Orígenes
El arte italiano tiene sus raíces en la Antigua Grecia, en la época de los etruscos. A partir de entonces, el arte de la antigua Roma se dedicó a servir a la política y a la religión del Imperio. Los entusiastas explorarán la primera planta del Museo Civico Archeologico, que traza la historia de Bolonia desde sus primeros vestigios.
Los frescos de las paredes, así como los mosaicos que ilustran escenas mitológicas o de la vida cotidiana, son heredados directamente del arte bizantino. Rávena conserva un palacio bizantino de los siglos V y VI, sobre el que se construyó la iglesia de Santa Eufemia. Más de 400 m2 de mosaicos policromados decoran la Domus dei Tappeti di Pietra con composiciones geométricas y florales, pero sobre todo con pinturas únicas como La danza de los genios de las cuatro estaciones y El Buen Pastor, representados en una postura inédita. Para ir más lejos, el museo Tamo, en el corazón de la Iglesia de San Nicolás en Rávena, ofrece un fascinante itinerario sobre el arte de los mosaicos desde la Antigüedad hasta el presente.
Después de la caída del Imperio Romano, el modelo bizantino desapareció en favor de un arte decididamente cristiano. Roma, después de haber condenado violentamente el cristianismo naciente, lo convirtió en su religión oficial a finales del siglo IV. Las iglesias que se construyeron en esa época estaban adornadas con pinturas y esculturas piadosas. El arte medieval, puesto al servicio de las creencias, se apoya en el simbolismo pictórico para cantar los valores cristianos.
El Prerrenacimiento
El siglo XIII marcó el comienzo de una amplia conquista de la realidad que revolucionaría la pintura occidental. Los artistas se propusieron reproducir las apariencias del mundo real y, para lograrlo, tuvieron que recurrir necesariamente a innovaciones técnicas. Cimabue y su alumno Giotto fueron los primeros en cuestionar el modelo bizantino. Al insertar vida y emociones, así como elementos del paisaje en su pintura, este artista prerrenacentista lanzó el «nuevo naturalismo». Las figuras divinas se acercan a las humanas. En la Escuela de Siena, las tradiciones bizantinas fueron sustituidas por un arte gótico impulsado por Simone Martini y los hermanos Lorenzetti, notables por su trabajo de precisión y detalle.
El primer Renacimiento
Después llegó el siglo XV y sus grandes familias principescas de las ciudades italianas. El mecenazgo estaba en pleno apogeo: los Medici en Florencia, los Sforza en Milán... Además, fue con la escuela florentina con la que se expresaron los primeros pintores del Renacimiento. El primer Renacimiento italiano, o Quattrocento, estuvo representado por Masaccio. Inventor del punto único de fuga, centró su trabajo en la perspectiva, los volúmenes y las proporciones. Pero también estaba Brunelleschi, un destacado arquitecto que diseñó la primera cúpula, y un pintor prodigioso que buscaba las proporciones perfectas que encontró Donatello en sus estatuas. En este período decisivo de apertura al mundo y al conocimiento, el arte religioso se vió arrinconado. Como reflejo de la secularización social, las artes plásticas se extendieron a temas profanos.
El Alto Renacimiento
Hasta entonces, la revolución de las artes en Italia había sido impulsada principalmente por la burguesía, y Florencia era su capital indiscutible. Sin embargo, a partir de 1500, el movimiento se extendió a Roma y Venecia. Roma quiso recuperar su lugar como centro de la cultura occidental a través del papado, que encargó a los mejores artistas la construcción de los edificios de la cristiandad.
Pintura, escultura, arquitectura, matemáticas: los genios del Renacimiento, que no necesitan presentación (Leonardo da Vinci, Rafael, Miguel Ángel, etc.), combinaron conocimiento y habilidad, ya sea en las ciencias, las técnicas o en el talento artístico. La edad de oro del Renacimiento se encarna en la obra de Rafael, cuyo resultado reagrupa todos los ideales de armonía de la época.
El manierismo
Tras el apogeo del Renacimiento, Italia experimentó una crisis brutal que repercutió en las artes. A medida que los españoles se apoderaban del país, la Reforma, que progresaba prodigiosamente, amenazaba la integridad de la Iglesia romana. El manierismo surgió en este clima de tensión. Los herederos de los grandes maestros desarrollaron una pintura más abstracta. Sus obras adquirieron tonos irreales y las proporciones se distorsionaron. A la sombra de sus predecesores, pintores manieristas como Giulio Romano, de Mantua, y Parmigianino, de Parma, buscaron expresar su originalidad a través de creaciones inquietantes. El manierismo, instrumento de la Contrarreforma católica, muestra más severidad y menos hedonismo que el Renacimiento.
El Barroco
Superada la crisis política y resuelta la amenaza protestante por el Concilio de Trento en la segunda mitad del siglo XVI, comenzó a imponerse un estilo muy particular en Roma, la capital de la cristiandad: el arte barroco. Las tres grandes figuras de este movimiento inspirado en lo extraño y en el no respeto a las artes son el arquitecto Borromini, el escultor Benini y el pintor Caravaggio. Las pinturas barrocas, que a menudo representan escenas dramáticas e inspiran terror, juegan con sorprendentes contrastes de luz y sombra. El objetivo del arte barroco era también restaurar la fe en los católicos, a través del miedo si era necesario, y reafirmar el poder de la Iglesia. El barroco reinó en el norte de Italia, en Venecia, Turín y Génova hasta el siglo XVIII.
La prodigiosa colección de arte religioso de la Pinacoteca Nacional de Bolonia recorre el arte desde el siglo XIII hasta el Barroco, y se centra en pintores boloñeses como Giorgio Vasari, Guido Reni, Rafael o Tintoretto.El Neoclasicismo
Bajo la influencia de la Ilustración y el redescubrimiento de la Antigüedad, se inició una búsqueda de la belleza absoluta, el equilibrio y la claridad absoluta a través del Neoclasicismo. El pintor Andrea Appiani (Milán, 1754-1817) y el escultor Antonio Canova (Possagno, 1757-Venecia, 1822) fueron los artistas oficiales del emperador y rey de Italia. La pintura de Appiani, Napoleón, rey de Italia, un retrato del emperador frente a un escenario antiguo, es un buen ejemplo. El Neoclasicismo aboga por el retorno a los valores de la gran Roma, en escenas históricas tomadas de la Antigüedad. En los siglos XVIII y XIX, el arte italiano se agotó y perdió su influencia ilustrada de antaño.
La Galleria d'Arte Moderna Ricci Oddi exhibe desde 1913 el arte de los últimos dos siglos en Plasencia. Se pueden admirar las obras de Giorgio De Chirico, Gustav Klimt o Francesco Filippini, maestro del impresionismo italiano.
El siglo XX
En el siglo XX, el arte italiano recuperó su prestigio internacional. En 1909, el movimiento futurista se formó en Milán tras la publicación del Manifiesto futurista. Ideado por el poeta Filippo Marinetti (1876-1944), apareció por primera vez en un diario francés, Le Figaro. El futurismo tiene sus raíces en el neoimpresionismo y el cubismo fue ideado por Picasso y George Braque. Este movimiento, que no se limitaba solo a las artes gráficas, quería acabar con las tradiciones del pasado y abogar por una nueva estética basada en el progreso, las máquinas y la velocidad. Es sobre todo un arte urbano. El futurismo, evocado por la modernización de las ciudades o la invención de nuevos medios de transporte (avión, coche...), representa ciudades imaginarias o el movimiento elegante de máquinas con colores vibrantes. Entre sus integrantes se encuentran Sant'Elia, Balla, Cara o Russolo.
Podemos admirar el arte futurista en la Galería Verzocchi, una colección centrada en el tema del trabajo en la pintura. Con el fin de unir la industria y el arte contemporáneo, el empresario Verzocchi encargó a setenta pintores italianos la creación de una obra temática de 90 x 70 centímetros, acompañada de un autorretrato. Entre los artistas que participaron estaban Carlo Carrà, Renato Guttuso, Mario Sironi y Giorgio De Chirico. Este último revisó sus orientaciones en 1915 cuando, como reacción al futurismo, fundó la pintura metafísica, la vanguardia del surrealismo. A pesar del uso de técnicas clásicas, el onirismo de sus pinturas, envueltas en el misterio, inspiraron a André Breton.
De Chirico, sin embargo, volvió a la pintura académica en los años 1930. Hasta la época fascista, la alianza de los cánones clásicos y los códigos de la pintura metafísica constituyeron el movimiento del Novecento. La Segunda Guerra Mundial marcó una ruptura brutal en el arte. A partir de entonces, las bases se diversificaron. El arte contemporáneo pasó a ser experimental y la conceptualización se convirtió en el centro del proceso creativo. Modigliani, apegado a la figuración, y más precisamente al rostro, dominó el arte del siglo XX.En la actualidad
Siguiendo los pasos de la colección Verzocchi, la Biennale Foto/Industria de Bolonia ofrece una mirada única del vínculo entre el arte y la industria. Este original evento tiene lugar en catorce espacios históricos, iglesias, palacios barrocos y museos, y es un viaje por la ciudad marcado por representaciones del mundo del trabajo en su sentido más amplio. Famosos nombres del mundo de la fotografía presentan su visión del mundo empresarial, como Lee Friedlander, Josef Koudelka y Alexander Rodchenko.
El arte fotográfico también cuenta con su espacio en el Spazio Labo', un centro con una galería de exposiciones, talleres y un centro de investigación y debate que promueve la fotografía italiana a nivel internacional. Lejos de encubrir su patrimonio, la ciudad roja presta sus calles al arte callejero, en todos los barrios. El famoso artista callejero Blu se expresó en las paredes de su ciudad natal durante unos veinte años, antes de borrar todas sus pinturas para protestar contra el acaparamiento de obras. El municipio de Dozza, más discreto, es un verdadero museo al aire libre. Las puertas y fachadas de los edificios públicos y privados acogen con alegría las pinceladas de los artistas urbanos.
