Pintar
La pintura es una de las primeras artes practicadas en Japón. El arte kaiga ha adoptado una amplia gama de estilos a lo largo de los siglos. Hay que distinguir entre la pintura anterior y posterior a 1868, inicio de la era Meiji.
Antes de esta fecha, la influencia de la pintura china se aprecia en la introducción de nubes para romper un paisaje, flores y pájaros. Las pinturas del periodo Heian (794-1185) y del siglo XVII en adelante, de la escuela Rinpa, están preservadas de cualquier característica china.
Períodos Kamakura y Muromachi
Durante el periodo Kamakura (1185-1333), los pintores representaban la vida de clérigos y personajes importantes, así como las novelas de la corte imperial. Nació un nuevo tipo de pintura monocroma que utilizaba aguadas. Su verdadero auge se produjo durante el periodo Muromachi (1333-1568). Bajo el régimen Ashikaga, el retrato fue ganando importancia. Se privilegia el rostro, la indumentaria se trata de forma más sumaria. Luego, se opta por el medio cuerpo según la técnica zen.
Los pintores, que también eran calígrafos, conceden un lugar de honor al paisaje. Los soportes, ya sean de seda o de papel, exigen un gran dominio del gesto caligráfico.
El monje-pintor budista Sesshū, maestro de la aguada monocroma con tinta china, reinterpretó el movimiento lírico de los artistas chinos Song añadiendo un toque japonés. La composición, a menudo de derecha a izquierda y de abajo arriba, resalta las masas negras y la progresiva dilución de los negros. Este periodo también vio el predominio de la escuela Kanō. El más influyente, Motonobu, mezclaba hábilmente aguadas ligeras y transparentes con grandes aguadas de tinta.
Periodo Momoyama (1573-1600)
El poder gobernante era entonces especialmente poderoso. La escuela Kanō siguió decorando residencias y palacios, en particular Eitoku Kanō, que se encargó de la decoración de la residencia de Hideyoshi Toyotomi. Los chinos Ming también fueron muy influyentes. Fue en esta época cuando los japoneses descubrieron la pintura al óleo, con una Virgen traída por Francisco Javier.
Periodo Edo (1600-1868)
Los Kanō tienen asegurada la protección oficial del shōgun. El maestro Tan-yu decoró las tumbas Nikkō y los mausoleos del parque Shiba, en Edo, por encargo de los Tokugawa. También decoró el Palacio Imperial (Gosho) de Kyōto. El famoso cuadro del Tigre en el bambú se encuentra en el Nanzen-Ji de Kyōto.
El pintor Kōetsu Honami aprovechó la influencia de los Kanō y los Tosa para emprender la pintura de pantallas florales sencillas, estilizadas y coloridas. En la actualidad se utilizan lavados de color. Fue también durante el periodo Edo cuando se desarrolló el grabado. Se formó una escuela de pintores en torno alukiyo-e o pintura del mundo flotante, que significa tanto pintura efímera del mundo como pintura de moda. Estos pintores se convirtieron poco a poco en grabadores. Estas xilografías permitían representar a bajo coste los placeres de la ciudad para una nueva clase social. Se pintaron y grabaron cortesanas, escenas de la vida cotidiana y actores de kabuki. Poco a poco, los temas se multiplicaron y vemos paisajes, animales, flores, etc. Matabei Iwasa fue uno de los más grandes del género. A partir de 1765, aparecen los grabados policromados con sus grandes maestros: Harunobu Suzuki y Kiyonaga Torii, luego Utamaro Kitagawa y, por último, Hokusai Katsushika e Hiroshige Andō, estos dos últimos maestros paisajistas.
Primeras aportaciones occidentales
El nacimiento de la llamada pintura contemporánea en Japón se remonta al siglo XVIII. Curiosamente para un país aislado hasta entonces, recurrió a influencias extranjeras, sobre todo chinas, que llegaron a Japón en aquella época a través de las islas Ryūkyū y Nagasaki. El espacio pictórico se vio alterado por la presencia de los holandeses en Nagasaki, que introdujeron las leyes de la perspectiva. Aunque el descubrimiento de estas diferentes técnicas solo desempeñó un papel superficial, la pintura se dividió entre dos tendencias: una realista y otra más idealista.
La tendencia realista, a menudo denominada escuela Maruyama-Shijō, en homenaje al artista Ōkyo Maruyama (1733-1795), aplicó procesos procedentes de Occidente a los paisajes. Oscilaba entre un estilo muy meticuloso, que aplicaba a obras pequeñas, y un estilo decorativo en lienzos de mayor tamaño. En cuanto a Goshun (Gekkei Matsumura, 1752-1811), fundador de la escuela Shijō, recibió la influencia de Buson Yusa en el arte del haiku. En Goshun pueden distinguirse dos periodos distintos. El primero directamente resultante de la dominación del estilo de Buson Yusa, el segundo marcado por un retorno a Ōkyo Maruyama. En Garza azul con hibisco se pueden admirar las características de Buson, y en sus obras posteriores, como Flores de ciruelo, un retorno a la técnica monocroma querida por Ōkyo. La tendencia más realista se desarrolló en la escuela bunjin (literata). Se trataba de intelectuales influidos por el confucianismo. La pintura imita el arte chino con un toque específicamente zen. Esta escuela, más conocida como la escuela Nanga, apela a las cualidades de la pintura aristocrática más que a un estilo concreto. Se trata de afirmar la nobleza de los sentimientos, los estados de ánimo y la posición social. Eruditos, hombres de negocios y médicos competían por expresar su cultura y sus sentimientos. Utilizaban una caligrafía preciosa y trataban de imponer una poesía delicada y silenciosa.
Periodo Meiji
La apertura a Occidente a partir de 1868 provocó una moda por los métodos europeos, en particular la pintura al óleo. Aunque el estilo evolucionó, luchó por liberarse de los maestros a los que imitaba. En un intento de encontrar un nuevo camino entre la técnica occidental y la tradición japonesa, tomó forma una nueva forma de pintura, conocida como nihonga o pintura japonesa. Utiliza técnicas tradicionales e introduce diversas influencias, en particular la de Kanō, Tosa, Kōrin, etc. Fue gracias a Ernest Fenellosa (1853-1908) o Fenerōsa, sociólogo estadounidense y estudiante de Bellas Artes en Boston, que se creó la Universidad de Bellas Artes de Tōkyō.
El óleo se convierte en la técnica dominante. Las investigaciones se multiplican. Unos vuelven al yamato-e (imágenes de Yamato = Japón), otros a las fuentes chinas, otros al estilo suiboku-ga . De estos diferentes caminos no surge ningún estilo en particular.
Hasta el final de la Segunda Guerra Mundial, la pintura permaneció apegada a las tendencias literarias. Los pintores más representativos de este periodo son Tsuguharu Fujita, Meiji Hashimoto o Kokei Kobayashi. Muchos pintores japoneses del siglo XX acudieron a Europa y Estados Unidos en busca de inspiración.
Eres Taishō (1912-1926) y Shōwa (1926-1989)
Los artistas japoneses trajeron el legado del Impresionismo de sus estancias en Europa. Cézanne y Renoir fueron las principales influencias de esta generación. Sin embargo, este periodo fue de cuestionamiento. El fauvismo, el simbolismo y, sobre todo, el expresionismo ganaron adeptos. Entre las vanguardias de los años veinte, el Manifiesto Mavo estaba en línea con el Futurismo y el Constructivismo: Yanase Masamu utilizaba el fotomontaje. Como reacción, el movimiento Inten reunió a artistas que rompían con las tendencias occidentales. Una de las pocas mujeres de este movimiento, Seien Shima (1892-1970), luchó por la causa de la mujer a través de sus autorretratos.
La era Shōwa (1926-1989) estuvo marcada por el talento de Sōtarō Yasui y Ryūzaburō Umehara, ambos cercanos a Matisse en el caso del primero, a Renoir en el del segundo. Umehara fundó el grupo Kokuga-kai, y fue el primero en aceptar fotógrafos en su colectivo.
A partir de la década de 1930, el surrealismo se convirtió en un fenómeno, tras su introducción en Japón por Fukuzawa Ichirō a su regreso de Francia. Reunió a su alrededor a pintores modernistas, algunos de los cuales practicaban el nihonga, así como a fotógrafos. El club surrealista ACC (1930-1942) era conocido por su fotografía creativa y el collage heredado del cubismo y el surrealismo.
Por su parte, Saburō Hasegawa, que regresó de un viaje a Europa en 1929, trajo el arte abstracto a Japón. La abstracción se benefició del refinamiento y la sobriedad japoneses. La renovación del arte japonés llega de la mano de Yoshihara Jirō, jefe del movimiento vanguardista Gutai. Se declaró seguidor de Jackson Pollock, abogó por el uso de materias primas y abrió el camino al happening .
La Segunda Guerra Mundial, sinónimo de censura y propaganda, limitó el arte a temas patrióticos.
Imprime
Estas obras, que incorporan imágenes y texto, son en realidad xilografías, ya que están grabadas sobre un bloque de madera. Las más conocidas se desarrollaron durante el periodo Edo y se conocen como ukiyo-e, o imágenes del mundo flotante.
Los aficionados europeos a los grabados japoneses suelen referirse a los grabados eróticos. Este arte, llamado shunga, sigue la literatura sensual, representada por las novelas de Saikaku Ihara o Kiseki Ejima. Los shunga ilustran las novelas, un poco babosas, y las guías del mundo flotante, poniendo en escena una casa de placer y una prostituta en lugar de otra. Los orígenes del shunga siguen marcados por el deseo de expresar la naturalidad de la relación física según las creencias del Shintō, libre de cualquier pudor de tipo judeocristiano. Los shunga participan en cierto modo en la educación sexual de los amantes y las futuras novias. Los principales artistas fueron Settei Tsukioka, Harunobu Suzuki, Kyosen Kikurensha, Koryūsaï Isoda, Shigemasa Kitao y, por supuesto, Utamaro Kitagawa, Kunisada Utagawa y su alumno Kunimarō, e Hiroshige Andō.
Fotografía japonesa
La práctica de la fotografía, nacida en Occidente, maduró tarde en Japón. No entró realmente en la cultura japonesa hasta la década de 1950. Se revelan diversos enfoques, a menudo como testimonios de un momento.
El manifestante Ken Domon (1909-1990) fue rápidamente puesto bajo vigilancia policial por su visión humanista. Documentó el desempleo, la miseria y la tristeza de un pueblo. Su serie de Hiroshima muestra al mundo a los supervivientes de la bomba atómica. Al mismo tiempo, fotografía la sociedad tradicional, especialmente los templos budistas. Procede quedándose quieto durante mucho tiempo para captar lo que ocurre ante sus ojos desde una perspectiva única.
Araki Nobuyoshi, nacido en 1940, introduce la noción de intimidad en la fotografía. Su enfoque, que él describe como "Erotos", tiene sus raíces tanto en el deseo de sexo y vida como en la atracción de la muerte.
Daido Moriyama y Shomei Tomatsu comparten su pasión por Tokio. Tomatsu (1930-2012) fotografía a sus habitantes con profunda empatía, y los sigue en su serie Protest, durante las manifestaciones estudiantiles. Su mirada casi abstracta capta el movimiento y la energía de sus contemporáneos. Se le considera el mentor de Moriyama, que lo ve como un representante de la nueva fotografía. Nacido en 1938, Moriyama desarrolló una obra ecléctica, documentando todos los aspectos de la ciudad: el barrio de Shinjuku, los marginados, la sensualidad de sus habitantes. El artista alza una lupa para invitarnos a descubrir los tesoros ocultos de su país.
Escultura
De todas las artes principales, la escultura es la menos desarrollada en la cultura japonesa. La mayoría de las producciones están vinculadas en primer lugar a la tradición budista. Sin embargo, el refinamiento de la escuela Unkei, a finales del siglo XII, contribuyó a la elevación de este arte en Japón. Sus representaciones más bellas se encuentran en Nara.
En el Japón moderno, sobre todo en Tōkyō, las estatuas y los monumentos esculpidos forman parte del paisaje urbano. Durante mucho tiempo, la escultura estuvo influida por Occidente y por el modelo de Rodin. Sin embargo, tras la Segunda Guerra Mundial, surgió una tendencia de escultura experimental. La creación del Museo al Aire Libre de Hakone en 1969 impulsó el desarrollo de la escultura al aire libre. Los escultores contemporáneos se decantaron por la madera y los materiales naturales.
Takashi Murakami
Takashi Murakami (nacido en 1962) es un representante de la nueva escultura y del revival pop. Le gusta retratar una figura de cabeza grande, Dob, que se ha convertido en su autorretrato. Su arte está muy influido por el mundo del manga y los otaku.
El digno heredero de Warhol se formó primero en nihonga, lo que le permitió combinar las técnicas tradicionales con la cultura manga. Sus coloridas obras incluyen escultura, a veces monumental, pintura, instalaciones y vídeo.
En 2001 se convirtió en el líder del movimiento neopop Superflat, que reivindica la autonomía japonesa frente a las referencias occidentales. Murakami expone en todo el mundo, incluso en Japón, en el Museo de Arte Contemporáneo de Hiroshima, la Galería Aoi de Osaka y la Galería Contemporánea Hosomi de Tokio.
Murakami también ha dirigido los vídeos musicales It Girl, de Pharrell Williams, y You Should see me in a crown, de Billie Eilish. Una de sus esculturas de fibra de vidrio se vendió en Nueva York por casi medio millón de euros.
Abundancia contemporánea
Desde el desastre de Fukushima en 2011, ha surgido una nueva generación de artistas. Frente al superplano, que ofrece una imagen superficial de Japón, las obras son ahora más realistas y comprometidas. La oleada de artistas post-Fukushima busca expresar las dudas y decepciones de un pueblo enfrentado a la nuclearización del país.
Los edificios futuristas de Tokio albergan galerías y museos de arte contemporáneo de primera categoría. El complejo de Roppongi Hills alberga varios lugares de exposición: el Centro Nacional de las Artes, así como el principal espacio de arte contemporáneo, el Museo de Arte Mori; también galerías de arte como la Sky Gallery. En el distrito de Ginza, la fotografía se exhibe en la Canon Gallery Ginza, un auténtico cazatalentos.
En Osaka, cuna de Tadao Ando, templo del arte contemporáneo, el Museo Nacional de Arte alberga una excepcional colección de arte de posguerra: Picasso, Ernst, Cézanne y el pintor Foujita. Los museos nacionales de arte japoneses comparten un catálogo colectivo: el Museo Nacional de Arte Moderno de Kioto (MOMAK), el Museo Nacional de Arte Moderno de Tokio, el Museo Nacional de Arte de Osaka y el Museo Nacional de Arte Occidental de Tokio.
En la isla de Naoshima, el arte contemporáneo se combina con la belleza natural. Bajo los auspicios del mecenas y coleccionista Soichiro Fukutake, Tadao Ando diseñó la famosa Casa Museo Benesse, inaugurada en 1992. Ando siguió diseñando el Museo Chichu subterráneo, donde un hábil uso de la luz natural cambia el aspecto de las instalaciones con el paso de las horas. El museo alberga, entre otras obras, los Nenúfares de Monet.
Algunas islas del Mar Interior están dedicadas al arte contemporáneo. Además de las exposiciones que se celebran durante todo el año, la Trienal de Setouchi es una oportunidad perfecta para quedarse en la región.
