIII. En Nápoles, Cosimo Fanzago (1593-1678) esculpió abundantes santos de un extraño realismo. En Roma, en cambio, Borromini siguió una tendencia barroca austera y Bernini una más fantasiosa. Estos maestros están representados en las sublimes colecciones de la Villa Borghese de Roma.
La Pinacoteca Nazionale de Bolonia presenta un amplio panorama del arte religioso desde el siglo XIII hasta el Barroco: Giorgio Vasari, Guido Reni, Rafael y Tintoretto.
Hacia el modernismo
El Neoclasicismo partió en busca de la belleza absoluta, con el escultor Antonio Canova (1757-1822). Pero en los siglos XVIII y XIX, el arte italiano perdió fuelle.
En 1909, el poeta Filippo Marinetti (1876-1944) publicó el Manifiesto Futurista, que sentó las bases del movimiento futurista. Formado en Milán, este arte urbano no se limitaba a las artes gráficas. El futurismo propugnaba una estética basada en el progreso, la máquina y la velocidad. El futurismo representa ciudades imaginarias o el movimiento estilizado de máquinas en colores vivos. Entre sus filas figuran Sant'Elia, Balla, Cara y Russolo.
Se puede descubrir en el Padiglione d'arte contemporanea) y en el Museo del Novecento, que alberga el famoso bronce de Boccioni, Hombre en movimiento.
Creación al aire libre
En el sur de Italia, el arte callejero es una forma de vida. El fresco público, digno heredero de la antigüedad, es popular hasta en los pueblos más remotos.
Calabria es pionera en la revalorización de una ciudad a través del arte callejero. En 1981, Nani Razetti puso en marcha la "Operazione Murales", que elevó a Diamante a la categoría de ciudad de los frescos. Catanzaro acoge el Festival Altrove y su famoso concurso que le valió el título de capital italiana del arte callejero 2016. Otra particularidad es que esta localidad promueve el turismo religioso ¡a través del arte urbano!
En Apulia, en Lecce, el distrito 167 acoge un vasto proyecto dirigido por Don Gerardo Ippolito, sacerdote de la iglesia de San Giovanni Battista. Grandes nombres de todo el mundo se han unido a este programa a gran escala.
El centro de Bari alberga una gran variedad de frescos. En Via Quintino Sella, un mural de Angela Matarrese rinde homenaje al compositor Ennio Morricone. El recorrido por San Cataldo comienza en el "muro della gentilezza", creado por tres artistas de Bari. El barrio de San Cataldo combina aerosol marino y graffiti.
Y en las metrópolis, ¿cosa succede? En Roma, hay nada menos que 75 Spaces Invaders, mosaicos firmados por el artista francés Invader. Los barrios de Monti, Trastevere y Tor Marancia son los primeros que hay que explorar. Insólito: en el barrio Ostiense se ha creado el mayor fresco ecológico de Europa, con una pintura que se come la contaminación. Cazador de pol ución es un "devorador de smog" firmado por Federico Massa.
Nápoles tiene un Banksy mítico, en la Piazza Gerolomini: la "Madonna con pistola" es el primer fresco que ha recibido la bendición de la Iglesia En el Quartier des Espagnols, como en todas partes, el tema religioso domina el arte callejero napolitano.
En Milán, un recorrido por el Museo de Arte Urbano (MAUA) lleva de los frescos a los grafitis. Mediante un smartphone, las obras de 200 artistas aparecen en la pared ante los ojos atónitos de los visitantes.
Destino de las fotos
El primer museo público de Italia dedicado a la fotografía, MUFOCO (Balsamo), pone de relieve la fotografía contemporánea con especial atención a los niños locales, como Giovanni Gastel (1955-2021).
Los aficionados a la fotografía deberían hacer una parada en Matera, en el Museo per la Fotografia - Pino Settanni. Settanni se definía a sí mismo como "un pintor con cámara". Nacido en 1949 en Taranto, empezó con una serie sobre el sur de Italia que reveló su talento.
La fotografía contemporánea se expone en el MADRE de Nápoles en medio de una excepcional colección de arte internacional: Anish Kapoor, Buren, Sol Lewitt, Jimmie Durham..
Tierra de pasiones
La colección de arte moderno y contemporáneo de la Fundación Biscozzi se encuentra en una residencia histórica. Abarca la abstracción europea con un fuerte enfoque italiano: Angelo Savelli, Mario Schifano, Gianni Bertini, Alberto Burri. Las once salas también albergan obras de Josef Albers, Hans Hartung y Jean Fautrier.
Dos coleccionistas de renombre se han instalado en Venecia. En 1949, la mecenas y galerista estadounidense Peggy Guggenheim compró el Palazzo Venier dei Leoni, en el Gran Canal. Este museo, collezione Peggy Guggenheim, a escala humana, reúne a los maestros del arte contemporáneo: Picasso, Mondrian, Chagall, Pollock, Dalí, Kandinsky y Magritte.
La colección Pinault se reparte en dos excepcionales espacios restaurados por el arquitecto Tadao Ando: el Palazzo Grassi y la Punta della Dogana. Se invita a los artistas a crear obras in situ, en la pura tradición de los mecenas que hacen brillar la cultura italiana en todo el mundo.
