Antigüedad
La escultura desempeña un papel fundamental en la cultura india. Ya en la prehistoria se fabricaban estatuas de tamaño modesto en terracota o estuco. Unos siglos antes de nuestra era, aparecieron junto a estos iconos las primeras esculturas de piedra a gran escala. Después, a partir de los siglosV o VI, se adoptó la técnica de fundición en bronce a la cera perdida, utilizando un molde. Largos relieves narrativos se extendieron por las paredes. Este medio continuó floreciendo en la India hasta finales del siglo VIII.
Bajo el reinado de Narashimavarman I, en el siglo VII, los bajorrelieves adornaron templos y cuevas, aún visibles hoy en la región de Chennai. Las esculturas rupestres de las cuevas de Mahabalipuram son una perfecta ilustración del arte popular hindú. Entre los santuarios excavados en la roca de la misma ciudad de Mahabalipuram, el Templo de la Orilla, en el dedicado a Shiva, un altorrelieve muestra a la deidad en familia, o en Somaskanda, es decir, con su esposa Parvati y el niño Skanda. En la pared norte, la diosa Durga aparece como Mahisamardini, nombre dado a la forma guerrera. Montada en su león, caza al demonio Mahisa, reconocible por su cabeza de búfalo. En el lado sur, se representa a Vishnu tumbado sobre la serpiente Ananta, símbolo del tiempo infinito, mientras dos demonios (el mal y la ignorancia) se empeñan en despertarlo. En la caverna Varaha 2, cuyas columnas están sostenidas por leones cornudos, se muestra a Vishnu como un jabalí que transporta a la diosa Tierra, que acaba de salir de las aguas. Visnú aparece en varios lugares del sitio del Patrimonio Mundial de la Unesco como un enano brahmán o como un pastor.
Características del arte indio
El rasgo distintivo de la estética india es su permanencia. Ciertas características han perdurado durante dos milenios y pueden encontrarse en todos los géneros. Predomina el arte religioso, aunque también hay arte secular. Sin embargo, la religión y la vida cotidiana están tan entrelazadas que a menudo es difícil distinguirlas.
La figura humana suele estar idealizada. Generalmente se representa a personas adultas, sin signos de envejecimiento, enfermedad o debilidad. Tampoco hay pudor, sino exaltación del cuerpo humano. El desnudo está apenas velado por una ligera prenda. La mujer muestra con orgullo su sensualidad, con refinamiento y delicadeza.
Los artistas indios, escultores y pintores, se inspiran alegremente en el panteón de 33 millones de dioses. Sin embargo, la gran Trinidad, formada por Brahma, Visnú y Shiva, goza de gran popularidad. Cada uno tiene varias apariencias y atributos, según la historia que se cuente. Las creencias locales también enriquecen el abanico de encarnaciones. Estos avatares se inspiran en el reino animal y en las cualidades atribuidas a cada especie. Los artistas indios, por ejemplo, están dotados para representar animales.
Los tratados establecen claramente los cánones que deben respetar los artistas. En particular, la realización de iconos estaba sujeta a normas estrictas. Sin embargo, las normas nunca impidieron el dinamismo del arte indio. Lo mismo ocurre con los frescos que representan escenas religiosas. En todos los campos artísticos, y sin agotarse nunca, el arte indio demuestra un magistral sentido del equilibrio y un gusto excepcional por el detalle.
El surgimiento del clasicismo
La dinastía Gupta ( siglos IV-VI ) se caracterizó por el retroceso de la figura humana en favor de los temas divinos. Los temas brahmánicos se beneficiaron de la perfección gráfica adquirida a lo largo de los siglos. El arte de la escultura y la pintura siguió siendo narrativo, pero perdió gradualmente su calidez. El estilo clásico se extendió por toda Asia y adoptaría nuevas formas en los siglos siguientes, sobre todo en Camboya.
En toda la India comenzaron a surgir escuelas locales a partir del siglo VII. El declive del budismo, que desapareció en el siglo XII, repercutió en las artes plásticas. La religión védica que le sucedió inspiró obras más agitadas pero también más grandiosas.
Surgieron dos tendencias: una que perpetuaba los cánones y otra que combinaba la escultura con la arquitectura.
La pintura, menos desarrollada, se enriqueció con influencias iraníes y luego europeas. Los pintores pintaban principalmente retratos y escenas cortesanas. Los miniaturistas ilustraban poemas brahmánicos. Los palacios se adornaban con frescos y galerías de pinturas. El Museo Pareekshith Thampura de Cochin, también conocido como Galería de Arte Durbar Hall, posee una impresionante colección de pinturas del siglo XIX. El museo arqueológico también alberga esculturas y objetos que pertenecieron a la familia real.
Movimiento de Madrás
El modernismo indio llegó a través de este movimiento, formado en la década de 1960 en Chennai. En los años que siguieron a la Independencia en 1947, los artistas cuestionaron la identidad nacional a través de la investigación estética. El primer director indio de la Escuela de Artes y Oficios de Madrás, Devi Prasad Roy Chowdhury, creó un programa de estudios de arte, el primero de todo el sur de la India. Este programa sentó las bases del primer movimiento artístico moderno. El impulso lo prolongó K.C.S. Paniker, que dirigió la escuela entre 1957 y 1966. A partir de principios de la década de 1960, varios artistas se unieron en torno a un afán de modernidad. En escultura, el movimiento estaba liderado por S. Dhanapal.
Estudiantes de otros estados continuaron la tendencia durante tres décadas. Pero a diferencia de otros movimientos modernos, como el Grupo de Artistas Progresistas de Bombay, la Escuela de Madrás rechazó toda inspiración europea, incluido el expresionismo. Se basaron en la historia, la mitología, el folclore y la iconografía local para crear un vocabulario nacionalista. Figuración y abstracción coexisten. K.V. Haridasan (1937-2014), pionero del arte neotántrico, representa la tendencia abstracta; C. Douglas, pintor y escultor nacido en 1951, se inició en la abstracción geométrica, antes de instalarse en el pueblo de Cholamandalam, donde mezcló los medios de expresión y la figuración con la abstracción.
En el pueblo de Cholamandalam, en la carretera de la costa este, se reúnen numerosos artistas plásticos. La comunidad ha llevado sobre sus hombros el reconocimiento del modernismo. Se podrá descubrir en el Centro de Arte Contemporáneo de Cholamandal, en Chennai.
Mujeres pintoras
Considerada una pionera, Amrita Sher-Gil (1913-1941) demostró a las mujeres indias que las artes visuales no eran patrimonio exclusivo de los hombres. De origen húngaro y sij, Amrita Sher-Gil recibió una variada educación artística. Formada en música, desde muy joven mostró talento para el dibujo. En París, se matriculó en la Académie de la Grande Chaumière y luego en la de Beaux-Arts. Destaca en el retrato, pero se inclina por la pintura al aire libre. A su regreso a la India, su estilo evoluciona hacia la simplificación. Allí plasmó en el lienzo su imagen de la India a través de retratos de la población local. Su estilo se mantuvo en la encrucijada de Oriente y Occidente. En 1937 realizó una trilogía de cuadros del sur de la India, de los que Brahmacharis sigue siendo una de sus obras más logradas. Su refinado estilo se centraba tanto en la forma como en el color. Se marchó a Hungría para casarse y luego regresó a la India. La artista nunca dejó de trastocar los códigos, y abordó la representación de la mujer en Mujer descansando sobre Charpoy (1940). Sus obras fueron donadas a la nación tras su muerte a los 28 años. Célebre en las décadas de 1970 y 1980, se la cita a menudo en los debates sobre la identidad.
El año en que Amrita Sher-Gil pintó su obra maestra, 1937, vio nacer a la primera artista abstracta de la India, Zarina Hashmi. Aunque Zarina hizo carrera en Estados Unidos, siguió utilizando técnicas tradicionales como la xilografía para evocar el exilio en un estilo minimalista.
Escenario actual
El arte contemporáneo indio abarca una amplia gama de estilos. Muchos de estos talentos gozan de reconocimiento internacional. A Anish Kapoor se le recuerda sobre todo por la escultura que destrozó en los jardines del castillo de Versalles. Nacido en 1954, se trasladó a Londres en los años 70, pero sigue afirmando ser de Bombay. Desde el principio, su estilo depurado llamó la atención. El interés creció cuando sus obras, colocadas en el suelo, adquirieron proporciones gigantescas. Kapoor juega con las superficies. Inicialmente reflectantes, luego se pintan con Vantablack, un negro que absorbe la luz para crear la ilusión de una cavidad. Fue premiado en la Bienal de Venecia, y después recibió el codiciado Premio Turner.
Su contemporáneo Atul Dodiya saltó a la fama en 1999 con una serie sobre Mahatma Gandhi. El artista incluye ahora imágenes de Bollywood en sus instalaciones y fotoensamblajes.
La escultora Sakshi Gupta, nacida en 1979, recicla materiales cotidianos y les da un toque de espiritualidad con la ayuda de la luz. Algunas de sus composiciones, como la grandiosa Some Beasts, evocan animales de la mitología india.
Subodh Gupta, una superestrella del arte contemporáneo, nació en 1964. De origen humilde, se formó como pintor antes de diversificarse en distintos medios. Finalmente se dedicó a la escultura, cuyo tema gira en torno a la cultura india. Vacas y objetos cotidianos se presentan para reflejar los cambios económicos de su país.
¿dónde?
En Chennai, artistas populares del sur de la India se dan cita en la galería de arte Faraway Tree. Desde 1965, el respetado Sarala Art Center promociona a jóvenes artistas indios por todo el mundo.
En Alwarpet, la Focus Art Gallery se centra en el arte más innovador. Artistas internacionales o indios, la originalidad está a la orden del día en este templo de la creación contemporánea.
En Cochin, varias galerías de arte forman parte de la efervescencia. Una de ellas es la visionaria Kashi's Art Gallery (Burger Street). En un país donde el arte es omnipresente, abundan los lugares de arte callejero.
En Bombay, el antiguo distrito de Bandra es la cuna del arte callejero. Entre Chapel Lane y Bazar Road, frescos y grafitis cubren fachadas y puentes.
Con la ayuda de la Fundación St+art India, los festivales están revitalizando barrios como el Mahim Art District, en Bombay, y Kannagi, en Chennai. Los frescos pintados a mano sobre el tema del amor, la paz y la vida de barrio son dignos herederos de un arte ancestral.
