Escultura precolombina
A casi 4.000 metros de altitud, la civilización de Tiwanaku nos hace retroceder 3.500 años. Sin embargo, su apogeo fue entre los siglosV
y XI. Los restos del yacimiento de Tiwanaku atestiguan la influencia política y cultural que ejerció el imperio preincaico durante seis siglos. Los Tiwanaku se distinguen por su maestría en el trabajo de la piedra, particularmente en los monolitos, estas figuras austeras, que a veces llevan un cetro o un arma. Su arte revela similitudes con el de los Huari, un pueblo de constructores que también producía una cerámica excepcional. Pero el rasgo común más llamativo es la lágrima en la comisura de los ojos de las figuras esculpidas por estas dos civilizaciones. En el lugar, en el corazón de la Ciudad del Sol, la Puerta del Sol, hecha con un bloque de piedra de diez toneladas, tiene un frontón finamente cincelado. Una deidad aparece rodeada de decenas de criaturas aladas, algunas con rostro humano, otras con cabeza de cóndor. La leyenda dice que la puerta guarda un secreto destinado a guiar a la humanidad futura.Otra obra maestra, el monolito de Ponce, también está decorado con grabados. Los motivos incluyen peces, pumas y águilas, todos ellos basados en la simbología aymara. En el museo arqueológico de Tiwanaku está entronizado el famoso monolito de Bennett, un gigante de piedra roja con el rostro oculto por una máscara ceremonial. Fechada hace 1.700 años, tiene más de 7 metros de altura.
La espiritualidad sigue celebrándose cada año en este lugar de culto en el solsticio de verano.La aparición de la pintura
En el siglo XIV, la investigación pictórica en curso en Europa llegó lentamente a América. Los materiales disponibles en Bolivia obligaron a los artistas a adaptarse. Sin embargo, la pintura servía sobre todo como medio de evangelización y la misión religiosa no podía esperar. Por ello, se favoreció la pintura sobre lienzo y los frescos. La escultura policromada, la pintura sobre metal y la madera también se utilizaron en menor medida para convertir a los indios.
En los Andes, la pintura sobre lienzo fue difundida por los maestros llegados de Italia en el siglo XVI. Tres pintores influyeron notablemente en la pintura colonial, aportando el manierismo, estilo que se impuso en América Latina, aunque los grabados flamencos ya inculcaban la tendencia en pequeño: el jesuita Bernardo Bitti (1575), Mateo Pérez de Alesio (1588) y Angelino Medoro (1600).
Bitti llegó a Estados Unidos con 28 años. Sus figuras sólidas e idealizadas con rostros amables recuerdan a Miguel Ángel. Los nativos aprecian sus pinturas brillantes y coloridas, lo que explica su influencia en el arte popular boliviano. Bitti practicó su arte en pueblos indígenas y centros urbanos como Cuzco y Potosí.
En aquella época, los artistas llevaban una vida nómada. Su constante movimiento ayudó a unificar la visión del arte en todo el Virreinato. Por su parte, los artistas indios aprendieron de los europeos. La influencia de Bitti en Cusi Guamán, o de Diego de Ortiz en el escultor Tito Yupanki, es innegable.La escuela de Potosí
En el siglo XVII, los modelos europeos dieron lugar a interpretaciones originales. Los raros retratos, los de los donantes y benefactores, siguen siendo estereotipados.
Nicolás Chávez de Villafuerte, activo hacia 1600, es considerado el último manierista de Potosí. Entre sus contemporáneos se encuentran Francisco López de Castro y Francisco de Herrera y Velarde. El arte de Herrera utiliza el claroscuro a la manera de Caravaggio. Estos artistas conforman la Escuela de Potosí, de la que surgió Melchor Pérez de Holguín. Nacido hacia 1660, este pintor barroco firmó su primera obra en 1687 y luego abrió su estudio en esta ciudad, que nunca abandonó. Apodado el Pincel de Oro, desarrolló un estilo reconocible por sus figuras curiosamente encogidas. La inmensidad de los paisajes en los que creció es sin duda un factor que influye en su representación del mundo. Su principal discípulo fue Berrío, nacido en 1708, que poco a poco se fue apartando de sus enseñanzas para desarrollar un estilo asertivo cubierto de oro. El Convento Museo santa Teresa de Potosí
cuenta con treinta salas de arte colonial.Contemporáneo de Berrío, el indio Luis Niño se convirtió en pintor y tallador de madera. Sus obras reflejan el gusto indio convencional, una versión americanizada del barroco. Destacan la Virgen de la Victoria de Málaga y los encargos para el obispo de Charcas. El Museo Nacional de Arte de La Paz alberga pinturas de la época colonial, de las escuelas flamenca, española e italiana. La segunda sala presenta a Holguín y sus seguidores, y las dos siguientes a los pintores de La Paz. El Arcángel Arcabucero del maestro de Calamarca o El Rito de
la Virgen de Berrio se encuentran entre los más bellos ejemplos de un arte destinado a propagar el cristianismo. Las reformas del rey Carlos III marcaron un cambio radical. Las academias de arte sustituyeron a las asociaciones de artesanos. El arte se volvió erudito y el barroco fue desterrado en favor del neoclasicismo.Hacia el modernismo
Tras varias fases clásicas, la pintura contemporánea emergente se centra en la realidad boliviana, la vida cotidiana, los paisajes, la vida urbana. Arturo Borda abordó las primeras pinturas indígenas antes de que Cecilia Guzmán tomara el relevo (1899-1950).
Solitaria, Marina Núnez del Prado (1910-1995) irrumpió en la escena artística a una edad muy temprana. La sensualidad de las curvas y el tratamiento del material pronto se convirtieron en características de sus esculturas. La joven quedó fascinada por el tema de las danzas indias, y luego se centró en el tema de las mujeres. La mujer india fue elevada al rango de diosa. Gran viajera, frecuentó a Marc Chagall, Jackson Pollock, Diego Rivera, Frida Kahlo y Picasso. Desde la década de 1930, las esculturas de Marina Núnez del Prado se han expuesto en los cinco continentes. Galardonada con el Cóndor de los Andes, máxima distinción de Bolivia, se casó a los 64 años y murió en Lima. La escultora consiguió imponerse como mujer en un mundo masculino. La boliviana que transgredió las normas fue también una de las primeras artistas en plantear cuestiones sociales y defender la condición de la mujer.Libertad de expresión
La revolución de 1952 vino acompañada de una mayor libertad de expresión. Esta ola estuvo representada por Walter Solón Romero y Gil Imanà, un influyente artista de la segunda mitad del siglo XX. El tema principal de Imanà, nuevo para la época, era la representación de la mujer creativa.
Con el regreso de la democracia en 1982, la pintura recibió un nuevo impulso: el uso de la fotografía, de materiales reciclables. Se trata del desarrollo del arte conceptual, expuesto en el Museo de Arte Contemporáneo de La Paz.
Hoy en día, los artistas se expresan abiertamente en las paredes de La Paz. El arte callejero, favorecido en Bolivia, es una verdadera forma de vida. En las paredes, los mensajes políticos se codean con los frescos más estéticos. En algunos barrios, el Estado financia proyectos de arte callejero con el objetivo de embellecer la vida cotidiana de los vecinos, a la vez que promueve la cultura autóctona.
El barrio artístico-bohemio de La Paz, Sopocachi, está lleno de obras al aire libre. Unos cuarenta artistas de muchas nacionalidades se han repartido en 3 zonas. En la plaza Avaroa, artistas argentinos compartieron las paredes de la escuela Carlos de Villegas. Chilenos y argentinos concentraron sus frescos en el pasaje Gustavo Medinaceli. Por último, los alrededores de la Academia de Bellas Artes inspiraron una serie de murales. Entre otros, el argentino Marcelo Carpita pide que se respete el medio ambiente. Su mural sensibiliza sobre la relación entre el hombre y la Tierra a través de los símbolos de los cuatro elementos.El auge del arte boliviano
Varios artistas bolivianos nacidos a principios del siglo XX han dejado su huella en la escena internacional. La pintora boliviana más importante es sin duda María Luisa Pacheco. Nacida en 1919 en La Paz, trabajó como ilustradora de periódicos antes de ganar una beca para estudiar en Madrid. A su regreso, se trasladó a Nueva York, pero sus cuadros, que combinan la abstracción y la figuración, siguen impregnados de los pueblos aymara y quechua bolivianos, así como de los paisajes de los Andes.
Nacido el mismo año en La Paz, Jorge Carrasco expresa su talento a través de la escultura y la pintura. Se formó en Viena y París, y luego se interesó por la civilización Tiahunacu, cuya cultura ayudó a redescubrir. En la Bienal de São Paulo de 1953, expuso junto a Matisse y Picasso. En 1968, se trasladó a Francia. Su búsqueda del equilibrio inestable puede haber encontrado su contrapunto en el embellecimiento de la iglesia de Le Menoux en el Indre.
Graciela Rodo Boulanger nació en una familia de artistas en 1935. Estaba destinada a hacer carrera como músico, antes de dedicarse a la pintura y el grabado. En 1979, las Naciones Unidas la designaron artista oficial de la infancia. Tras más de 150 exposiciones en todo el mundo, el artista goza de pleno reconocimiento.
En el ámbito de la fotografía, Freddy Alborta (1932-2005) es mundialmente conocido por sus retratos póstumos del Che Guevara. Durante mucho tiempo fue corresponsal de agencias de prensa internacionales, y a los 20 años se convirtió en el fotógrafo oficial del Presidente Víctor Paz Estenssoro. A finales de los años 80, puso fin a su carrera periodística para convertirse en un líder de la fotografía boliviana. Le interesan especialmente el folclore y las costumbres locales.
Sonia Montero Falcone, nacida en 1965 en Santa Cruz, comenzó como pintora. Elegida Miss Bolivia, doctora en psicología, se propuso crear un puente entre su trabajo como psicóloga, el arte y el trabajo social. A través de sus acciones en Estados Unidos, contribuye a que los artistas latinoamericanos sean reconocidos en el extranjero.
