Los comienzos de la pintura en Nueva Inglaterra

Durante mucho tiempo, el clima intelectual de América fue desfavorable a la pintura. Hasta finales del siglo XVIII, la pintura se limitaba a los retratos, y no fue hasta la primera mitad del siglo XIX cuando aparecieron los paisajes, en forma de escenas románticas o vastos panoramas.

Los grandes pintores de la época fueron John Singleton Copley (1738-1815), uno de los maestros americanos del retrato, James Whistler (1834-1903), influido por los impresionistas franceses -ambos figuraron entre los primeros artistas americanos de renombre internacional- y Mary Cassatt (1844-1926), también abanderada del impresionismo, Winslow Homer (1836-1909), pintor realista famoso por sus marinas, Robert Reid (1862-1929) y John Singer Sargent (1856-1925), europeo que vino a Boston para pintar varios retratos por encargo, entre ellos el de la importante mecenas Isabella Stewart Gardner (1888), expuesto en el Museo Isabella Stewart Gardner.

En 1870, Boston inauguró el Museo de Bellas Artes (MFA), que rápidamente se convirtió en una referencia nacional. En 1899, Charles Hawthorne (1872-1920) también fundó una colonia de artistas en Provincetown, la Cape Cod School of Art, invitando a otros artistas a unirse a él.

En 1916 se habían abierto seis escuelas de arte, que atraían a pintores de todo el país. Hawthorne fue también el fundador de la Asociación y Museo de Arte de Provincetown, que sigue funcionando hoy en día. Algún tiempo antes, en 1903, Isabella Stewart Gardner abrió un museo ecléctico en Boston, en el que exponía obras de artistas locales y ayudaba a promocionar su trabajo. Entre las obras expuestas figuraban las de John Noble (1974-1934) y Norman Rockwell (1894-1978), que ahora tiene un museo propio en Stockbridge (Massachusetts), el Norman Rockwell Museum. La Escuela de Cape Cod pasó así a un primer plano durante varias décadas.

Al mismo tiempo, cuando la pintura estadounidense estaba dominada por las tendencias realistas y la preocupación por el orden social, se creó una nueva escuela realista nacional con una dimensión más documental, la Escuela de Ash Can. El pintor más conocido de este movimiento fue George Bellows (1882-1925). Ofreció una visión cautivadora de la sociedad estadounidense en un momento crucial, en plena transición a la modernidad.

En 1948, los descendientes del acaudalado mecenas William Farnsworth inauguraron el Museo de Arte Farnsworth en Rockland, Maine. El museo reúne obras de pintores que representaron a Maine y Nueva Inglaterra en general. Incluye cuadros de Andrew Wyeth (1917-2009) y Winslow Homer (1836-1910), así como de Edward Hopper (1882-1967) y Bellows. También se rinde homenaje a Winslow Homer en Maine, en Prout's Neck, cerca de Portland: su antiguo estudio, el Winslow Homer Studio, está abierto al público desde 2013.

También en Maine, puedes visitar elMuseo de Arte Americano de Ogunquit para descubrir las obras de la colonia de artistas de Ogunquit que se instalaron en este pueblo costero en la década de 1890.

Hacia un modernismo americano

En la década de 1920, una escuela llamada American Scene reunió a una serie de artistas, entre ellos Grant Wood (1891-1942) y Edward Hopper, cuyo deseo común era redescubrir una realidad familiar y provinciana propia de su país, como reacción a las corrientes expresionistas propagadas por artistas de Europa Central.

El Precisionismo surgió a principios de la década de 1920. Este movimiento tenía ciertas características del cubismo y el futurismo, y en general se centraba en la urbanización e industrialización del paisaje estadounidense. Fue impulsado por artistas como Charles Demuth (1883-1935), con su fascinación por los silos de grano, Elsie Driggs (1898-1992), cuyo cuadro de Pittsburgh con sus amenazadoras acerías merece ser recordado, y Charles Sheeler (1883-1965), que retrató las fábricas Ford en Criss-Crossed Conveyors, Marsden Hartley (1877-1943), modernista y luego regionalista cuando regresó a su región para convertirse en el "pintor de Maine", y Georgia O'Keeffe (1887-1986), con sus inolvidables interpretaciones de los rascacielos de Manhattan. En 1929 se fundó el Museo de Arte Currier de Manchester, con una galería entera dedicada a los pintores de New Hampshire. En 1936, abrió sus puertas el Museo de Arte Moderno de Boston, institución hermana del MoMA de Nueva York. El museo, un auténtico hervidero de innovación, se labró una sólida reputación por detectar a los artistas emergentes de la época, y se independizó en 1948, cuando pasó a llamarse Instituto de Arte Contemporáneo (ICA).

Durante la Segunda Guerra Mundial, Estados Unidos acogió a muchos artistas extranjeros expulsados por el nazismo (entre ellos Max Ernst, Yves Tanguy, André Masson, Fernand Léger, Salvador Dalí y Marc Chagall), lo que convirtió al país en un hervidero internacional de las artes. Las vanguardias occidentales fueron muy bien acogidas, el surrealismo gozó de un nuevo aliento y muchos siguieron la corriente europea. Sin embargo, cansados del peso y el alcance de la influencia europea, algunos pintores estadounidenses no tardaron en reaccionar. Se produjo un renacimiento artístico en torno a expresionistas abstractos como Jackson Pollock (1912-1956), Willem De Kooning (1904-1997), Mark Tobey (1890-1976) y Franz Kline (1910-1962), que fundaron la Escuela de Nueva York, otorgando a la ciudad un papel central en el arte. Frank Stella (1936-2024), nacido en Massachusetts, y los minimalistas siguieron sus pasos. Stella fue uno de los precursores del Minimalismo y uno de los principales exponentes del Op Art.

Desde el arte pop hasta el arte contemporáneo, un período de abundancia

En los años sesenta, la Escuela de Nueva York resucitó el dadaísmo: el movimiento neodada produjo una pintura de dimensión social, inspirada en los materiales de la vida cotidiana, a cargo de artistas como Robert Rauschenberg (1925-2008), Jasper Johns (1930) y Louise Nevelson (1899-1988).

El arte pop se desarrolló en Estados Unidos a finales de la década de 1950 sobre la base del neodada, aprovechando los códigos de la cultura popular contemporánea, desde la publicidad hasta los cómics. Andy Warhol (1928-1987) y Roy Lichtenstein (1923-1997) fueron las figuras más destacadas de este movimiento. Llevaron el arte estadounidense al centro de la atención internacional y contribuyeron al desarrollo de la escena contemporánea local. Pronto surgieron formas nuevas y subversivas como la instalación, la performance, el happening y el videoarte, con Claes Oldenburg (1929) y Allan Kaprow (1927-2006) como figuras destacadas.

Desde entonces, esta energía creativa ha seguido dinamizando Nueva York y la escena de Nueva Inglaterra, donde en 1985 se creó el Massachusetts MoCA para exponer obras de arte en formatos inusuales que no podían mostrarse en las instituciones artísticas convencionales. Con su variada programación, este centro de arte sigue siendo hoy, junto con el ICA de Boston, un lugar ideal para descubrir artistas de la escena local y nacional.

La aventura fotográfica en Nueva Inglaterra

La fotografía se estableció en Nueva Inglaterra tan pronto como se desarrolló la técnica. El daguerrotipo, inventado en 1839 por el francés Louis Daguerre, se difundió rápidamente en Estados Unidos, y fue en la primavera de 1840, en la Massachusetts Historical Society de Boston, donde se realizó una de las primeras demostraciones estadounidenses. En la década de 1950 surgieron decenas de estudios en la ciudad, dirigidos por Albert Sands Southworth (1811-1894) y Josiah Johnson Hawes (1808-1901). Las primeras imágenes que produjeron eran principalmente utilitarias y estaban destinadas a la élite, entre la que el retrato estaba muy en boga. No fue hasta más tarde cuando se desarrolló la fotografía artística, con pioneros como el pictorialista F. Holland Day (1864-1933).

Para descubrir fotografías de la región, visite las diversas casas-museo gestionadas por Historic New England, una asociación dedicada a preservar el patrimonio histórico local. Sus colecciones fotográficas son vastas, con más de 500.000 imágenes que datan desde el siglo XIX hasta nuestros días. Representan innumerables facetas de la vida en la región: escenas urbanas, paisajes rurales, la vida en el mar o reuniones familiares. Para la fotografía más contemporánea, hay varias galerías especializadas en Boston, como la Panopticon Gallery y la Robert Klein Gallery.

De la escultura al arte callejero: disfrutando del arte al aire libre

Además de su verdor, sus montañas y sus ríos, el paisaje de Nueva Inglaterra alberga numerosas obras de arte que se pueden descubrir al aire libre. Hay multitud de parques con colecciones públicas para disfrutar paseando, ¡cuando las obras no están pintadas directamente en las fachadas de los edificios!

Una de las principales instituciones en este campo es el Parque de Esculturas y Museo DeCordova de Lincoln, que alberga unas sesenta obras modernas y contemporáneas en un terreno de más de 35 hectáreas. En una línea más clásica, el Museo Chesterwood de Stockbridge alberga obras de Daniel Chester French (1850-1931), famoso escultor estadounidense de New Hampshire. También presenta obras de artistas emergentes en exposiciones temporales. En Ridgefield, Connecticut, el Museo Aldrich de Arte Contemporáneo también tiene un jardín dedicado a la escultura contemporánea, con la mayoría de las obras creadas específicamente para el lugar. Por último, si es un aficionado a la jardinería o a las excursiones en familia, no se pierda el Green Animals Topiary Gardens de Portsmouth, un jardín de esculturas vegetales, a cada cual más increíble, que rivalizan fácilmente con las deEduardo Manostijeras

En cuanto al arte callejero, las calles de Boston albergan muchas pepitas de oro. No se pierda Graffiti Alley, en el corazón de Central Square, uno de los lugares favoritos de los grafiteros de la región. Si tiene suerte, podrá verlos trabajando