Los orígenes
El primer lugar de Italia declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO se encuentra en uno de los valles más bellos de Lombardía. Val Camonica alberga 12.000 años de historia que se despliega a través de miles de grabados rupestres. Signos y figuras grabados en la roca representan la agricultura, la caza, la navegación, la danza y la lucha en composiciones geométricas. La vida cotidiana y las creencias de nuestros antepasados siguieron decorando las dos vertientes de este valle cercano a Brescia durante las épocas romana y medieval. Completan las colecciones arqueológicas del Museo Nacional de Valcamonica. Otros museos dedicados a este tema se encuentran dispersos por el lago de Garda. En el Museo Arqueológico de Sirmione, asociado a las Grutas del poeta Catullo, la época romana está magníficamente representada por los mosaicos policromados y los frescos que adornaban la villa construida en el lugar.
Antigüedad
El arte italiano hunde sus raíces en la antigua Grecia, en la época de los etruscos. Posteriormente, la producción artística de la antigua Roma estuvo al servicio de la política y la religión del Imperio. El Museo civico archeologico es uno de los museos arqueológicos más importantes de Italia. Su colección recorre la historia de Bolonia, desde los primeros restos de la capital de Emilia Romaña.
Los frescos y mosaicos, que representan escenas mitológicas o de la vida cotidiana, son herencia del arte bizantino. En el yacimiento arqueológico de la Domus dei Tappeti di Pietra, en la iglesia de Sant'Eufemia de Rávena, se pueden contemplar más de 400 metros cuadrados de mosaicos policromados, con composiciones geométricas y florales, pero sobre todo pinturas únicas como La danza de los genios de las estaciones y El Buen Pastor, representado en una postura poco habitual. Para ir más lejos, el Museo Tamo, en el corazón de la iglesia de San Nicolò de Rávena, ofrece un itinerario fascinante sobre el arte de los mosaicos.
Con la caída del Imperio Romano, el modelo bizantino desapareció en favor del arte cristiano. El cristianismo se convirtió en la religión oficial a finales del siglo IV. Las iglesias que se construyeron entonces se adornaron con pinturas y esculturas piadosas. El arte medieval, puesto al servicio de las creencias, se apoya en el simbolismo pictórico para cantar las alabanzas de los valores cristianos.
Escultura medieval
Tras una dominación etrusca, los lombardos se asentaron en territorio romano a partir del año 568. En el noroeste de Italia, el estilo románico se desarrolló a finales del siglo XI y se extendió hasta Cerdeña e Inglaterra. Las innovaciones estéticas llegaron a través de los Alpes, traídas por los artistas que venían a trabajar desde los países fronterizos. Así, los modelos nacidos en el norte de Europa se difundieron en la región de Como. Cambiaron no sólo la arquitectura, sino también la cantería y el arte religioso en general.
Los primeros maestros del arte románico lombardo fueron escultores itinerantes anónimos. Muchos de ellos confluyeron en la zona de Como. Estos maestros de Como contribuyeron a la aparición del estilo lombardo. En Como, esculpieron figuras zoomorfas, grifos y otros monstruos en el exterior de la basílica de San Abbondio y en el coro de la basílica de San Fedele. Las representaciones humanas, más raras en este periodo, eran fornidas y poco realistas, y contrastaban con los ornamentos animales y vegetales, más elaborados.
Siguieron otros maestros en el norte de Italia: Wiligelmo en Módena, Nicolaus en la catedral de Piacenza y en Ferrara; en 1138, participó en el tímpano policromado de la basílica de San Zenón de Verona. En 1139, esculpió una Virgen, una escena de la Anunciación y una Adoración de los Reyes Magos para el portal de la catedral de Verona, revelando elementos tomados del norte de España.
Pintura mural
Grandes murales adornaban las iglesias en el siglo XI. Lombardía conserva magníficos frescos románicos, como en Civate (Lecco), San Pietro Al Monte o la capilla de San Martino en Carugo (Como). Los artistas se liberaron del modelo bizantino. Las figuras se alargaron y a principios del siglo XIII surgió una tendencia más naturalista, como se aprecia en el fresco del Sacrificio de Isaac de la iglesia de San Jacopo di Grissiano, que tiene como telón de fondo las cumbres nevadas de los Dolomitas.
El siglo XIII marcó el inicio de una vasta conquista de la realidad que trastornó la pintura occidental. Los artistas se propusieron reproducir las apariencias del mundo real, a costa de innovaciones técnicas. Cimabue y su discípulo Giotto fueron los primeros en sacudir el modelo bizantino. Insertando vida y emociones, así como elementos paisajísticos en su pintura, este artista lanzó el "nuevo naturalismo". Las figuras divinas se acercaron a las humanas.
En la Escuela de Siena, las tradiciones bizantinas fueron barridas por un arte gótico impulsado por Simone Martini y los hermanos Lorenzetti, notables por su trabajo sobre la precisión y el detalle.
De las scuole a la escuela veneciana
Las scuole aparecieron en Venecia en el siglo XIII y se definían como hermandades de caridad. Las más ricas recurrían a artistas para construir o embellecer sus locales, afirmando así su prestigio. Indirectamente, estimulaban la creación artística y participaban en el florecimiento de la escuela veneciana, que dio lugar a un estilo único, el más reconocible de todas las escuelas italianas, que combinaba las enseñanzas góticas y bizantinas con las particularidades locales.
El Renacimiento llegó a Venecia a través del taller de Jacopo Bellini (1400-1470), el primer pintor que se liberó totalmente del estilo gótico, que replanteó la noción de perspectiva y la composición del espacio. En Venecia, sus obras pueden verse en la Galería de la Academia y en el Museo Correr
Discípulo de Giovanni Bellini, hijo de Jacopo, Tiziano (c. 1488-1576) exploró todos los géneros durante su larga vida: frescos(Historia de San Antonio, Scuola del Santo de Padua), retratos y autorretratos, escenas mitológicas y religiosas. Destacó en la representación de la luz y el movimiento. Inventor del efecto de halo, favoreció el color sobre la forma. El arte de Tiziano tuvo un impacto considerable en la historia del arte europeo.
Veronés (1528-1588), colorista sin igual, fue el pintor del esplendor veneciano. Incluso en sus temas bíblicos, el lujo y la belleza prevalecen sobre el fervor religioso. Los frescos de la Villa Barbaro di Maser ponen de relieve una investigación sobre la percepción del espacio pictórico en relación con el espacio arquitectónico.
Mecenazgo y Renacimiento
En el siglo XV, las grandes familias principescas reinaban en las ciudades italianas. El mecenazgo estaba en pleno apogeo: los Médicis en Florencia, los Sforza en Milán. Con la escuela florentina se expresan los primeros pintores renacentistas.
El primer Renacimiento italiano, o Quattrocento, está representado por Masaccio. Inventor del punto de fuga único, centró su obra en la perspectiva, los volúmenes y las proporciones. Pero también Brunelleschi, arquitecto excepcional que diseñó la primera cúpula, y un pintor genial que buscaba las proporciones perfectas que Donatello encontraba en sus estatuas. En esta época decisiva de apertura al mundo y al conocimiento, el arte religioso se tambaleaba. Reflejo de la secularización de la sociedad, las artes plásticas se extendieron a temas profanos.
El panorama artístico milanés alcanza su apogeo con la llegada de dos maestros: Bramante, en 1479, seguido rápidamente por Leonardo da Vinci en 1482. En la agitación pictórica que se estaba produciendo, tradición y vanguardias se enriquecieron mutuamente. Esta explosión creativa fue posible gracias a los mecenas.
Francesco Sforza y sus descendientes fueron responsables de los encargos más excepcionales. Vincenzo Foppa ejecutó para él algunos de los frescos de la capilla Portinari de la basílica de San Eustorgio. Aquí aplicó magníficamente las lecciones de la arquitectura a la pintura: crear la ilusión de espacio a través de un único punto de fuga.
Ludovico il Moro confía a Leonardo la decoración de un pequeño muro del refectorio de Santa Maria delle Grazie, el Cenacolo Vinciano. Fue aquí donde el genio creó la famosa Última Cena en 1498. Las vivas emociones de los apóstoles dominan la composición de las figuras agrupadas de tres en tres, que aísla a Cristo en el centro. La luz retoma la iluminación natural de la sala para dar al espectador la impresión de entrar en la escena.
Leonardo da Vinci
El genio de Leonardo (1452-1519) impresionó a sus alumnos directos e indirectos durante varias décadas. Hijo de un campesino, Vinci entró como ingeniero en la corte del duque de Milán Ludovico Sforza. Aficionado a las matemáticas, la música, la escultura, la ciencia, el dibujo y la arquitectura, pronto recibió encargos de pintura. Anotaba sus estudios en cuadernos, pero la mayoría de sus obras quedaron inacabadas. La perspectiva y su orden geométrico figuran entre sus principales temas de estudio.
La estudiada composición, la melancolía de los rostros, el sfumato (contornos atenuados por una especie de bruma), los rostros andróginos, la iluminación difusa constituyen sus principales aportaciones, perpetuadas por los "leonardeschi". Activos en el siglo XVI, Boltraffio, Andrea Solario, Cesare da Sesto, Bernardino Luini y Agostino da Lodi contribuyeron a la armonización del gusto difundiendo sus enseñanzas en el Ducado e incluso más allá de Milán.
Entre las obras maestras de la Pinacoteca Ambrosiana de Milán figuran Leonardo, Rafael, Botticelli y un bodegón del gran pintor lombardo Caravaggio que marca el inicio de la pintura barroca.
Las 29 salas del Museo di Castelvecchio de Verona abarcan el arte italiano y europeo medieval, renacentista y del siglo XVIII en una sola visita.
El Alto Renacimiento
Hasta entonces, la revolución artística había sido impulsada principalmente por la burguesía, y Florencia era su capital indiscutible. A partir de 1500, sin embargo, el movimiento se extendió a Roma y Venecia. La ciudad romana y el papado deseaban recuperar su posición como centro cultural de Occidente.
Pintura, escultura, arquitectura, matemáticas, los genios del Renacimiento (Leonardo da Vinci, Rafael, Miguel Ángel...) aunaron conocimientos y saberes en ciencia, tecnología y talento artístico. La edad de oro del Renacimiento está encarnada en la obra de Rafael, cuya realización reúne todos los ideales de armonía de la época.
Cabe destacar los magníficos frescos renacentistas que adornan los techos del museo del Palacio de los Pío, en Módena. Fechados entre mediados del siglo XV y principios del XVI, son obra de Giovanni del Sega y Bernardino Loschi, pintores de la corte de Alberto III Pío.
Manierismo y Barroco
Tras el apogeo del Renacimiento, Italia vivió una crisis brutal que repercutió en las artes. La Reforma amenazaba la integridad de la Iglesia romana. El manierismo apareció en este clima de tensión. Los herederos de los grandes maestros desarrollaron un estilo pictórico con tonos irreales y proporciones distorsionadas. Como instrumento de la contrarreforma católica, el manierismo fue más severo y menos hedonista que el Renacimiento.
En la segunda mitad del siglo XVI, el arte barroco se impuso en Roma. Las tres figuras principales de este movimiento inspirado en las artes extrañas e irrespetuosas fueron el arquitecto Borromini, el escultor Bernini y el pintor Caravaggio. Las pinturas barrocas jugaban con los llamativos contrastes de luces y sombras para inspirar a los católicos a volver a creer, si era necesario a través del miedo. Se trata de reafirmar el poder de la Iglesia. El Barroco reinó en el norte de Italia, en Venecia, Turín y Génova hasta el siglo XVIII.
La colección de la Pinacoteca Nazionale de Bolonia reúne arte religioso desde el siglo XIII hasta el Barroco: Giorgio Vasari, Guido Reni, Rafael y Tintoretto.
Neoclasicismo
El Neoclasicismo nace de la influencia de la Ilustración y del redescubrimiento de la Antigüedad. Se traduce en una búsqueda de la belleza absoluta, el equilibrio y la claridad. El pintor Andrea Appiani (Milán, 1754-1717) y el escultor Antonio Canova (Possagno 1757-Venecia 1822) fueron nombrados artistas oficiales del Emperador y del Rey de Italia. En los siglos XVIII y XIX, el arte italiano perdió fuelle y su influencia decayó.
Sin embargo, los encargos privados siguieron manteniendo el dinamismo de Lombardía en el siglo XVIII. Giacomo Ceruti, conocido como el Pitocchetto, desarrolló su actividad en Brescia y retrató la pobreza de una sociedad campesina y obrera. En el siglo siguiente, la pintura romántica alcanzó su apogeo con Francesco Hayez, que pintó sus famosos Besos en 1859(Pinacoteca di Brera).
Siglo XX
En el siglo XX, el arte italiano recuperó rápidamente su proyección internacional. En 1909 se formó en Milán el movimiento futurista tras la publicación del Manifiesto Futurista. Concebido por el poeta Filippo Marinetti (1876-1944), apareció por primera vez en un diario francés, Le Figaro. El futurismo hundía sus raíces en el neoimpresionismo y el cubismo franceses. Este movimiento, que no se limitaba a las artes gráficas, quería acabar con las tradiciones del pasado. Propugnaba una nueva estética basada en el progreso, la máquina y la velocidad. Es ante todo un arte urbano. Evocado por la modernización de las ciudades o la invención de nuevos medios de transporte (aviones, coches, etc.), el futurismo representa ciudades imaginarias o el movimiento estilizado de máquinas en colores vivos. Entre sus filas se encontraban Sant'Elia, Balla, Cara y Russolo.
En Milán, el futurismo puede admirarse hoy en el Padiglione d'Arte Contemporanea y en el Museo del Novecento, que alberga el famoso bronce de Boccioni Hombre en movimiento. El lugar también defiende a muchos contemporáneos italianos, como el pintor y poeta milanés Emilio Tadini.
En la actualidad
Primer museo público italiano dedicado a la fotografía, MUFOCO (Bálsamo) pone la fotografía contemporánea en el punto de mira dando protagonismo a los hijos del país, como Giovanni Gastel (1955-2021).
La capital del Renacimiento se pone al día. En el complejo Leopoldino, Florencia presenta el arte del siglo XX en el Museo Novecento.
En Milán, el arte callejero florece en los barrios de Isola y Lamabrate. El Museo de Arte Urbano Aumentado o MAUA ofrece visitas fuera del centro. Desde frescos a grafitis, las obras de 200 artistas emergen de la pared ante la mirada atónita de los visitantes, a los que se invita a encuadrarlas con sus smartphones.
Dos coleccionistas de renombre han elegido Venecia como su hogar. En 1949, la mecenas y galerista estadounidense Peggy Guggenheim compró el Palazzo Venier dei Leoni, en el Gran Canal. La Collezione Peggy Guggenheim, de escala humana y con jardín, reúne a maestros del arte contemporáneo: Picasso, Mondrian, Chagall, Pollock, Dalí, Kandinsky y Magritte.
La colección Pinault ocupa dos lugares excepcionales restaurados por el arquitecto Tadao Ando: el Palazzo Grassi y la Punta della Dogana. Para acompañar las exposiciones temporales, se invita a artistas a crear obras in situ. En el Norte de Italia, se dejará llevar por un torbellino artístico de varios siglos.
