El despertar de los artistas británicos
Poco activos hasta entonces, o al menos poco tenidos en cuenta por la realeza y los notables, fue en el siglo XVIII cuando los artistas británicos empezaron a dejar su impronta, con maestros como William Hogarth (1697-1764), Sir Joshua Reynolds (1723-1792) y Thomas Gainsborough (1725-1806). Hogarth fue uno de los primeros artistas en diversificar su práctica: no sólo era pintor, sino también impresor y un conocido filántropo que, por ejemplo, organizó una exposición en el Foundling Hospital a partir de 1746 y fundó la St. Martin Lane Academy en 1735. Martin Lane en 1735, que acabó siendo absorbida por la Royal Academy en 1768, proporcionando educación gratuita a los estudiantes matriculados. Reynolds y Gainsborough dominaron el arte inglés entre 1750 y 1790, disfrutando de un extraordinario renombre como algunas de las figuras más ricas del país, y convirtiéndose en la comidilla de la ciudad y de los periódicos populares. Reynolds se labró rápidamente una reputación como retratista londinense de moda, y fue el primer presidente y cofundador de la Royal Academy. Sus discursos publicados, pronunciados ante estudiantes, se consideran los primeros escritos importantes sobre arte inglés. Atípico, Reynolds fue a la vez tradicionalista e innovador: allanó el camino a la modernidad sintetizando las escuelas del pasado y transformándolas. Influyó notablemente en los artistas del siglo XIX. El principal rival de Reynolds fue William Gainsborough. Fue rival, pero también amigo, según las épocas, con un respeto mutuo que nunca decayó. Sus principales influencias procedían de Francia para los retratos y de los Países Bajos para los paisajes, siendo Van Dyck uno de sus pintores favoritos. Es conocido por sus retratos intimistas y sus paisajes poéticos e imaginarios, realizados con pinceladas ligeras y brillantes. El reconocimiento de sus paisajes no llegó hasta el siglo XX.
Los últimos años del siglo XVIII y los primeros del XIX se caracterizaron por el Romanticismo británico, con los londinenses William Blake (1757-1827), John Constable (1776-1837) y J. M. W. Turner (1775-1851), este último posiblemente el artista británico de mayor influencia internacional y aún hoy el más admirado. Turner viajó mucho a lo largo de su carrera, primero a Inglaterra y Escocia, y después a Francia, Bélgica, los Países Bajos, Austria e Italia. Visitó Italia en 1819 y se alejó del realismo para acercarse a un impresionismo singular. Se dice que se hizo atar al mástil de un barco durante una tormenta para observar mejor el espectáculo natural que tenía ante sus ojos. En cuanto a William Blake, es famoso por sus notables acuarelas alegóricas, pero también compuso, ilustró e imprimió poemas impregnados de un oscuro misticismo, en un estilo visionario. Fue una gran influencia para los artistas modernistas del siglo XX, en particular para los pintores británicos del Grupo de Bloomsbury. William Blake también ejerció una fuerte influencia en los poetas de la Generación Beat de los años cincuenta y en la contracultura de los sesenta.
Los prerrafaelitas en la Escuela de Londres
El arte victoriano y los prerrafaelitas nacieron en Londres en 1848. El prerrafaelismo tomó como modelo la pintura de los maestros italianos del siglo XV que habían precedido a Rafael. Todos ellos rechazaban el conformismo académico y querían redescubrir los tonos claros, vivos y cadenciosos de los grandes maestros del pasado. Los temas bíblicos, la Edad Media, la literatura y la poesía (Shakespeare, Keats, Browning...) inspiraron a estos artistas. Las principales figuras fueron John Everett Millais (1829-1896), Dante Gabriel Rossetti (1828-1882), Edward Burne-Jones (1833-1898) y el pintor de animales Edwin Landseer (1802-1873). Hacia finales de siglo, estos artistas solían ganar dinero vendiendo los derechos de reproducción de sus cuadros a editores e impresores. Las obras de Landseer, en particular Monarch of the Glen (1851), fueron muy populares. Este cuadro sirvió de inspiración al artista gráfico y diseñador inglés Peter Saville (director artístico de los grupos Joy Division y New Order, entre otros) para un tapiz titulado After, After, After Monarch of the Glen en 2017.
Francis Bacon (1909-1992) es una figura fundamental del modernismo del siglo XX. Expulsado del hogar familiar por sus padres, que le rechazaban por su homosexualidad, viajó a Berlín en 1927, donde descubrió las obras realistas de George Grosz, Otto Dix y Max Beckmann. En 1929 se trasladó a Londres. Bacon, que comenzó realmente su carrera durante la guerra, vio cómo su obra se hacía notar en 1944 con Tres estudios de figuras al pie de una crucifixión (Tate Modern), que conmocionó a los visitantes. Bacon se centró sobre todo en el retrato, en el sujeto humano, que pintaba sin piedad ni barniz. Para ello, se inspiró en la pintura clásica y sus figuras (Tiziano, Velázquez, Grünewald, Van Gogh, Picasso y los expresionistas), que retomó a través de las grandes tragedias del siglo XX. También se inspiró en otros medios, como el cine de Eisenstein, Stroheim y Buñuel, la fotografía (los movimientos de Edward Muybridge) e incluso la imaginería médica. Su compañero, George Dyer, fue su mejor modelo para expresar la imagen atormentada del hombre moderno desgarrado por una sociedad opresiva. Trabajó la mayor parte de su vida artística en un modesto estudio del número 7 de Reece Mews, en South Kensington.
Lucian Freud (1922-2011) era nieto de Sigmund Freud, padre del psicoanálisis. De 1939 a 1943 estudió arte en Londres. Al igual que Francis Bacon, sus obras se inspiraron en artistas alemanes como Otto Dix. La vida y el arte de Freud eran inseparables. Proyectaba todo su ser en los retratos que pintaba. Encontramos sus preguntas existenciales bajo una gruesa capa de pintura. Intentó representar todas las verdades que nos componen, sin pompa ni ceremonia. Los cuerpos desnudos que posan en el maltrecho sofá de su estudio, sobre el colchón, en las arrugadas sábanas rodeadas de paredes asfixiadas por capas de pintura, son los temas preferidos del artista, que los contempla con una mirada cruda, poco amable, desapegada y nada sentimental.
Fotógrafa británica nacida en Londres, Cecile Beaton (1904-1980) fotografió a las grandes estrellas, de Marilyn Monroe a Churchill. Retratista de talento reconocido en todo el mundo, también fue un reputado fotógrafo de moda, como demuestra su larga colaboración con Vogue Gran Bretaña, para la que realizó su primera portada en 1932. Despedido de la revista en los años 50, se convirtió en fotógrafo independiente y escenógrafo. Pocos fotógrafos londinenses han tenido tanta repercusión en la historia de la fotografía.
Del arte pop al arte callejero
En 1956 se inició en Inglaterra un nuevo movimiento basado en un fotomontaje del fotógrafo Richard Hamilton. La obra, titulada Just What Is It That Makes Today's Home so Different, so Appealing? introdujo el movimiento del arte pop y, en particular, sus referencias a la cultura popular, del que David Hockney es hoy uno de sus más eminentes representantes.
David Hockney, nacido en Bradford en 1937, es uno de los artistas vivos más conocidos y populares. Influido por Francis Bacon y Picasso, sus Love Paintings y pinturas Pop Art son conocidas en todo el mundo. Descripción Retrato de un artista (Piscina con dos figuras ) es su obra más conocida. Fue noticia en noviembre de 2018 cuando se convirtió en la obra más cara jamás vendida (90,3 millones de dólares) en una subasta, en vida del artista. En 2017, se celebró una gran exposición retrospectiva en el Centro Pompidou en colaboración con la Tate Britain de Londres.
En cuanto a Howard Hodgkin, nacido en 1932 en Hammersmith y recientemente fallecido en Londres en 2017, sigue siendo uno de los artistas contemporáneos más importantes. Fue uno de los maestros de la abstracción.
También hay que mencionar al dúo de artistas Gilbert y Georges, que llevan juntos desde que se conocieron en la St Martin's School of Art de Londres en 1967. Vestidos de forma idéntica, decidieron convertirse en esculturas vivientes. Su proyecto artístico se basa en sus vidas personales, con temas favoritos como el sexo, la violencia, la muerte y la religión. Su obra, basada en sus obsesiones íntimas, refleja también la actualidad del mundo contemporáneo. La influencia de la publicidad y el marketing se deja sentir en el diseño de sus obras.
Londres está en el origen y el centro de este nuevo movimiento artístico contemporáneo, a menudo denominado "Britart". "Young British Artists" es el nombre dado a los artistas que participaron en una serie de exposiciones iniciadas por la galería Saatchi en 1992. Charles Saatchi expone y financia a jóvenes artistas. Ampliamente apoyadas por los medios de comunicación, estas exposiciones dominaron la escena artística de los años 90, por su carácter provocador y transgresor. El público británico fue testigo de una batalla mediática que suscitó muchos debates sobre el arte contemporáneo británico. Aunque Damien Hirst es sin duda el artista más conocido del movimiento -expuso un tiburón cortado en pedazos y conservado en formol-, hubo muchos otros, cada uno más provocador que el anterior: Sarah Lucas, Jake y Dinos Chapman, Sam Taylor Wood, la representación de una Virgen negra por Chris Ofili, y obras realizadas con orina, excrementos o sangre. Y no fueron las numerosas críticas que recibió el movimiento las que cambiaron nada, al contrario, incluso parecieron ayudarle a ganar notoriedad. Sin embargo, después de haber alcanzado su apogeo con algunos de estos jóvenes artistas galardonados con el Premio Turner, parece que el movimiento se está agotando.
En cuanto al arte callejero, Londres no tiene nada que envidiar a otras capitales, y algunos barrios son museos al aire libre. Bansky, el artista calle jero británico más conocido, no nació en Londres, sino en Bristol. Sin embargo, es muy activo en la capital. Durante el fin de semana del 3 al 5 de mayo de 2008, Banksy organizó una exposición titulada The Cans Festival, situada en Leake Street, un túnel de carretera que antiguamente utilizaba Eurostar bajo la estación londinense de Waterloo. Se invitó a grafiteros con plantillas a participar y pintar sus propias obras de arte, siempre que no taparan las de otros. Banksy invitó a artistas de todo el mundo a exponer sus obras. Hoy, el arte callejero en Londres ha adquirido toda su legitimidad y se ha elevado al rango de las bellas artes.
