Nacimiento y edad de oro del cine japonés
Alimentado simultáneamente por los inventos de Edison y los hermanos Lumière, el público japonés se dejó llevar por el torbellino del cine a finales del siglo XIX. Fue el 15 de febrero de 1897 cuando se organizó la primera proyección cinematográfica en el teatro Nanchi Enbujo de Osaka, marcando el comienzo de la historia del cine japonés. Muy pronto, los primeros operadores y cineastas japoneses se aficionaron a este medio. Entre ellos, Shirō Asano y su empleado Shibata Tsunekichi realizaron las primeras películas japonesas. Walk Under the Maple Trees (1899), de Tsunekichi, es una de las pocas obras que se conservan de este periodo. Al igual que este cortometraje, el primer cine japonés estuvo muy influido por el teatro kabuki, fuente de actores para los directores nacionales. Matsunosuke Onoe, miembro de una compañía ambulante desde los 14 años, se convirtió así en una de las primeras estrellas del cine japonés. Entre 1909 y 1926, actuó en cerca de mil películas, entre ellas muchas jidaigeki, películas de espadachines que fueron las antecesoras de los grandes dramas de samuráis. Este cine, aún mudo, estaba acompañado por los benshi, que narraban, describían y animaban las películas, y cuya fama pronto llegó a ser tan grande como la de las estrellas que aparecían en pantalla. Si tiene ocasión, intente desenterrar la comedia de Masayuki Suo Talking the pictures (2019), un vibrante y divertido homenaje a este periodo mágico de la historia del cine.
En los años 30, el cine japonés conoció a sus primeras grandes figuras, con las primeras películas de Yasujirō Ozu(Tokyo Kids, 1932) y Kenji Mizoguchi(Osaka Elegy, 1936). Este periodo, marcado por las crisis económicas y el auge del nacionalismo, llevó al cine más temas sociales que hasta entonces se habían limitado a adaptaciones teatrales y películas de época. Tanto Ozu como Mizoguchi abordaron estos temas de frente, a través de niños abandonados en Tokyo Kids, o de una joven obligada a prostituirse para sobrevivir en Osaka Elegy.
La guerra y la llegada de la censura estatal en 1939 obstaculizaron la producción, pero no la detuvieron. Mizoguchi y Ozu continuaron dirigiendo, escabulléndose entre las grietas del gobierno con diversos grados de éxito. Por ejemplo, El sabor del arroz con té verde (1952) de Ozu fue rechazada por la junta de censura a menos que hiciera cambios drásticos en el guión, lo que no aceptó. Las películas Los hermanos Toda (1941) y Érase una vez un padre (1942) fueron las únicas producciones del director durante este periodo. Mizoguchi realizó tanto historias personales, incluida su "trilogía del arte", como películas de propaganda para la Shōchiku, la gigantesca compañía cinematográfica japonesa fundada en 1895. De esta época es Cuento de los crisantemos tardíos (1939), hoy considerada una de las mejores películas del maestro.
Tras la guerra, y a pesar de la estrecha vigilancia de los estadounidenses, el cine japonés renació de la mano de estos cineastas y de un recién llegado, Akira Kurosawa. Prolífico y talentoso, Kurosawa desarrolló rápidamente un agudo sentido de la narrativa y revisitó los géneros del cine japonés. En 1951, Rashōmon (estrenada el año anterior en Tokio) fue premiada en Venecia, antes de recibir el Oscar a la mejor película extranjera. El cine japonés se reveló al mundo, y obras como Viaje a Tokio (Ozu, 1953), Cuentos de luna menguante después de la lluvia (Mizoguchi, 1953) y Los siete samuráis (Kurosawa, 1954) figuran ahora en el panteón del cine mundial. Ozu y Mizoguchi desaparecieron pocos años después, pero Akira Kurosawa continuó su carrera hasta los años 90, perpetuando el legado de los maestros japoneses y renovándose con películas como Kagemusha (1980) o Ran (1985).
El cine de género y la Nouvelle Vague
Incluso más que en Occidente, la noción de género cinematográfico adquiere todo su significado en el cine japonés. Iniciada con las películas de capa y espada y las de samuráis, esta tradición estalla después de la guerra y se diversifica en una gran variedad de estilos. El trauma de la bomba verá la aparición de un nuevo género cinematográfico, el kaijū-eiga, o cine de monstruos. Abanderado de este movimiento, Godzilla (1954), de Ishirō Honda, fue un éxito mundial, que lanzó toda una serie de secuelas, y un verdadero movimiento global en torno a la figura del monstruo, con el telón de fondo de la Guerra Fría y la ansiedad permanente.
En los años sesenta, a medida que disminuía la asistencia al cine y los estudios buscaban nuevos talentos, surgieron dos tendencias opuestas pero complementarias. Por un lado, un cine rebelde y sin dinero, el de los cineastas de la "Nueva Ola" japonesa, con talentos como Nagisa Ōshima(Noche y niebla de Japón, 1960), Yoshishige Yoshida(El lago de las mujeres, 1966) o Shōhei Imamura. Este último, que se dio a conocer en Francia en los años 60, es uno de los pocos cineastas que ha ganado dos Palmas de Oro en Cannes, por sus películas La balada de Narayama (1983) y La anguila (1997). Por otro lado, existe un cine igual de pobre, pero con objetivos mucho menos revolucionarios, el pinku-eiga o cine erótico. Aunque no se distribuyeron ampliamente en Occidente, estas películas atrajeron sin embargo a un público cada vez más numeroso en las salas de cine, lo que las convirtió en uno de los principales géneros de la segunda mitad del siglo XX, con un legado que perdura hasta nuestros días. Fue también durante este periodo cuando aparecieron las películas de la Yakuza, en particular las del director Takeshi Kitano. Un mundo de violencia y derrotismo ante una sociedad japonesa cada vez más disfuncional, que culminó en los años 80 y 90 con películas como Sonatine (1993), que hizo famoso a Kitano en Occidente. Entre sus mayores éxitos ante la cámara, Battle Royale (2000) es sin duda una de las películas de culto de la década. El J-Horror más reciente, historias centradas en fantasmas y espíritus malignos, ha dado la vuelta al mundo antes de ser revisitado por Hollywood, a menudo con una calidad muy inferior a la de los originales. Entre ellas, The Grudge (Takashi Shimizu, 2002) o The Ring (Hideo Nakata, 1998) figuran entre las más famosas.
En la actualidad, todos estos géneros conviven con una nueva generación de cineastas que han sido premiados en festivales internacionales. Naomi Kawase ganó el Gran Premio del Festival de Cannes con El bosque de Mogari (2007), Hirokazu Kore-Eda obtuvo la Palma de Oro por Un asunto de familia (2018), mientras que Sion Sono es programado regularmente en festivales alternativos por su obra tan plural como única.
Cuando Japón cobra vida
Más que un género, la animación japonesa es una auténtica industria por derecho propio, que superó en fama a su homóloga de imagen real en la segunda mitad del siglo XX. La exportación de estas producciones de bajo coste, que comenzó en los años 60 con Astro Boy, explotó en los 80 con programas como Club Dorothée. Dragon Ball, Los Caballeros del Zodiaco y Sailor Moon invadieron la pequeña pantalla, mientras que la animación japonesa se dio a conocer en las grandes pantallas de todo el mundo con Akira (1988), de Katsuhiro Otomo. A partir de entonces, el anime llegó en todas sus formas y géneros, y millones de personas acudieron en masa a los cines y plataformas de streaming para descubrir los últimos episodios de su saga favorita. Entre los grandes estudios, Toei Animation ocupa un lugar destacado en el panorama económico japonés, ya que produce las series y películas Dragon Ball Super y One Piece. Al mismo tiempo, Studio Ghibli, dirigido por sus cofundadores Hayao Miyazaki e Isao Takahata, ha sabido dejar huella con películas teñidas de poesía y fantasía, al tiempo que transmitían un mensaje de paz y universalidad. Sus películas más conocidas son Mi vecino Totoro (1988), La tumba de las luciérnagas (1989) y La princesa Mononoke , así como El viaje de Chihiro (2001), que ganó el Oscar a la mejor película de animación. Al mismo tiempo, el cineasta Mamoru Oshii adaptó el manga Ghost in the Shell (1995). Influenciado tanto por directores europeos como por sus contemporáneos japoneses, Oshii adoptó sin embargo un punto de vista más oscuro sobre la sociedad de su tiempo, una amargura que infundió en esta distopía cyberpunk, que fue también un gran éxito popular. El último electrón libre, Satoshi Kon, es un maestro de las atmósferas y los universos, que pone en escena en Perfect Blue (1997) y Paprika (2006). Hoy, los grandes directores de la animación japonesa son Mamoru Hosoda(Belle, 2022) y Makoto Shinkai(Your Name, 2015), y las series más populares se devoran en plataformas de streaming como Crunchyroll o ADN, mientras Netflix gana cuota de mercado con producciones originales. Una cosa es segura, la animación japonesa tiene todavía un futuro muy brillante por delante.
Ver películas en Japón
La mala noticia para los cinéfilos es que los cines japoneses suelen ofrecer sus películas sin subtítulos, o incluso en versiones dobladas. Sin embargo, el cinéfilo que hay en ti todavía puede saciarse de cine japonés en el Archivo Nacional de Cine de Japón, en Tokio. Anteriormente parte del Museo de Arte Moderno, este archivo cinematográfico se independizó en 2018 y ahora alberga los archivos de esta rica historia del cine. Y el primer parque temático de Ghibli abrió sus puertas en noviembre de 2022. Si tienes suerte, te toparás con el Festival Internacional de Cine de Tokio, que se celebra anualmente desde 1985. Elija bien las fechas, pero no se preocupe, el cine japonés le sorprenderá.
