Orígenes
El arte indio se ha escrito a lo largo de varios milenios. Los primeros vestigios se remontan a la prehistoria, con los petroglifos de Bhimbetka, que datan del Mesolítico. En las paredes de este yacimiento de Madhya Pradesh, las pinturas rupestres representan figuras humanas y animales en escenas de combate, danza o vida cotidiana. Pavos reales, lagartos, elefantes, tigres y perros nos hablan de los primeros ocupantes de este vasto país.
La escultura india, que se desarrolló más rápidamente que la pintura, tiene su origen en el valle del Indo. En la frontera entre la India y Pakistán, las esculturas indias más antiguas se crearon entre el 2.500 y el 1.800 a.C. Estas pequeñas y esbeltas figuras de terracota y bronce tienen forma humana o zoomorfa. El movimiento ya estaba presente, como demuestran las esculturas de bailarinas. Conservadas en el Museo Nacional de Nueva Delhi, en Rajastán, se interpretan como ídolos. El arte indio está íntimamente ligado a la religión, sobre todo hindú y budista.
El auge de la escultura
La escultura en piedra adopta proporciones monumentales y se funde con la arquitectura. Deidades como Shiva y Buda se hicieron imponentes. Esta evolución refleja la influencia del jainismo, que se adhirió a los templos.
Los templos hindúes flanqueados por torres troncopiramidales estaban adornados con cientos de esculturas. Bajo la dominación musulmana, muchos de estos lugares sagrados, sobre todo los ilustrados con escenas eróticas, fueron destruidos. Destacan las sensuales esculturas de los asombrosos templos de Khajuraho. Construidos bajo la dinastía Chandela entre los siglos X y XII, se dice que fueron concebidos como guías prácticas para muchachos jóvenes.
Cuenta la leyenda que Brahma, el creador, dejó caer un loto, lo que hizo brotar el lago de Pushkar. Aquí se puede visitar uno de los únicos templos dedicados a Brahma en toda la India. Data del siglo XIV y se distingue por sus pináculos rojos. Alrededor del lago, cientos de templos y ghats se alternan con tiendas hippies.
Majestuoso Taj Mahal
El templo más famoso de la India, el Taj Mahal, se construyó entre 1631 y 1653 en Agra. Esta joya de la arquitectura indoislámica celebra el amor del emperador mogol Shah Jahan por Mumtaz Mahal. El majestuoso edificio no es otro que el mausoleo de la tercera esposa del maharajá. Mumtaz fue de hecho su primer amor, con quien su padre le prohibió casarse debido a su rango. Le impuso dos esposas, con las que se negó a consumar su matrimonio. A la muerte de su padre, el emperador pudo por fin casarse con su amada. Mumtaz le dio catorce hijos, antes de morir el 17 de junio de 1631. Devastado, Shah Jahan exigió a sus arquitectos que construyeran un edificio digno del paraíso y de su amor eterno. Hoy, el amanecer y el atardecer proyectan un romántico resplandor sobre el monumento de mármol blanco.
Shah Jahan inició un vasto programa de construcción. Todas las superficies tienen incrustaciones de piedra o están finamente esculpidas en estuco. El mármol se utilizó en las partes más importantes. El primer ejemplo de tumba ajardinada, construida antes que el Taj Mahal, puede visitarse en Delhi. Joya del periodo mogol, la tumba de Humayun data de 1560, y su interior octogonal presenta incrustaciones de piedra y mármol sobre arenisca roja.
A diferencia de otras culturas influidas por el Islam, el arte indio nunca abandonó el arte figurativo.
Características del arte indio
El rasgo distintivo de la estética india es su permanencia. Ciertas características han perdurado durante dos milenios. Predomina el arte religioso, aunque la religión y la vida cotidiana están tan entrelazadas que es difícil diferenciarlas.
La figura humana se idealiza y se representa generalmente como un adulto. No hay signos de envejecimiento, enfermedad o debilidad. Desprovistas de pudor, exaltan el cuerpo humano. El desnudo apenas lleva velo. La mujer exhibe con orgullo su sensualidad, todo refinamiento y delicadeza.
Los escultores y pintores indios se nutren alegremente del panteón de 33 millones de dioses. Sin embargo, la gran Trinidad, formada por Brahma, Visnú y Shiva, reina suprema. Cada uno adopta distintas apariencias y atributos, según la historia. Además, las creencias locales enriquecen el abanico de encarnaciones. Estos avatares se inspiran en el reino animal y en las cualidades inherentes a cada especie.
Los tratados establecen los cánones que deben respetarse. Según estos 6 Shadanga, todos los artistas deben infundir a sus creaciones belleza de formas, armonía de proporciones, emoción, estética, realismo y equilibrio de colores. A pesar de su rigor, las normas no han frenado el dinamismo del arte indio.
El surgimiento del clasicismo
La dinastía Gupta (siglos IV-VI ) se caracterizó por el retroceso de la figura humana en favor de los temas divinos. Los temas brahmánicos se beneficiaron de la perfección gráfica adquirida a lo largo de los siglos. El arte siguió siendo narrativo, pero perdió gradualmente su calidez. El estilo clásico se extendió por toda Asia.
En toda la India, las escuelas locales comenzaron a imponerse a partir del siglo VII. El declive del budismo, que desapareció en el siglo XII, repercutió en las artes plásticas. La religión védica que le sucedió inspiró obras más agitadas pero también más grandiosas.
Surgieron dos tendencias: las que perpetuaban los cánones y las que combinaban la escultura con la arquitectura.
La pintura adoptó varias formas, entre ellas el mandala, que ya en el siglo I se utilizaba como soporte para la meditación. En Bengala, la escuela Patta Chitra se distinguió por la pintura sobre pergaminos a partir del sigloV a.C. Pintados sobre hojas de palmera por pintores cantores, ilustraban temas religiosos hindúes y musulmanes. Los miniaturistas ilustraban poemas brahmánicos. Los palacios estaban adornados con frescos y galerías de pinturas.
Pintura Rajput
Imperios y dinastías se han sucedido en las tierras agrícolas de Rajastán. La pintura desarrollada en este estado adoptó una forma popular y principesca. Los frescos del patio interior del palacio de Bundi, o palacio Garh, son un magnífico ejemplo del lirismodel siglo XVIII .
Bajo la dinastía de los grandes mogoles (1528-1858), en plena expansión musulmana en la India, proliferaron los talleres de pintura. Cada obra era colaborativa, académica y anónima. LaAcademia de Bellas Artes de Calcuta tenía un departamento de pintura mogol.
Entre los siglos XVI y XIX surgieron varias escuelas de pintura. Las primeras fueron las de Mewār y luego Bundi. Dominado por la iluminación, este arte cortesano se inspiraba en las miniaturas persas y el grabado europeo. La pintura rajput ilustra el hinduismo (Rāmā y Krishna) o, en menor medida, sentimientos como el amor. Las figuras, vistas de perfil, tienen ojos enormes y narices finas. El fondo, de vivos colores, está adornado con elementos naturales.
Bajo Shah Jahan se popularizaron dos géneros: el retrato oficial y el paisaje nocturno. En un estilo frío, el soberano se muestra en una actitud congelada y llena de orgullo. Se utilizó una rica paleta para representar su autoridad de todas las formas posibles, incluso de pie sobre un globo terráqueo. Inspirándose en la iconografía occidental, los pintores incluyeron querubines que desplegaban odas a su gloria en estandartes. En los manuscritos aparecieron elementos naturalistas inspirados en las tendencias europeas.
Colonización británica e independencia
La colonización cambió todo eso. Las escuelas de arte fundadas por los británicos difundieron el arte europeo en la India. Por otra parte, algunos artistas indios, como Raja Ravi Varma (1848-1906), adquirieron buena reputación en Europa. Se le conoce como el primer pintor que mostró a las divinidades indias en un entorno terrenal, como los humanos. Las tradiciones locales y las inspiraciones occidentales se fusionaron. El pintor británico Horace Van Ruith retrató la vida de un hogar brahmán, mientras que los pintores indios descubrían una visión occidental del Romanticismo.
El año 1947 y la independencia de la India marcaron un punto de inflexión cultural. Los artistas se embarcaron en la búsqueda de nuevos estilos. A partir de entonces, su gusto por la experimentación siguió creciendo. En 1952, seis artistas formaron el Grupo de Artistas Progresistas de Bombay. Aunque duró poco, todos los grandes artistas plásticos de la década de 1950 se unieron al grupo. Maqbool Fida Husain (1915-2011), fundador de este movimiento progresista, recuperó la pintura narrativa y el cubismo. Influido por Picasso, Husain fusionó la estética india con las innovaciones del maestro. La experimentación sigue siendo la consigna del arte indio contemporáneo.
Fotografía
Generaciones de fotógrafos han inmortalizado la diversidad de la India. Entre los del norte, Raghu Rai, nacido en 1942, es uno de los mejores fotógrafos del mundo. Incorporado a la agencia Magnum bajo la dirección de Henri Cartier-Bresson, escudriña la India, sus ciudades, sus acontecimientos y sus personalidades a través de su objetivo. Sus imágenes han sido premiadas en todas las ferias internacionales de fotografía.
Raghubir Singh, uno de los pioneros de la fotografía en color, nació en Jaipur en 1942. Autodidacta, reinventó el uso del color en los años 70 y captó las mil facetas de la India. Nacido en el seno de una familia real de Rajastán, empezó como aficionado con la idea de que sólo los matices cromáticos podían captar la esencia de la cultura india. En Bombay, su obra se centró en la construcción del espacio y la luz. En la última parte de su carrera, tras su muerte en 1999, enmarcaba sus fotografías a través de las ventanillas y el parabrisas del coche que le llevaba por todo el país. Su concepto, parecido a una road movie fotográfica, tendía a la abstracción. Su obra forma parte de las colecciones permanentes de museos internacionales como la Tate Modern de Londres, el MoMA de Nueva York y el Instituto de Arte de Chicago.
Nacido en Calcuta en 1956, Prabuddha Dasgupta se ha hecho un nombre en la fotografía de moda. Sus fotografías en blanco y negro, extremadamente elegantes, son muy admiradas. Su libro Women, publicado en 1996, es el único libro indio de su género. Murió en 2012, dejando tras de sí una rara colección de retratos y desnudos de mujeres urbanas indias.
La primera mujer fotoperiodista de la India, Homai Vyarawalla (1913-2012) nació en el seno de una modesta familia de Gujarat. Desafiando los prejuicios, decidió estudiar en Bombay. En 1926 conoció al fotógrafo Maneckshaw Vyarawalla. Él la introdujo en la fotografía. Con su cámara, la valiente Homai recorrió la ciudad en bicicleta para obtener sus primeras imágenes. Registró momentos emotivos y acontecimientos históricos, sobre todo los últimos días de la colonización británica y el surgimiento de la nación. Asignada junto a su marido en 1942, se encontró en Delhi. Sus retratos de Gandhi y Nehru figuran entre los más emblemáticos de la India moderna. Homai legó cuarenta años de fotografías a la Alkazi Arts Foundation, con sede en Delhi.
Chandan Gomes (1987) pertenece a la nueva generación de artistas que viven y trabajan en Nueva Delhi. A los 23 años, este antiguo estudiante de filosofía se convirtió en el fotógrafo más joven en recibir una beca india de fotografía. En su serie El ciudadano desconocido, denuncia los males de la sociedad. Otro aspecto de su obra cuestiona la noción de belleza y abandono. Gomes expuso en el Delhi Photo Festival y en los Rencontres photographiques d'Arles en 2018.
Las exposiciones fotográficas de la Kriti Gallery de Benarés son de una calidad notable y cuentan con el apoyo de la Banaras Cultural Foundation, muy comprometida con la promoción del arte de Uttar Pradesh.
Arte contemporáneo
El final del siglo XX estuvo marcado por una agitación en el panorama cultural. Varios factores contribuyeron a la explosión del arte contemporáneo en India, entre ellos el auge económico del país. En menos de diez años se abrieron más de cincuenta galerías de arte en Delhi y Bombay. Los talentos emergentes han empezado a atraer la atención del mercado internacional. Algunos de ellos han aparecido en las principales ferias internacionales de arte o han recibido encargos a gran escala. Uno de los primeros, el escultor minimalista Anish Kapoor, nacido en 1954, figura en las principales colecciones y ferias de arte del mundo. Sus instalaciones, que toman prestado tanto de la cultura oriental como de la occidental, nunca pasan desapercibidas.
Estos artistas recurren a un equipo de ayudantes para crear sus obras. Por eso se han instalado en almacenes de las afueras de las grandes ciudades. En Delhi, han elegido la ciudad periférica de Gurgaon para abrir sus estudios. Aquí conocemos a Subodh Gupta, la superestrella del arte contemporáneo. Nacido en 1964, Gupta procede de un entorno modesto. Se formó como pintor y luego experimentó con la fotografía, la escultura y la instalación. Ahora vive y trabaja en Delhi. Sus gigantescas instalaciones requieren todo un equipo de artesanos, sobre todo metalúrgicos. Al principio, Subodh Gupta creaba sus instalaciones con vajilla tradicional india. Más tarde, el tamaño de sus objetos cotidianos se multiplicó por cinco o diez: juegos de té, pomos de puertas, etc. Tantos recuerdos de sus orígenes.
Lado de la calle
En la India, el arte callejero es una forma de vida. Se pintan estrellas de Bollywood en los rickshaws, anuncios en las paredes y dioses en los escaparates de las tiendas para recordar que está prohibido orinar en público. Incluso en los pueblos más remotos, pintar al aire libre es una tradición.
El primer distrito de Nueva Delhi que se abrió a los artistas callejeros fue Khirki Village. Allí, junto a un vertedero, se pintó un rostro de Buda muy llamativo con una máscara anticontaminación. Por desgracia, ahora está cubierta de pintura blanca. Pero eso no ha mermado el ánimo de los lugareños. Khirki alberga numerosas galerías jóvenes, así como Khoj, un centro de arte contemporáneo que ofrece residencias y eventos innovadores.
En la capital, el fresco más alto (45 metros) e icónico cubre la fachada de la Jefatura de Policía. El famoso retrato de Gandhi, todo sonrisas, es obra de Anpu Varkey y el artista alemán Hendrick ECB Beikirch. Fue el primer encargo oficial de arte público. Se creó en enero de 2014 en el marco del Festival St+Art Delhi. La asociación St+Art India promueve el arte público en las principales metrópolis de la India. ¿Su objetivo? Crear polos creativos. ¡Y lo han conseguido! En todas las ciudades indias, del norte y del sur, los barrios artísticos rebosan dinamismo por los cuatro costados.
La India sigue dando un lugar de honor a la escultura. En 2018, la Estatua de la Unidad se convirtió en la estatua más alta del mundo, con 180 metros (son 4 estatuas de la Libertad). Erigida en el islote del Narmada, en el estado de Gujarat, lleva la efigie del estadista Sardar Vallabhbhai Patel. Concebida como símbolo de la Independencia, la obra de hormigón ofrece una versión nacionalista de una tradición ancestral.
