Arte rupestre

Mucho antes de la llegada de los exploradores, los pueblos amerindios practicaban un arte que difería de los códigos europeos. Los principales soportes pictóricos eran el cuerpo humano, la cerámica y las paredes de las cavernas.

Una misión arqueológica francesa trabaja en Minas Gerais desde hace unos cincuenta años. Cuenta con el apoyo del Centro Cultural Brasileño de Artes Indígenas de Tiradentes. El análisis del arte rupestre de los miles de yacimientos de la región revela una gran diversidad de estilos y temas. Los pigmentos coloreados y la representación de las facies varían de un lugar a otro. En el centro, las figuras de animales tienden a ser monocromas, mientras que las formas geométricas bicromas son más comunes en el sur. En el estado de Minas Gerais, los petroglifos de treinta centímetros descubiertos en el abrigo de Lapa do Santo son los más antiguos del país (8.000 años).

Surgimiento de la pintura brasileña

El arte tal y como lo conocemos llegó con los primeros europeos. Los exploradores se rodearon de artistas encargados de documentar las nuevas tierras. Normalmente con acuarelas, estos artistas plasmaron en registros la flora y la fauna, así como las gentes y sus actividades. Estas ilustraciones se encuadernaron y empezaron a distribuirse a partir de 1557 con el libro del padre André Thevet. Los retratos y paisajes están impregnados de manierismo, y son de temática brasileña únicamente.

En el siglo XVII, tras la invasión holandesa del Nordeste, pintores flamencos viajaron a Brasil. Frans Post, el más famoso, pintó una serie de cuadros de la tradición paisajística holandesa, que representaban la flora y la fauna de la región. Además de su belleza estética, su obra tiene valor histórico.

Arte barroco

A principios del siglo XVIII, el estilo barroco europeo impregnó la pintura brasileña de influencias locales. Los códigos de este estilo, que se había impuesto en Brasil -sentimiento, dramatismo y gusto por la opulencia-, lo predisponían a transmitir el mensaje de la Iglesia católica. Muy pocas obras están firmadas. El arte barroco brasileño es excepcional por su amplia difusión y por haber perdurado durante casi tres siglos. Debe su originalidad a la diversidad de sus constructores (indios, africanos, portugueses) y a la variedad de materiales disponibles. A diferencia de los españoles, que descubrieron construcciones aztecas e incas en México, Bolivia y Perú, los escultores portugueses no encontraron ni piedra ni constructores cuando llegaron a la costa brasileña.

Los planos de los edificios, y a veces incluso las piedras, como las de la catedral de São Salvador de Bahía, llegaron de Europa. Estas iglesias, bastante macizas, se acercan a la simplicidad portuguesa, con sus formas cuadrangulares, sus fachadas desprovistas de escultura y sus líneas severas inspiradas en la estética de la Contrarreforma italiana. Sin embargo, esta forma compacta confiere a los edificios un aire de ligereza. Frente al estilo plano y lineal del Renacimiento, el Barroco recurre a la ilusión óptica, inventa la tercera dimensión y busca una forma global y viva.

Ya antes del Rococó, a esta simplicidad poética, a esta sobriedad exterior, se opone una estética de la profusión, de la riqueza excesiva de la decoración interior. Aparece en la talha -talla de madera- de los jesuitas de Bahía, en 1670, y luego en la de los franciscanos de Recife, hacia 1700: rocallas burbujeantes, espuma dorada, coronas, conchas, rosas, girasoles, entrelazamientos vegetales inextricables, rosarios rotos de querubines retozando en las nubes. Este contraste se acentuó en la primera mitad del siglo XVIII.

Las grandes minas de oro de Minas Gerais, recién descubiertas, se pusieron en valor. La iglesia diseñada y esculpida por Manuel Francisco Lisboa, conocido como Aleijadinho, en Ouro Preto (1727), y decorada por su amigo el pintor Ataíde, se mantuvo equilibrada. Pero las iglesias de São Pedro dos Clérigos, en Recife (1728), y de Capela Dourada, la catedral de Bahía y el monasterio de São Bento, en Río de Janeiro, fueron, en palabras de Victor L. Tapié, "grutas de oro concebidas para captar la imaginación de los indios". Como centro neurálgico de la fiebre del oro, Ouro Preto tuvo un destino especial en el siglo XVIII. En los numerosos lugares de culto, se introdujo la perspectiva. Era una invitación a todo tipo de exuberancia. Las decoraciones coloristas así integradas en la arquitectura desbordaban su marco, a la manera del rococó. Manuel da Costa Ataíde (1762-1830), escultor y pintor, dejó una importante obra en la región. Uno de sus cuadros más conocidos, la Glorificación de la Virgen, puede verse en laIgreja de São Francisco de Assis, en Ouro Preto (pintado sobre madera entre 1801 y 1812).

A esta fantasía decorativa, José Soares de Araujo impuso en Diamantina un estilo riguroso, utilizando una paleta oscura.

Durante la segunda mitad del siglo XVIII, esta profusión invadió también los exteriores de los edificios, como la magnífica e insensata fachada del Terceiro Ordem de Salvador. Al mismo tiempo, los planos de conjunto evolucionaron hacia formas menos rígidas, pero no carentes de sobriedad y cohesión: la irregularidad del Santuário do Bom Jesus de Matosinhos en Congonhas, los lados ondulados de la nave de la Igreja São Francisco de Assis en São João del-Rei, fachadas abovedadas, torres esquineras con cúpulas y campanas, planos que combinan elipses y polígonos.. Estas tendencias pueden apreciarse en la Igreja de São Francisco de Assis, iglesia de la Tercera Orden Franciscana, construida por Aleijadinho en Ouro Preto. Mejor que sus colegas de Salvador, el escultor supo dominar la profusión de decoraciones interiores.

Romanticismo

Los franceses fueron los inspiradores de un estilo académico romántico de la pintura brasileña, en el que la exuberancia de la naturaleza y la luz desempeñaban un papel predominante. La "misión artística francesa", dirigida por Joaquim Lebreton en 1816, trajo pintores como Nicolas-Antoine Taunay, Jean-Baptiste Debret y François-René Moreaux. Gran amante del arte, el Emperador Don João VI impulsó esta iniciativa a su regreso de Portugal, pero chocó con los partidarios de la tradición barroca. La nueva Academia Imperial de Bellas Artes (AIBA), creada en Río en 1826, dio lugar a una escena pictórica única en el país en la segunda mitad del siglo XIX. Río se consolidó como centro del academicismo brasileño.

Artistas de talento como Victor Meirelles(Panorama de Río, 1890) y Pedro Américo(Batalha de Avai, 1879) pasaron a formar parte de la colección del Museu Nacional de Belas Artes - MNBA de Río, el mayor museo de Brasil. El arte brasileño ocupa un lugar destacado en su extensa colección de obras del siglo XIX. Las exposiciones temporales dan a conocer el arte local contemporáneo.

Modernismo

La ola modernista que sacudió Europa en la década de 1920 llegó a Brasil, y a São Paulo en particular. El futurismo, el dadaísmo y el cubismo fueron revisitados por artistas brasileños a través del prisma de su propia cultura. En 1951 se celebró la primera Bienal de São Paulo. El arte abstracto y la vanguardia tuvieron por fin una amplia plataforma de difusión. El acontecimiento fue decisivo para el desarrollo de la pintura brasileña.

La efervescencia cultural de São Paulo contrastaba con el ambiente más tradicional de Río. La capital por fin se ha puesto al día. Esto se refleja en la apertura del Museo de Arte Moderna - MAM - en el corazón del Parque Flamengo. Sus tres plantas están dedicadas al arte moderno brasileño e internacional. Aquí se pueden descubrir pinturas de Emiliano Di Cavalcanti y Tarsila do Amaral, así como fotógrafos de la región como Alair Gomes, nacido en 1921, y su asombrosa serie de desnudos masculinos en blanco y negro, captados con movimientos casi de danza; y Claudia Andujar, fotógrafa brasileña nacida en Suiza en 1931, conocida por su apoyo al pueblo indígena yanomami.

La bahía de Río ha inspirado a pintores y fotógrafos desde mediados del siglo XIX. El fotógrafo pionero Marc Ferrez, nacido en Río de Janeiro en 1843, documentó la vida cotidiana de la joven nación brasileña.

El carioca Emiliano Di Cavalcanti (1897-1973) es uno de los grandes nombres de la pintura brasileña, demasiado poco conocido en Francia. Amigo de Fernand Léger, e interesado como él por las investigaciones plásticas de los surrealistas, presentó "una forma de síntesis entre la cultura brasileña y las vanguardias europeas". Su obra se mantuvo realista y primitiva, casi ingenua, y atestigua la visión empática del pintor hacia la gente de las ciudades y del campo, y en particular hacia las mujeres mestizas, el corazón desatendido del Brasil de la época. Como en el caso de Tarsila de Amaral, las huellas del cubismo y del expresionismo son expresión de la profundidad del movimiento "antropofágico", que se opone a la dominación cultural del "primer mundo" recordando los vínculos orgánicos que unen a los dos continentes y a los pueblos que los componen.

Arte contemporáneo

En 1984 se produjo el regreso oficial de la pintura con la exposición Onde está você, geração 80? (¿Dónde estás, generación de los 80?). Reunió en Río de Janeiro a 123 artistas, en su mayoría principiantes, que renovaron la visión de la pintura.

El Museu de Arte Contemporânea - MAC, situado en Niterói, cuenta con una rica colección de artistas brasileños contemporáneos. Un museo reciente, el Museu de Arte do Rio - MAR, ofrece colecciones temporales de arte contemporáneo y fotografía. Cerca de Belo Horizonte, en Brumadinho, los aficionados al arte contemporáneo pueden visitar el magnífico jardín botánico Inhotim, sede delInstituto Inhotim. En este marco único, el arte al aire libre dialoga con una naturaleza exuberante. Junto a estrellas internacionales, encontrará algunos de los nombres más importantes del arte contemporáneo brasileño. Entre ellos, Adriana Varejão, nacida en Río de Janeiro en 1964, que está volviendo a poner de moda técnicas tradicionales como los azulejos, y el célebre escultor y performer Tunga (Antonio José de Barros Carvalho, nacido en 1952 y fallecido en 2016), conocido por sus enigmáticas obras, cruce de cuestionamiento existencial y surrealismo.

Entre las principales figuras del arte contemporáneo, el pintor y escultor Hélio Oiticica es el pionero del arte concreto en Brasil. Oiticica murió a los 43 años en 1980, pero dejó tras de sí una importante obra respetada por la crítica internacional. Figura destacada del movimiento Tropicalia a finales de los 60, abogaba por la mezcla de las artes. Sus instalaciones, que pretendían ser abstractas y populares, recuerdan sus raíces brasileñas.

En la actualidad, la obra de la artista visual Christina Oiticica (esposa del escritor Paulo Coelho) hunde sus raíces en una búsqueda arqueológica y naturalista. Sensible al medio ambiente, incorpora elementos orgánicos a sus creaciones. Sus cuadros son un puente entre el pasado y el presente.

Arte callejero

En Río de Janeiro, más que en ningún otro lugar, el arte callejero se extiende por todo el país.

Los brasileños distinguen entre el "pichação ", considerado un acto de rebeldía, y el "grafite", que es un proceso artístico. Desde 2009, el gobierno brasileño ha legalizado la práctica del arte callejero, siempre que el propietario esté de acuerdo. También debe "embellecer". El arte callejero es una expresión de los valores populares. Sea cual sea su mensaje, el mural sigue siendo colorista y apasionado. Sin embargo, cada vez hay más iniciativas a favor de un arte reflexivo y de calidad. Las más significativas son los festivales de arte callejero que reúnen a artistas de todo el mundo.

En las calles de Río, no pierda de vista esta antología de grandes firmas brasileñas. Rafaela Monteiro, alias Rafa Mon, viene directamente del mundo de la moda. Sus frescos son reconocibles por su tono onírico y poético. El mundialmente famoso Eduardo Kobra expresa su arte en frescos monumentales de corte realista. Originario de los suburbios de São Paulo, añade a sus coloridas composiciones los efectos caleidoscópicos que le han dado fama. Además de exponer en París, España y Argentina, Marcelo Eco esparce sus obras por toda la ciudad de Río. Le gusta reproducir en estilo gráfico el retrato de un hombre con bigote y barbilla puntiaguda, que podría ser Salvador Dalí. En cualquier caso, se le puede encontrar por todo Río de Janeiro, y en particular en la Avenida Nossa Senhora de Copacabana.

Arte urbano en Belo Horizonte

Thiago Mazza, nacido en Belo Horizonte en 1984, dio sus primeros pasos como grafitero en su ciudad natal. Sus frescos, que ofrecen un diálogo entre referencias clásicas y modernistas, le propulsaron rápidamente a la vanguardia del muralismo contemporáneo. Su obra puede verse en festivales de arte urbano de todo el país, entre ellos el CURA de Belo Horizonte. Como prolongación del evento, la asociación CURA ofrece un recorrido de arte urbano por la ciudad.

Río, entre el arte y la historia

En Río, las paredes del Jardín Botánico y del metro son famosas por sus frescos. He aquí otras ideas para guiarle en su paseo por la ciudad. El fresco del tranvía de Santa Teresa recuerda el lugar que este medio de transporte ocupaba en la vida cotidiana de los habitantes de la ciudad. El barrio de Botafogo no sólo es rico en arte callejero, sino que reúne a artistas más interesados en la forma que en el contenido. Aquí, lejos de mensajes políticos y recordatorios de la realidad, abundan las pepitas de colores que embellecen el entorno urbano sólo por diversión.

Por el contrario, las obras del Centro reviven recuerdos de acontecimientos históricos, desde la vida rural hasta la esclavitud. Aquí se encuentra el mural más grande del mundo: Eduardo Kobra realizó un encargo en el Centro para los Juegos Olímpicos sobre el tema de las tribus indígenas y los cinco continentes. ¡Una entrada en el Libro Guinness! En el barrio chic y de moda de Ipanema, el grafitero anónimo Oraculo Project difunde el amor a través de mensajes estarcidos esparcidos por el suelo. En inglés y portugués. El mismo artista coloreó de rojo los troncos de los árboles para concienciar sobre la destrucción de los bosques. La Copa del Mundo de 2014 ha sido objeto de innumerables expresiones de disconformidad popular. Estos mensajes visuales siguen rondando las calles mientras la gente se levanta en protesta. Cuando las noticias se leen en las paredes ..