Prehistoria

Los primeros vestigios de expresión artística en este vasto país asiático se encuentran en las cuevas de Madhya Pradesh, en Bhimbetka. Los petroglifos más antiguos datan de alrededor del 8.000 a.C. Realizados en su mayoría con pigmentos minerales rojos y blancos, representan animales y seres humanos en escenas de danza, caza, combate y actividades cotidianas como la recolección de miel. En las paredes rocosas aparecen pavos reales, tigres, bisontes, leones y elefantes.

En el valle del Indo, en la frontera entre India y Pakistán, se desarrolló la civilización Harappan hacia el 3300 a.C.. Tras siglos de florecimiento probablemente pacífico, cayó en el olvido hasta las excavaciones emprendidas a finales del siglo XIX. Estas campañas revelaron el papel clave que desempeñó el arte de la cerámica en su expansión, sobre todo en el valle del Ganges. Las esculturas indias más antiguas se produjeron en terracota y bronce entre el 2500 y el 1800 a.C. En el Museo Nacional de Nueva Delhi se conservan modestas figuras humanas y animales danzantes.

Antigüedad

Los antiguos griegos y romanos fueron los primeros fascinados por el arte indio. Quizá porque la escultura ocupa un lugar tan destacado en la India. Siglos antes de nuestra era, las primeras creaciones monumentales se tallaban en piedra. A partir del sigloV, se adoptó la técnica de fundición en bronce a la cera perdida, utilizando un molde. Las altas esculturas honraban a divinidades, en particular a Shiva y Buda. El jainismo y el islamismo influyeron en la creación de estas divinidades de piedra en relación con los lugares sagrados.

Las paredes de los templos se adornaban con relieves narrativos. Bajo el reinado de Narashimavarman I, en el siglo VII, los bajorrelieves cubrían las paredes de templos y cuevas, aún visibles hoy en la región de Chennai. En el yacimiento de Mahabalipuram, las esculturas rupestres de las cuevas de Mahabalipuram son una perfecta ilustración del arte popular hindú. En el santuario dedicado a Shiva, un altorrelieve muestra a la deidad en familia, o en Somaskanda, es decir, con su esposa Parvati y su hijo Skanda. En la pared norte, la diosa Durga aparece como Mahisamardini, su forma guerrera. Montada en su león, caza al demonio Mahisa, con cabeza de búfalo. En el lado sur, Vishnu yace sobre la serpiente Ananta, símbolo del tiempo infinito, mientras dos demonios (el mal y la ignorancia) se empeñan en despertarlo. En la caverna Varaha 2, cuyas columnas están sostenidas por leones cornudos, vemos a Vishnu como un jabalí que transporta a la diosa Tierra emergiendo de las aguas. Visnú aparece en varios lugares del sitio del Patrimonio Mundial de la Unesco como un enano brahmán o como un pastor.

El Taj Mahal

Símbolo de la India en todo el mundo, el Taj Mahal se construyó en el siglo XVII. Construido entre 1631 y 1653 en Agra, esta joya de la arquitectura indoislámica celebra el amor del emperador mogol Shah Jahan por Mumtaz Mahal. El majestuoso edificio no es otro que el mausoleo de la tercera esposa del maharajá. Mumtaz fue de hecho su primer amor, con quien su padre le prohibió casarse debido a su rango. Le obligó a tener dos esposas, con las que no consumó su matrimonio. A la muerte de su padre, el emperador pudo por fin casarse con su amada. Mumtaz le dio catorce hijos, antes de morir el 17 de junio de 1631. Devastado, Shah Jahan exigió a sus arquitectos que construyeran un edificio digno del paraíso. Un símbolo de su amor eterno.

Hoy, el amanecer y el atardecer proyectan un romántico resplandor sobre el monumento de mármol blanco. Sus fachadas con incrustaciones de marquetería juegan con la luz. Todas las superficies tienen incrustaciones de piedra o están finamente esculpidas en estuco. El mármol se utiliza en las partes más importantes.

Shah Jahan inició un vasto programa de construcción.

El primer ejemplo de tumba ajardinada, construida antes que el Taj Mahal, puede visitarse en Delhi. Joya del periodo mogol, la tumba de Humayun data de 1560 y su interior octogonal presenta incrustaciones de piedra y mármol sobre arenisca roja.

Características del arte indio

A diferencia de otras culturas influidas por el Islam, el arte indio nunca ha abandonado la figuración.

El rasgo distintivo de la estética india es su permanencia. Ciertas características han perdurado durante dos milenios. Predomina el arte religioso, aunque la religión y la vida cotidiana están tan entrelazadas que es difícil distinguirlas.

La figura humana se idealiza. Generalmente se representa a personas adultas, sin signos de envejecimiento, enfermedad o debilidad. Tampoco hay pudor, sino exaltación del cuerpo humano. El desnudo apenas lleva velo. La mujer muestra con orgullo su sensualidad, con refinamiento y delicadeza.

Los escultores y pintores indios se nutren alegremente del panteón de 33 millones de dioses. Sin embargo, la gran Trinidad de Brahma, Visnú y Shiva reina suprema. Cada uno adopta distintas apariencias y atributos según la historia. Además, las creencias locales enriquecen el abanico de encarnaciones. Estos avatares se inspiran en el reino animal y en las cualidades inherentes a cada especie.

Los tratados establecen los cánones que deben respetarse. Según estos 6 Shadanga, todos los artistas deben infundir a sus creaciones belleza de formas, armonía de proporciones, emoción, estética, realismo y equilibrio de colores. A pesar de ello, las normas nunca han obstaculizado el dinamismo del arte indio.

El surgimiento del clasicismo

La dinastía Gupta (siglos IV-VI ) se caracterizó por el retroceso de la figura humana en favor de los temas divinos. Los temas brahmánicos se beneficiaron de la perfección gráfica adquirida a lo largo de los siglos. El arte siguió siendo narrativo, pero perdió gradualmente su calidez. El estilo clásico se extendió por Asia.

En toda la India comenzaron a surgir escuelas locales a partir del siglo VII. El declive del budismo, que desapareció en el siglo XII, repercutió en las artes plásticas. La religión védica que le sucedió inspiró obras más agitadas pero también más grandiosas.

Surgieron dos tendencias: una que perpetuaba los cánones y otra que combinaba la escultura con la arquitectura.

La pintura, menos desarrollada, se enriqueció con influencias iraníes y luego europeas. Los soberbios frescos de Ajanta (Estado de Maharashtra - siglos I a VII ) son un ejemplo. En estas cuevas, una profusión de escenas llenas de vida ilustran la vida de Buda en un estilo a la altura del clasicismo indio. Los pintores realizaron retratos y escenas cortesanas. Los miniaturistas ilustraban poemas brahmánicos. Los palacios se adornaban con frescos y galerías de pinturas. Una impresionante colección de pinturas del siglo XIX puede verse en Cochin (Kochi), en el Museo Pareekshith Thampura y la Galería de Arte Durbar Hall.

Pintura Rajput

Imperios y dinastías se han sucedido en las tierras agrícolas de Rajastán. La pintura se desarrolló especialmente bien en este estado.

Bajo la dinastía de los grandes mogoles (1528-1858), predominantemente islámica, proliferaron los talleres de pintura. Cada obra, nacida de la colaboración, era anónima.

Entre los siglos XVI y XIX surgieron varias escuelas de pintura. Las primeras fueron las de Mewār y luego Bundi. Dominado por la iluminación, este arte cortesano se inspiraba en las miniaturas persas y el grabado europeo. La pintura rajput ilustra el hinduismo (Râma y Krishna) o, en menor medida, sentimientos como el amor. Las figuras, vistas de perfil, tienen ojos enormes y narices finas. El fondo, de vivos colores, está adornado con elementos naturales.

Bajo Shah Jahan, dos géneros fueron muy apreciados: el retrato oficial y el paisaje nocturno. En un estilo frío, el soberano se muestra en una actitud congelada y llena de orgullo. Se utilizó una rica paleta para representar su autoridad de todas las formas posibles, incluso de pie sobre un globo terráqueo. Inspirándose en la iconografía occidental, los pintores incluyeron querubines que desplegaban odas a su gloria en estandartes. En los manuscritos aparecieron elementos naturalistas inspirados en las tendencias europeas.

Postcolonialismo

Tras convertirse en colonia británica en el siglo XIX, India fue testigo de la apertura de escuelas de arte que promovían los estilos europeos. La influencia funcionó en ambos sentidos. El pintor británico Horace Van Ruith retrató la vida de un hogar brahmán, mientras que los pintores indios descubrieron una visión occidental del Romanticismo.

El año 1947 y la independencia de la India marcaron un punto de inflexión cultural. Los artistas se embarcaron en la búsqueda de nuevos estilos. A partir de entonces, su gusto por la experimentación siguió creciendo. En 1952, seis artistas formaron el Grupo de Artistas Progresistas de Bombay. Aunque duró poco, todos los grandes artistas plásticos de la década de 1950 se unieron al grupo. Maqbool Fida Husain (1915-2011), fundador de este movimiento progresista, recuperó la pintura narrativa y el cubismo. Influido por Picasso, Husain fusionó la estética india con las innovaciones del maestro.

En el Sur, el modernismo indio llegó a través del movimiento de Madrás, nacido en la década de 1960 en Chennai. Tras la independencia, los artistas cuestionaron la identidad nacional. El primer director indio de la Escuela de Artes y Oficios de Madrás, Devi Prasad Roy Chowdhury, estableció el primer plan de estudios de arte en el Sur, sentando las bases del primer movimiento artístico moderno. En escultura, el movimiento fue liderado por S. Dhanapal. A diferencia de otros movimientos modernos, como el Grupo de Artistas Progresistas de Bombay, la Escuela de Madrás rechazó toda inspiración europea. Durante tres décadas, estos artistas se basaron en la historia, la mitología, el folclore y la iconografía local para desarrollar un vocabulario nacionalista. Figuración y abstracción coexistieron. KV Haridasan (1937-2014), pionero del arte neotántrico, representa la tendencia abstracta; C Douglas, pintor y escultor nacido en 1951, se inició en la abstracción geométrica, antes de establecerse en el pueblo de Cholamandalam, donde mezcló medios de expresión y figuración con abstracción.

Amrita Sher-Gil

Pionera de las mujeres artistas en la India, Amrita Sher-Gil (1913-1941) demostró que las artes no eran patrimonio exclusivo de los hombres. De origen húngaro y sij, Amrita Sher-Gil recibió una variada educación artística. En París, se matriculó en la Académie de la Grande Chaumière, y después en la de Beaux-Arts. Se dedica a pintar al aire libre. A su regreso a la India, su estilo se simplifica. Allí plasmó su imagen de la India a través de retratos de la población local. Su estilo echó raíces en la encrucijada de Oriente y Occidente. En 1937 realizó una trilogía de pinturas del sur de la India, de las que Brahmacharis sigue siendo una de sus obras más logradas. Su refinado estilo se basa tanto en la forma como en el color. La artista nunca dejó de trastocar los códigos, y abordó la representación de la mujer en Mujer descansando sobre Charpoy (1940).

Sus obras fueron donadas a la nación tras su muerte a los 28 años. Célebre en las décadas de 1970 y 1980, se la cita a menudo en los debates sobre la identidad.

El año en que Amrita Sher-Gil pintó su obra maestra, 1937, nació la primera artista abstracta de la India, Zarina Hashmi.

Escenario actual

El arte contemporáneo indio abarca infinidad de estilos. Muchos de estos talentos gozan de reconocimiento internacional. Anish Kapoor, nacido en 1954, se trasladó a Londres en la década de 1970, pero sigue afirmando ser de Bombay. Desde el principio, su estilo depurado llamó la atención. El interés creció cuando sus obras, colocadas en el suelo, adquirieron proporciones gigantescas. Kapoor juega con las superficies. Inicialmente reflectantes, luego se pintan con Vantablack, un negro que absorbe la luz para crear la ilusión de una cavidad. Fue premiado en la Bienal de Venecia, y después recibió el codiciado Premio Turner.

Su contemporáneo Atul Dodiya saltó a la fama en 1999 con una serie sobre Mahatma Gandhi. El artista incluye ahora imágenes de Bollywood en sus instalaciones y fotoensamblajes.

La escultora Sakshi Gupta, nacida en 1979, recicla materiales cotidianos y les da un toque de espiritualidad con la ayuda de la luz. Algunas de sus composiciones, como la grandiosa Some Beasts, evocan animales de la mitología india.

Subodh Gupta, una superestrella del arte contemporáneo, nació en 1964. De origen humilde, se formó como pintor antes de diversificarse en distintos medios. Finalmente se dedicó a la escultura, cuyo tema gira en torno a la cultura india. Vacas y objetos cotidianos se presentan para reflejar los cambios económicos de su país.

Al aire libre

El polifacético artista Harshvardhan Kadam se relaciona con el público a través del arte urbano. Su talento reside en la pintura, ya sea sobre lienzo o mural, la ilustración de libros o las películas de animación. Kadam firmó especialmente Song of the City (Canción de la ciudad ) en el muro de la prisión de Yerwada, en Pune. Con 320 metros de largo y 7 de alto, es el mural más grande de la India. Nacido en 1984, Kadam, también conocido como Inkbrushnme, pinta escenas mitológicas en paredes de todo el mundo.

El arte callejero es una forma de vida en la India. Se pintan estrellas de Bollywood en los rickshaws, anuncios en las paredes y dioses en los escaparates de las tiendas para recordar que está prohibido orinar en público. Incluso en los pueblos más remotos, pintar al aire libre es una tradición.

El primer distrito de Nueva Delhi que se abrió a los artistas callejeros fue Khirki Village. Allí, junto a un vertedero, se pintó un rostro de Buda muy llamativo con una máscara anticontaminación. Por desgracia, ahora está cubierta de pintura blanca. Pero eso no ha mermado el ánimo de los lugareños. Khirki alberga numerosas galerías jóvenes, así como Khoj, un centro de arte contemporáneo que ofrece residencias y eventos innovadores.

En la capital, el fresco más alto (45 metros) e icónico adorna la fachada de la Jefatura de Policía. El famoso retrato de Gandhi, todo sonrisas, es obra de Anpu Varkey y el artista alemán Hendrick ECB Beikirch. Fue el primer encargo oficial de arte público. Se creó en enero de 2014 en el marco del Festival St+Art Delhi. La asociación St+Art India promueve el arte público en las principales metrópolis de la India. A largo plazo, espera generar centros creativos y dinamizar los barrios. Y funciona En Shahpur Jat, barrio de diseñadores del sur de Delhi, el festival ha tenido tanto éxito que las calles se han transformado. Han surgido cafés de moda, talleres y casas de moda. Lodhi Colony, Moolchand y Khan Market pronto contribuyeron al desarrollo artístico de Delhi.

En Bombay, el festival St+Art anima el distrito artístico de Mahim y en Chennai hace vibrar Kannagi. Los frescos sobre el tema del amor, la paz y la vida local son dignos herederos de un arte sorprendentemente humano.