Escultura precolombina

A casi 4.000 metros de altitud, la civilización de Tiwanaku se remonta 3.500 años atrás. Sin embargo, su apogeo tuvo lugar entre los siglosV y XI. Los vestigios del yacimiento de Tiwanaku atestiguan la influencia política y cultural ejercida por el Imperio preincaico durante seis siglos. Los Tiwanakus son famosos por su maestría en el trabajo de la piedra, sobre todo en los monolitos, estas austeras figuras portan a veces un cetro o un arma. Su arte revela similitudes con el de los huaris, un pueblo de constructores que también producía una cerámica excepcional. Pero el rasgo común más llamativo son las lágrimas en las comisuras de los ojos de las figuras esculpidas por estas dos civilizaciones. En el yacimiento, en el corazón de la Ciudad del Sol, la Puerta del Sol, realizada con un bloque de piedra de diez toneladas, presenta un frontón finamente cincelado. Aparece una divinidad rodeada de decenas de criaturas aladas, algunas con rostro humano, otras con cabeza de cóndor. Según la leyenda, la puerta guarda un secreto destinado a guiar a la humanidad futura.

Otra obra maestra, el monolito de Ponce, también está decorado con grabados. Entre sus motivos figuran peces, pumas y águilas, todos ellos derivados de la simbología aymara. El museo arqueológico de Tiwanaku alberga el famoso monolito de Bennett, un gigante de piedra roja cuyo rostro está oculto por una máscara ceremonial. Data de hace 1.700 años y mide más de 7 metros de altura.

La espiritualidad sigue celebrándose cada año en este lugar de culto, en el solsticio de verano.

La aparición de la pintura

En el siglo XIV, la investigación pictórica en curso en Europa llegó lentamente a América. Los materiales disponibles en Bolivia obligaron a los artistas a adaptarse. Pero la pintura era ante todo un medio de evangelización, y la misión religiosa no podía esperar. Por eso se favoreció la pintura sobre lienzo y los frescos. En menor medida, la escultura policromada y la pintura sobre metal y madera también se utilizaron para convertir a los indios.

En los Andes, la pintura sobre lienzo fue difundida por maestros llegados de Italia en el siglo XVI. Tres pintores influyeron notablemente en la pintura colonial, aportando el manierismo, estilo predominante en Hispanoamérica, aunque los grabados flamencos ya inculcaban la tendencia en pequeño: el jesuita Bernardo Bitti (1575), Mateo Pérez de Alesio (1588) y Angelino Medoro (1600).

Bitti llegó a América con 28 años. Sus figuras macizas, idealizadas y de rostros apacibles recuerdan a Miguel Ángel. Los nativos apreciaban sus lienzos brillantes y coloridos, lo que explica su influencia en el arte popular boliviano. Bitti practicó su arte en aldeas indígenas y centros urbanos como Cuzco y Potosí.

En aquella época, los artistas llevaban un estilo de vida nómada. Sus constantes viajes ayudaron a unificar la visión del arte en todo el Virreinato. Por su parte, los artistas indios aprendían de los europeos. La influencia de Bitti sobre Cusi Guamán, y de Diego de Ortiz sobre el escultor Tito Yupanki, es indiscutible.

La escuela de Potosí

En el siglo XVII, los modelos europeos dieron lugar a interpretaciones originales. Los escasos retratos de donantes y benefactores permanecieron estereotipados.

Nicolás Chávez de Villafuerte, activo hacia 1600, está considerado como el último manierista de Potosí. Entre sus contemporáneos figuran Francisco López de Castro y Francisco de Herrera y Velarde. El arte de Herrera utiliza el claroscuro a la manera de Caravaggio. Estos artistas formaron la Escuela de Potosí, de la que surgió Melchor Pérez de Holguín. Nacido hacia 1660, este pintor barroco firmó su primera obra en 1687 y luego abrió su taller en esta ciudad, que nunca abandonó. Apodado el Pincel de Oro, desarrolló un estilo reconocible por sus figuras curiosamente encogidas. La inmensidad de los paisajes en los que creció fue sin duda un factor determinante en su representación del mundo. Su principal discípulo fue Berrío, nacido en 1708, que poco a poco se apartó de sus enseñanzas para desarrollar un estilo más asertivo recubierto de oro. El Convento Museo santa Teresa de Potosí cuenta con treinta salas de arte colonial.

Contemporáneo de Berrío, el indio Luis Niño se convirtió en pintor y escultor en madera. Sus obras reflejan el gusto indio convencional, una versión americanizada del barroco. Entre sus obras destacan La Virgen de la Victoria de Málaga y encargos para el obispo de Charcas. El Museo Nacional de Arte de La Paz alberga pinturas de la época colonial y de las escuelas flamenca, española e italiana. La segunda sala está dedicada a Holguín y sus discípulos, mientras que las dos siguientes están dedicadas a los pintores paceños. El Arcángel Arcabucero, del maestro de Calamarca, y El rito de la Virgen, de Berrío, figuran entre los mejores ejemplos de arte destinado a difundir el cristianismo.

Las reformas del rey Carlos III marcaron un cambio radical. Las academias de arte sustituyen a las asociaciones de artesanos. El arte se hace culto y el barroco se destierra en favor del neoclasicismo.

Hacia el modernismo

Tras varias fases clásicas, la emergente pintura contemporánea se centró en la realidad boliviana, la vida cotidiana, el paisaje y la vida urbana. Arturo Borda abordó las primeras pinturas indigenistas antes de que Cecilia Guzmán tomara el relevo (1899-1950).

Solitaria, Marina Núnez del Prado (1910-1995) irrumpió en la escena artística muy joven. Sus esculturas pronto se caracterizaron por la sensualidad de sus curvas y el tratamiento de los materiales. La joven se sintió fascinada por el tema de las danzas indias, y luego centró su atención en el tema de la mujer. La mujer india fue elevada al rango de diosa. Viajera empedernida, conoció a Marc Chagall, Jackson Pollock, Diego Rivera, Frida Kahlo y Picasso. A partir de los años treinta, las esculturas de Marina Núnez del Prado se expusieron en los cinco continentes. Galardonada con el Cóndor de los Andes, máxima distinción de Bolivia, se casó a los 64 años y murió en Lima. La escultora logró imponerse como mujer en un mundo dominado por los hombres. Esta transgresora boliviana fue también una de las primeras artistas en plantear cuestiones sociales y defender la condición de la mujer.

Libertad de expresión

La revolución de 1952 vino acompañada de una mayor libertad de expresión. Esta ola estuvo representada por Walter Solon Romero y Gil Imanà, influyente artista de la segunda mitaddel siglo XX . El tema principal de Imanà, novedoso para la época, fue la representación de la mujer creadora.

Con el retorno de la democracia en 1982, la pintura recibió un nuevo impulso con el uso de la fotografía y los materiales reciclables. Esto marcó el desarrollo del arte conceptual, expuesto en el Museo de Arte Contemporáneo de La Paz.

Hoy, los artistas se expresan abiertamente en los muros de La Paz. El arte callejero, favorecido en Bolivia, es un verdadero modo de vida. En las paredes, los mensajes políticos se codean con frescos más estéticos. En algunos barrios, el Estado financia proyectos de arte callejero con el objetivo de mejorar la vida cotidiana de los habitantes y, al mismo tiempo, promover la cultura indígena.

El barrio artístico-bohemio de La Paz, Sopocachi, está lleno de obras al aire libre. Unos cuarenta artistas de muchas nacionalidades se han repartido por 3 zonas. En la plaza Avaroa, artistas argentinos compartieron las paredes de la escuela Carlos de Villegas. Chilenos y argentinos concentraron sus frescos en el pasaje Gustavo Medinaceli. Por último, los alrededores de la Academia de Bellas Artes inspiraron multitud de murales. Entre ellos, el argentino Marcelo Carpita hace un llamamiento al respeto del medio ambiente. Su fresco sensibiliza sobre la relación entre el hombre y la Tierra a través de símbolos de los cuatro elementos.

El auge del arte boliviano

Varios artistas bolivianos nacidos a principios del siglo XX han dejado su huella en la escena internacional. La pintora boliviana más importante es sin duda María Luisa Pacheco. Nacida en 1919 en La Paz, trabajó como ilustradora de prensa antes de ganar una beca para estudiar en Madrid. A su regreso, se trasladó a Nueva York, pero sus cuadros, que combinan abstracción y figuración, siguen impregnados de los pueblos aymara y quechua bolivianos, así como de los paisajes de los Andes.

Nacido el mismo año en La Paz, Jorge Carrasco expresa su talento a través de la escultura y la pintura. Se formó en Viena y París, antes de interesarse por la civilización Tiahunacu, cuya cultura contribuye a redescubrir. En la Bienal de São Paulo de 1953, expone junto a Matisse y Picasso. En 1968, se traslada a Francia. Su búsqueda de un equilibrio inestable puede haber encontrado su contrapunto en el embellecimiento de la iglesia de Le Menoux, en la región de Indre.

Graciela Rodo Boulanger nació en una familia de artistas en 1935. Estaba destinada a hacer carrera como músico, antes de dedicarse a la pintura y el grabado. En 1979, la ONU la designó artista infantil oficial. Tras más de 150 exposiciones en todo el mundo, la artista goza ahora de pleno reconocimiento.

En fotografía, Freddy Alborta (1932-2005) es mundialmente conocido por sus retratos póstumos del Che Guevara. Corresponsal durante mucho tiempo de agencias de prensa internacionales, a los 20 años se convirtió en el fotógrafo oficial del Presidente Víctor Paz Estenssoro. A finales de los años 80, puso fin a su carrera periodística para convertirse en un referente de la fotografía boliviana. Se interesa especialmente por el folclore y las costumbres locales.

Sonia Montéro Falcone, nacida en 1965 en Santa Cruz, comenzó su carrera como pintora. Elegida Miss Bolivia y doctora en psicología, se propuso tender un puente entre su trabajo como psicóloga, el arte y el trabajo social. Gracias a su trabajo en Estados Unidos, ha contribuido al reconocimiento de los artistas latinoamericanos en el extranjero.