Danzas tradicionales
Quizá sea la tardía unificación, pero Italia es un conjunto de identidades regionales muy marcadas. Y nada ha dejado tan grabado el fuerte carácter de cada territorio como sus músicas y danzas tradicionales. En general, reflejan una cultura, su dialecto y su historia. Dicho esto, hay rasgos comunes en cada zona. Por ejemplo, en el norte, hay influencias celtas (notables en el uso de la flauta de seis o siete agujeros como fiffaro o la gaita llamada piva aquí) y la recurrencia del canto polifónico (sobre todo en Lombardía, Liguria o Friuli). En el sur, se adivinan (lógicamente) influencias balcánicas o norteafricanas, sobre todo en Apulia o Campania.
En el norte, las tradiciones musicales se han conservado especialmente bien gracias al trabajo de grupos locales con un enfoque etnomusicológico. Por ejemplo, en Piamonte, La Ciapa Rusa, su grupo afiliado Tendachënt y Tre Martelli mantienen vivo el folclore local reorquestando músicas y danzas ancestrales como la monferrine, la alexandrine, la curente o la sestrine. Además del aspecto artístico, la misión de estas entidades es casi de interés público y a veces implica la recopilación y grabación de tradiciones piamontesas. Lombardía y Véneto presentan casos similares con, para la primera, el grupo Barabàn, que da nueva sangre a las polifonías del valle del Po o a las canciones arcaicas de los Apeninos, y para la segunda, el grupo Calicanto y la Orquesta Popular de los Dolomitas.
En el noreste, y más concretamente en Friuli-Venecia Julia, se practica la villotta, una canción polifónica a tres o cuatro voces, centrada en torno a un breve texto poético y llena de improvisaciones. También bailan el bien llamado "forlane", un enérgico primo de la giga, salpicado de saltos. Si el nombre hace cosquillas en los oídos de los melómanos, quizá sea porque ya se han topado con él en composiciones de François Couperin(Quatrième Concert Royal de 1722), Jean-Philippe Rameau(Les Indes galantes, 1737) o Mozart en Bastien y Bastienne (1768). Más al sur, en una franja que une las Marcas con el Lacio, se practica una danza emparentada con la tarantela y la zumbarella: el saltarello. Animado y lleno de saltos, representa los juegos del amor y la seducción y aún hoy se practica mucho, sobre todo en las bodas.
En elnoroeste, en Liguria, la gente utiliza sus cuerdas vocales a través del trallallero, un canto polifónico a capella típico del interior genovés, basado en la repetición de onomatopeyas sin sentido pero armónicas. El trallalero es un arte (puramente masculino) de la espontaneidad, y no es nada raro ver a cantantes improvisando en grupo sin conocerse -en "jams" llamadas arrecheugeiti- por las calles de Génova.
En la vecina Toscana, y en Florencia en particular, a la gente también le gusta hacer buen uso de sus cuerdas vocales, ya que las canciones populares son un pilar de la identidad de la región. Canciones de cuna, canciones de trabajo o simples cancioncillas encierran la memoria toscana y han sobrevivido especialmente bien gracias a la investigación y el trabajo de etnomusicólogos-músicos como Claudio Malcapi o Caterina Bueno.
En Emilia Romaña, las parejas bailan el liscio, una práctica cuyas raíces se remontan al siglo XIX, cuando Italia era especialmente aficionada al vals, la polca y la mazurca. Estos tres bailes, junto con la tradición musical local, dieron forma al liscio. Secondo Casadei (1906-1971), el "Strauss de Romaña", hizo mucho por popularizar este baile y esta música en todo el país.
Umbría no carece de tradiciones, y el Sor Cesare, Punta e Tacco, Trescone, Lo Schiaffo y La Manfrina son bailados y mantenidos vivos por grupos folclóricos -de nuevo- como Agilla e Trasimeno.
Elsur de Italia es, obviamente, sinónimo de tarantela. Originaria de Apulia hacia el siglo XVIII, no es un baile sino una familia de danzas que originalmente tenían una función terapéutica como antídoto contra la picadura de la tarántula (lo que explica su nombre). Muy popular en Apulia, Calabria y Nápoles, su forma varía de una región a otra. En Apulia, y en particular en la península de Salento, se encuentra la famosísima pizzica, una frenética danza a dúo; en Calabria, la tarantela es bastante parecida a la pizzica y también se practica a dúo, pero en una ronda danzada y móvil llamada "rota " (rueda), mientras que en la región de Nápoles se practica la tammurriata. Esta última es verdaderamente la danza napolitana por excelencia, con el ritmo de la tammorra, una pandereta cargada de platillos, ejecutada en círculo a ritmo binario, en parejas enfrentadas, con los brazos delante del cuerpo y los codos hacia fuera.
Artistas como Peppe Barra y la Nuova Compagnia di canto popolare son excelentes puntos de partida para descubrir la música tradicional napolitana, y en Calabria el grupo Re Niliu es conocido por su mezcla de tradiciones e instrumentos calabreses con músicas del mundo.
Música clásica
No es de extrañar que Italia haya sido siempre una de las tierras más fértiles del mundo para... ¡absolutamente todas las artes! Y el campo de la llamada música culta no es una excepción a la regla. Italia es incluso pionera, porque si nos remontamos en la historia musical hasta el siglo XI , nos encontramos con un tal Guy d'Arezzo, oriundo de la provincia de Ferrara e inventor revolucionario del sistema de notación musical en pentagrama. Perdón por el juego de palabras.
A partir de entonces, aunque el siglo XIV fue un periodo de gran dinamismo artístico en Italia, no fue hasta el Renacimiento cuando el país fue bendecido con mil talentos. Empezando por el más grande músico italiano de la época: Palestrina. Figura importante del siglo XVI, Giovanni Pierluigi da Palestrina es considerado a menudo el padre de la música religiosa occidental. Durante el mismo siglo, fue Venecia la que se consolidó como la ciudad italiana líder en la vida musical europea. Próspera y estable, la Serenissima se impuso rápidamente como centro de publicación de partituras, una baza que atrajo a compositores europeos, entre ellos algunos flamencos que siguieron siendo emblemáticos de la escuela veneciana, como Jacques Buus y Adrian Willaert.
El sigloXVII fue testigo de una pequeña revolución musical en Italia. En Florencia, en particular, los compositores Jacopo Peri y Ottavio Rinuccini colaboraron en 1598 en una obra titulada Dafne, que dio origen a la ópera. Dado que hoy sólo se conservan algunos fragmentos de ésta, es el célebre Claudio Monteverdi (1567-1643) y su no menos famoso Orfeo (estrenado en 1607) quien se considera la primera obra de ópera.
El mismo siglo fue también el del Barroco, dominado por los grandes Alessandro y Domenico Scarlatti y, sobre todo, Antonio Vivaldi (1678-1742). Este último es un prodigio del violín que no necesita presentación, ni tampoco su obra emblemática, las Cuatro Estaciones, que se interpreta de todas las maneras posibles, y a veces no del mejor gusto.
Alessandro Scarlatti (1660-1725) era siciliano de nacimiento, pero identificado con la ciudad de Nápoles, donde produjo sus principales obras. Prolífico compositor de óperas (¡un centenar!), su principal obra es Il Trionfo dell'onore, estrenada en Roma, donde fue colmada de elogios, antes de convertirse en un gran éxito en Nápoles. Alessandro Scarlatti introdujo a su hijo Domenico (1685-1757) en la música a una edad temprana, y él también siguió siendo famoso, especialmente por sus sonatas.
A finales del siglo XVII, los Scarlatti estaban inmersos en la efervescencia artística napolitana. Nápoles, junto con París, dominaba la escena musical del continente; la efervescencia era tal que 400 iglesias tenían su propia formación musical. En este ambiente nació en Nápoles una forma teatral singular y nueva:la óperabufa ("opera buffa", ligera y cómica). Esta variante original se fue imponiendo poco a poco en toda Europa e incluso llegó a simbolizar lo que más tarde se llamaría la "escuela napolitana". Iniciada por Scarlatti padre, esta escuela contaba con todas las grandes mentes musicales napolitanas que marcarían el siglo siguiente: Francesco Provenzale, Nicola Porpora, Francesco Durante, Giovanni Battista Pergolesi y más tarde Niccolò Jommelli, Tommaso Traetta, Niccolò Piccinni, Giovanni Paisiello y Domenico Cimarosa..
Aprincipios del siglo XVIII, la ópera napolitana también alimentó su reputación con sus castrati, la mayoría de los cuales se formaron aquí. Como recordatorio, los castrati eran cantantes (masculinos) a los que se les habían extirpado quirúrgicamente las glándulas genitales entre los 7 y los 12 años para que no mudaran la voz. Así, el aparato vocal no se desarrollaba mientras maduraba el resto del cuerpo, lo que les permitía conservar el timbre luminoso de un niño pero con el "pecho" de un cuerpo adulto. Estrellas totales, los castrati más famosos vivieron en la gloria absoluta, como Farinelli, que ha seguido siendo una leyenda tanto por su voz excepcional como por sus caprichos...
El sigloXVIII fue también una época de grandes obras en Italia. En esta época se construyeron el teatro San Carlo de Nápoles en 1737 y luego La Scala (1776-1778) de Milán, dos escenarios legendarios donde siguen actuando temporada tras temporada los artistas más respetados del mundo.
El sigloXIX es el siglo del Risorgimento. Es la época del Romanticismo en la literatura, el arte y la música europeos, una corriente atenta a las pasiones humanas y a los tumultos del alma como el amor, el heroísmo, el valor, la libertad, etc. Un siglo dominado por artistas como Vincenzo Bellini (1801-1835), uno de los compositores más importantes de óperas italianas (entre ellas La sonámbula, Norma y Los puritanos) y su gran rival Gaetano Donizetti (1797-1848), también famoso por sus óperas: L'Elisir d'amore, Lucia di Lammermoor, Don Pasquale ... Este último se considera a menudo el precursor de Giuseppe Verdi (1813-1901), el eterno e intemporal compositor de óperas (veintiséis) cuya obra está marcada por la dimensión psicológica infundida en sus personajes - el ejemplo más famoso es, por supuesto, Rigoletto. Quizás sea el compositor italiano de ópera más representado (y amado) en el mundo, incluso hoy en día.
Otro icono del siglo, Niccolò Paganini (1782-1840), es el "mejor violinista de todos los tiempos", un compositor fabuloso e innovador que influyó en muchos otros músicos románticos, empezando por Liszt.
Si el sigloXX italiano está marcado por la música minimalista, la abstracción y la atonalidad -una vanguardia encarnada por Luigi Nono, Luciano Berio y Sylvano Bussotti-, también es el siglo de los grandes directores de orquesta italianos. Empezando por Claudio Abbado (1933-2014), inolvidable e icónico director de orquesta italiano. Al tomar el timón de La Scala con sólo 35 años, fue bajo su impulso como la institución se transformó y renovó su repertorio y su público. Como director de algunas de las orquestas más prestigiosas del mundo -la Orquesta Sinfónica de Londres, la Ópera Estatal de Viena y la Orquesta Filarmónica de Berlín-, Claudio Abbado es desde siempre una figura de referencia.
Durante su etapa en La Scala, Claudio Abbado tuvo como asistente a un tal Riccardo Chailly, un joven talento precoz que estaba a punto de explotar. Esto ocurrió en poco tiempo, y el italiano se convirtió en objeto de codicia de las instituciones musicales más prestigiosas, como la DSO de Berlín, la Orquesta Filarmónica de Londres o la Ópera de Leipzig. Volvió a la fuente, La Scala, en 2017, pero esta vez como director musical. Una consagración.
Otro italiano muy querido, Daniele Gatti , es un director de gran agilidad, igualmente hábil en el campo de la ópera y la sinfonía, y cuya calidad interpretativa le hace merecedor regularmente de elogios. Un talento bien conocido por el público francés, ya que fue director musical de la Orquesta Nacional de Francia entre 2008 y 2016 antes de asumir la dirección del prestigioso Concertgebouw de Ámsterdam.
¿Y qué mejor manera de concluir este prestigioso podio que con Riccardo Muti? Después de trabajar con la Philharmonia Orchestra antes de asumir la dirección de la Orquesta de Filadelfia en 1980 y luego de La Scala entre 1986 y 2005, su carrera alcanzó la cima cuando asumió la dirección de la Orquesta Sinfónica de Chicago en 2010. Es aquí, al frente de una de las "Big Five" (las cinco orquestas sinfónicas más prestigiosas de Estados Unidos), donde este especialista en Verdi, Rossini y Puccini se ha consolidado como uno de los directores más valiosos de su tiempo.
En Italia, los monumentos musicales no sólo son de carne y hueso, y entre los escenarios importantes, no olvidemos mencionar el Teatro Regio de Turín, magnífico lugar lleno de historia, donde se estrenó La Bohème de Puccini en 1896 en presencia del Rey Víctor Manuel II. Tampoco hay que olvidar el Teatro La Fenice, sin duda uno de los teatros de ópera más bellos del mundo, donde Verdi creó Rigoletto en 1851.
Música popular
La canción italiana es todo un mundo. Y, te interese o no, siempre sabes un poco más de lo que crees. En esta galaxia de melodías eternas, Come Prima, un éxito de los años 50 versionado por Dalida bajo el nombre de Tu me donnes, es una de las primeras emociones. Se trata del icónico Mina, cuya carrera incluye un número inigualable de joyas(Une anno d'amore y Cittá Vuota merecen ser escuchadas una y otra vez). Por otra parte, sin ningún orden en particular, mencionemos a Domerico Modugno, cuyo éxito Nel blu dipinto di blu (es el famoso "Volare") fue versionado por los Gipsy Kings, Toto Cutugno, el autor de L'Italiano, o el crooner Adriano Celentano, cuyo 24.000 baci también fue cantado por Dalida. Más tarde, fueron Umberto Tozzi y su inquietante Ti amo, Laura Pausini y su Solitudine o Andrea Bocelli, el tenor ciego, quienes cosecharon grandes éxitos aquí y allá. Más jazzístico y melancólico, mencionemos también al maravilloso Paolo Conte, emblema de este buen humor agridulce tan italiano.
En otro género, Italia es un gran país de bandas sonoras. No podemos evitar pensar en primer lugar en Ennio Morricone, cuyas composiciones para los spaghetti western contribuyeron en gran medida a popularizar el género. Cuando no robaban el protagonismo a los protagonistas. Otro gran nombre de las bandas sonoras, Nino Rota, sigue siendo famoso por su trabajo en las películas de Federico Fellini y, más tarde, en la serie de El Padrino. Y no hay que olvidar a Piero Umiliani, que, aunque trabajó en películas de serie B y obras de nicho, dejó algunas bandas sonoras magníficas, como la de la película erótica de Luigi Scattini La chica con piel de luna (1972), de escucha obligada.
Música actual
La música italiana se renueva constantemente. Su sangre se refresca gracias a una magnífica nueva escena pop rebosante de jóvenes talentos como Andrea Laszlo De Simone, sofisticado, suave y soñador, el increíble Giorgio Poi, que moderniza magníficamente el pop de los años 60/70 de sus mayores Lucio Battisti y Lucio Dalla, y Calcuta, adorado por sus canciones de autor. Al igual que su prima francesa, la nueva escena italiana también brilla por la calidad de su música electrónica: Not Waving, Lorenzo Senni, Caterina Barbieri, Alessandro Adriani, Silvia Kastel y Andrea Belfi... Un puñado de nombres que garantizan la buena salud de la joven creación musical italiana.
En otro orden de cosas, varios grupos italianos han cosechado éxitos más allá de sus fronteras en los últimos años. Primero en electro, con The Bloody Beetroots y Crookers, dos bandas de éxito de los años 2010, y luego, más recientemente, los ganadores de Eurovisión 2021, Måneskin, una banda ligeramente sulfurosa que hace honor al lema " ¡sex, drugs & rock'n'roll!"
