Urushi o el arte de la laca japonesa
La laca Urushi se deriva del árbol de la laca del mismo nombre y floreció en Japón hace más de 2.000 años. Los primeros objetos lacados datan de finales del período Jōmon (13.000 a 300 a.C.). Hasta el siglo X, aunque la técnica era en gran parte indígena, los motivos tomaban prestadas formas y patrones chinos, antes de que elurushi japonés se desarrollara de forma decisiva durante las eras Nara (710-794) y luego Heian (794-1185). La técnica maki-e, que consiste en rociar la laca con oro o plata, se liberó entonces de las técnicas ancestrales. Durante el período Kamakura (1185-1333), se desarrolló la decoración de grandes objetos, el trabajo de laca en relieve y la técnica de incrustación de perlas (o raden) . El shōguns tiene una gran admiración por los productos chinos, este período vio el florecimiento de nuevas técnicas mezcladas con el conocimiento de las dinastías Song y Ming. Por el contrario, las lacas se exportaban a Corea y China. En el siglo XVI, la llegada de los portugueses proporcionó un nuevo mercado, mientras que los europeos se apasionaron por los objetos lacados. Más tarde, la propia reina María Antonieta las recogió Desde entonces, la laca japonesa ha disfrutado de una creciente reputación internacional.
La escultura japonesa, desde la tradición budista hasta la modernidad
En la Tierra del Sol Naciente, la mayoría de las esculturas están vinculadas a la tradición budista, cuya edad de oro es la de la escuela Kei, que apareció a principios del período Kamakura (1185-1333) y fue influyente hasta finales del siglo XIX. Aunque permanecieron vinculados al budismo, los escultores de Kei contribuyeron al desarrollo de este arte, refinando las características de las obras. Los dos grandes nombres de esta tradición son Unkei (1151-1223) y Kaikei (1183-1223), que, en estilos muy diferentes, marcaron la historia artística del país. Muchas obras de este período se pueden encontrar en Nara, como el Niō de Tōdai-ji. En el Japón moderno, se está desarrollando una escultura inspirada en el estilo occidental. En el siglo XX, el país dio a luz a grandes artistas que marcaron la historia de la escultura moderna, por ejemplo Isamu Noguchi (1904-1988), también diseñador. Hoy en día, la escultura contemporánea no puede ser superada, con figuras destacadas como Tadashi Kawamata (1953-) o Kohei Nawa (1975-).
De la influencia china a Yamato..
La pintura japonesa tiene una historia muy antigua, como lo demuestran los objetos decorados de los períodos Jōmon (-13.000 a -300 a.C.) y Yayoi (300 a.C. a 300 d.C.). Fue con el desarrollo del arte budista durante el período de Nara (710-794) que la pintura, principalmente los murales, comenzó a florecer de manera decisiva. Este arte está fuertemente influenciado por las dinastías Sui y Tang de China, donde el paisaje es el principal foco. Sólo más tarde, a principios del período Heian (794-1185), nació el yamato-e, un estilo de pintura profana distintivamente japonés, más decorativo, detallado e inspirado en la vida cotidiana. No hay que perderse de este período la pantalla de paisaje Tô-ji, que ahora se exhibe en el Museo Nacional de Kioto, uno de los pocos tesoros sobrevivientes del período. Durante los períodos Heian y Kamakura (1185-1333), los pintores ilustraron no sólo la vida de los religiosos, sino también la de la nobleza y las grandes figuras nacionales, en particular las de las novelas de la corte imperial. Al mismo tiempo, nació un nuevo estilo de pintura con tinta monocromática, procedente de China y basado en el lavado, pero sólo despegó realmente durante el período Muromachi (1336-1573). Bajo el régimen de Ashikaga, la pintura de paisajes fue apoyada por la familia gobernante y fue fuertemente influenciada por el Zen. Los monjes, también pintores y calígrafos, como el famoso Sesshū (1420 - 1506), se hicieron cargo de la técnica de lavado para darle un estilo claramente japonés.
Desde Muromachi (1336 - 1573) hasta Meiji, la gran escuela Kanō
El período Muromachi (1336 - 1573) también vio el surgimiento de la famosa escuela Kanō, que, lo más cerca posible del poder, influiría en el archipiélago durante varios siglos. Uno de sus miembros, Kanō Motonobu (1476 - 1559), mezcla hábilmente los lavados ligeros y transparentes con lavados de tinta anchos. Durante el período Edo (1600-1868), la escuela Kanō decoró residencias y palacios, incluyendo Eitoku Kanō (1543 - 1590), que se encargó de la decoración de la residencia de Hideyoshi Toyotomi. El Maestro Tan-yu (1602 - 1674) también decoró el Nan Zen-ji y el palacio imperial de Kyoto.
Entre el realismo y el formalismo, el Maruyama-Shijō
Frente a las escuelas oficiales de la época, como la escuela Kanō, se creó la escuela Maruyama-Shijō por iniciativa de Maruyama Ōkyo (1733-1795) y Matsumura Goshun (1752-1811), dos monumentos de la pintura japonesa. Los artistas de la escuela de Maruyama-Shijō desarrollaron un estilo que sintetizaba las dos grandes tendencias del siglo XVIII: por un lado, el idealismo de lo aprendido promovido por las viejas escuelas, que enfatiza la dimensión decorativa de las obras, y por el otro, el realismo, que hace una mirada precisa a la naturaleza inspirándose en el naturalismo científico occidental traído a Nagasaki por los holandeses.
El grabado, una revolución en el arte japonés
Sería más exacto hablar de xilografía, o xilografía, una técnica que permite la reproducción tanto de imágenes como de textos y que fue desarrollada durante el período Edo (1603 - 1868) con elukiyo-e, o "imágenes del mundo flotante". El dibujo se graba primero en un bloque de madera, antes de ser impreso en una hoja de papel. Si bien los amantes del grabado japonés en Europa suelen referirse a los grabados eróticos -el shunga o "imágenes de la primavera"-, los temas representados son variados y corresponden a los intereses de la burguesía urbana de la época, en busca de cultura y entretenimiento: personajes populares (cortesanos, actores de kabuki, luchadores de sumo, yōkai), paisajes y monumentos. Esta nueva cultura urbana se desarrolló primero en Kansai, Kyoto y Osaka, y luego en Edo (ahora Tokio). Corresponde a una era de paz y prosperidad, de evolución social y económica acompañada de un cambio en las formas artísticas. ElUkiyo-e, que permite la reproducción en papel barato, se ajusta al espíritu de la época y sus imágenes recuerdan la fragilidad del mundo y el deseo de disfrutar de las cosas de la vida. Por mencionar sólo algunos de los grandes nombres delukiyo-e, no hay que perderse las obras de Torii Kiyonaga (1752-1815), Kitagawa Utamaro (1753 - 1806), Katsushika Hokusaï (1760 - 1849) por supuesto, o Utagawa Hiroshige (1797-1858). Para ello, visita el pequeño y pintoresco Museo Ukiyo-e de Kioto.
Meiji (1868-1912), un encuentro con la estética occidental
Si el espacio pictórico fue interrumpido a mediados del siglo XVIII por la introducción de la perspectiva lineal por parte de los holandeses desde Nagasaki, las técnicas occidentales sólo jugaron un papel superficial hasta la era Meiji. La apertura a Occidente a partir de 1868 provocó una locura por los métodos europeos, en particular la pintura al óleo, que el gobierno comenzó a promover activamente. Aunque al principio los artistas japoneses que se esforzaron por romper con el estilo de los maestros europeos, a partir de la década de 1880 se estableció un nuevo camino. El Nihonga
(literalmente "pintura japonesa") incorporó así elementos del arte occidental respetando las reglas estéticas de la tradición japonesa. Bajo la influencia de Ernest Fenellosa (1853-1908), sociólogo americano cercano a los pintores Kanō, se fundó la Universidad de Bellas Artes de Tokio en 1887. Su objetivo era revivir el arte tradicional japonés y al mismo tiempo modernizarlo, sin ceder a las tendencias europeas. La investigación se está multiplicando y, mientras que el petróleo se está desarrollando, algunos están volviendo al yamato, otros a las fuentes chinas y otros al sumi-e . La pintura se mantuvo muy apegada a las tendencias literarias hasta el final de la Segunda Guerra Mundial. Los pintores más representativos de este período son Meiji Hashimoto (1904 - 1991), Kokei Kobayashi (1883-1957) y Yasuda Yukihiko (1884 - 1978). Otros vinieron a buscar inspiración en Europa y en los Estados Unidos, como Foujita (1886 - 1968).La fotografía, desde la influencia europea hasta el dominio japonés
La fotografía fue introducida en Japón en 1848 a través de los holandeses en Nagasaki. Uno de los primeros japoneses en adoptar esta técnica fue Shimazu Nariakira (1809 - 1858), un daimyō fascinado por el conocimiento occidental. Con la creciente apertura del Japón en la segunda mitad del siglo XIX, circuló más equipo fotográfico y los extranjeros comenzaron a recorrer el archipiélago para captar a sus habitantes y paisajes, o a instalar allí sus estudios como el italo-británico Felice Beato (1832-1909). Muchos fotógrafos japoneses le seguirán, como Ueno Hikoma (1838 - 1904) o Shimooka Renjo (1823 - 1924). El desarrollo de la prensa y de la industria fotográfica a principios del siglo XX favoreció el crecimiento del fotoperiodismo, con grandes fotógrafos como Ken Domon (1909 - 1990), Ihee Kimura (1901 - 1974) o Yōnosuke Natori (1910 - 1962). Aunque la Segunda Guerra Mundial debilitó el sector, se necesitaba un nuevo impulso en las décadas siguientes. El país se convirtió en líder de la tecnología fotográfica entre los años sesenta y ochenta, y muchos profesionales japoneses honraron este primer puesto, como Daidō Moriyama (1938-), Nobuyoshi Araki (1940-) o Hiroshi Sugimoto (1948-). Aunque desde los años noventa esta tendencia ha disminuido, la fotografía artística sigue renovándose en el archipiélago, con artistas de talento entre las nuevas generaciones, como Mika Ninagawa (1972-), Akihito Yoshida (1980-) o Motoyuki Daifu (1985-).
Desde el arte neo-pop hasta los artistas de datos, una escena contemporánea híbrida
La escena japonesa contemporánea es rica, diversa y ofrece mucho que descubrir más allá de las estrellas del neo-arte como el inevitable Takashi Murakami (1962-). En el campo de las nuevas tecnologías, el país se ha distinguido con artistas cuya obra ha revolucionado nuestra relación con los medios de comunicación, como Shiro Takatani (1963-) o Ryoji Ikeda (1966-). En un sentido más político, el archipiélago también está dotado de artistas críticos, cuyas obras comprometidas trastocan las normas de la sociedad japonesa, como Makoto Aida (1965-) o Koki Tanaka (1975-) y sus instalaciones compuestas. Otra faceta de la creación contemporánea se centra en la cuestión de la intimidad, con obras delicadas y sensibles como las de Rei Naito (1961-) o Chiharu Shiota (1972-).
