Urushi, o el arte de la laca japonesa
La laca Urushi procede del árbol de la laca del mismo nombre y floreció en Japón hace más de 2.000 años. Los primeros objetos lacados datan de finales del periodo Jōmon (13.000 a 300 a.C.). Hasta el siglo X, aunque la técnica era en gran medida autóctona, los motivos tomaban prestadas formas y patrones chinos, antes de que elurushi japonés se desarrollara decisivamente durante las épocas Nara (710-794) y Heian (794-1185). La técnica maki-e, que consiste en rociar laca con oro o plata, rompió con las técnicas ancestrales. En el periodo Kamakura (1185-1333) se desarrollaron la decoración de objetos a gran escala, la laca en relieve y la técnica de incrustación de perlas (o raden) . Los shogunes sentían gran admiración por los productos chinos, y en este periodo se desarrollaron nuevas técnicas mezcladas con los conocimientos de las dinastías Song y Ming. A la inversa, los objetos lacados se exportaban a Corea y China. En el siglo XVI, la llegada de los portugueses proporcionó un nuevo mercado y los europeos se apasionaron por los objetos lacados. Más tarde, ¡la propia reina María Antonieta los coleccionó! Desde entonces, la laca japonesa goza de una reputación internacional cada vez mayor.
La escultura japonesa, de la tradición budista a la modernidad
En el País del Sol Naciente, la mayoría de las esculturas están vinculadas a la tradición budista, cuya edad de oro es la de la escuela Kei, que apareció a principios del periodo Kamakura (1185-1333) y mantuvo su influencia hasta finales del siglo XIX. Sin dejar de estar vinculados al budismo, los escultores Kei contribuyeron al desarrollo de este arte, refinando las características de sus obras. Los dos grandes nombres de esta tradición son Unkei (1151-1223) y Kaikei (1183-1223), que, con estilos muy diferentes, dejaron su huella en la historia artística del país. Muchas obras de este periodo se encuentran en Nara, como el Niō de Tōdai-ji.
En el Japón moderno se desarrolló la escultura inspirada en el estilo occidental, sobre todo en Tokio, donde numerosas estatuas y otros monumentos esculpidos han dado forma al paisaje urbano. En el siglo XX, el país produjo algunos grandes artistas que dejaron su huella en la historia de la escultura moderna, como Isamu Noguchi (1904-1988), que también fue diseñador. En la actualidad, la escultura contemporánea no es una excepción, con figuras destacadas como Tadashi Kawamata (nacido en 1953) y Kohei Nawa (nacido en 1975).
De la influencia china al Yamato-e
La pintura japonesa tiene una historia muy antigua, como demuestran los objetos decorados de los periodos Jōmon (13.000 a 300 a.C.) y Yayoi (300 a.C.-300 d.C.). Fue con el desarrollo del arte budista en el periodo Nara (710-794) cuando la pintura, principalmente la mural, comenzó a florecer de forma decisiva. Este arte estuvo muy influido por las dinastías Sui y Tang de China, en las que los paisajes ocupaban un lugar destacado. Fue más tarde, a principios del periodo Heian (794-1185), cuando nació el yamato-e, un estilo de pintura secular netamente japonés, más decorativo, detallado e inspirado en la vida cotidiana. De este periodo, no se pierda el biombo con paisaje del Tô-ji, ahora expuesto en el Museo Nacional de Kioto, uno de los raros tesoros de este periodo aún visibles. Durante los periodos Heian y Kamakura (1185-1333), los pintores retrataron la vida de los clérigos, así como de la nobleza y las grandes figuras nacionales, especialmente las de las novelas de la corte imperial. Al mismo tiempo, nació un nuevo estilo de pintura en tinta monocroma originario de China y basado en lavados, pero no despegó realmente hasta el periodo Muromachi (1336-1573). Bajo el régimen de Ashikaga, la pintura paisajista gozaba del apoyo de la familia gobernante y estaba fuertemente influenciada por el Zen. Monjes que también eran pintores y calígrafos, como el famoso Sesshū (1420 - 1506), adoptaron la técnica del lavado y le dieron un estilo claramente japonés.
Desde Muromachi (1336-1573) hasta Meiji, la grandiosa escuela Kanō
El periodo Muromachi también fue testigo del auge de la famosa escuela Kanō, cercana al poder y que influiría en el archipiélago durante varios siglos. Uno de sus miembros, Kanō Motonobu (1476-1559), mezclaba hábilmente aguadas ligeras y transparentes con grandes aguadas de tinta. Durante el periodo Edo (1600-1868), la escuela Kanō decoró residencias y palacios, especialmente Eitoku Kanō (1543-1590), que se encargó de la decoración de la residencia de Hideyoshi Toyotomi. El maestro Tan-yu (1602-1674) decoró las tumbas Nikkō y los mausoleos del parque Shiba, en Edo, por encargo de los Tokugawa. En Kioto, también decoró Nan Zen-ji y el Palacio Imperial.
Entre el realismo y el formalismo, la escuela Maruyama-Shijō
Frente a las escuelas oficiales de la época, como la Escuela Kanō, se creó la Escuela Maruyama-Shijō por iniciativa de Maruyama Ōkyo (1733-1795) y Matsumura Goshun (1752-1811), dos monumentos de la pintura japonesa. Los artistas de la escuela Maruyama-Shijō desarrollaron un estilo que era una síntesis de las dos grandes tendencias del siglo XVIII: por un lado, el idealismo de los literatos promovido por las escuelas antiguas, que enfatizaba la dimensión decorativa de las obras, y por otro, el realismo, que adoptaba una mirada precisa sobre la naturaleza, inspirándose en el naturalismo científico occidental traído a Nagasaki por los holandeses.
El grabado, una revolución en el arte japonés
Sería más exacto hablar de xilografía, o grabado en madera, una técnica que permite reproducir a la vez imágenes y texto, y que se desarrolló durante el periodo Edo (1603-1868) con elukiyo-e, o "imágenes del mundo flotante". El dibujo se graba primero en un bloque de madera, antes de imprimirse en una hoja de papel. Aunque los amantes de las estampas japonesas en Europa solían referirse a los grabados eróticos -shunga o "imágenes primaverales"-, los temas representados eran variados y correspondían a los intereses de la burguesía urbana de la época, en busca de cultura y entretenimiento: personajes populares (cortesanas, actores de kabuki, luchadores de sumo, yōkai), paisajes y monumentos. Esta nueva cultura urbana se desarrolló primero en Kansai, Kioto y Osaka, y después en Edo (actual Tokio). Correspondió a una época de paz y prosperidad, de desarrollo social y económico, y vino acompañada de un cambio en las formas artísticas. ElUkiyo-e, que permitía la reproducción barata en papel, estaba en sintonía con el espíritu de la época, y sus imágenes eran un recordatorio de la fragilidad del mundo y del deseo de disfrutar de las cosas de la vida. Por citar sólo algunos de los grandes nombres delukiyo-e, no hay que perderse las obras de Torii Kiyonaga (1752-1815), Kitagawa Utamaro (1753-1806), Katsushika Hokusaï (1760-1849), por supuesto, y Utagawa Hiroshige (1797-1858). Para ello, visite el Museo Conmemorativo de Arte Ōta de Tokio o el diminuto y pintoresco Museo Ukiyo-e de Kioto.
Meiji (1868-1912), un encuentro con la estética occidental
Aunque la pintura se revolucionó a mediados del siglo XVIII con la introducción de la perspectiva lineal por los holandeses en Nagasaki, las técnicas occidentales sólo desempeñaron un papel superficial hasta la era Meiji. La apertura a Occidente a partir de 1868 provocó una moda por los métodos europeos, en particular la pintura al óleo, que el gobierno comenzó a promover activamente. Aunque los artistas japoneses que lo intentaron al principio tuvieron dificultades para desmarcarse del estilo de los maestros europeos, en la década de 1880 comenzó a surgir una nueva dirección. El nihonga (literalmente "pintura japonesa") incorporaba elementos del arte occidental respetando las reglas estéticas de la tradición japonesa.
Bajo la influencia de Ernest Fenellosa (1853-1908), sociólogo estadounidense cercano a los pintores Kanō, se fundó en 1887 la Universidad de Bellas Artes de Tokio. Su objetivo era realzar el arte tradicional japonés modernizándolo al mismo tiempo, sin ajustarse a las tendencias europeas. Aumentó la investigación y, mientras se desarrollaba la pintura al óleo, algunos artistas volvieron al yamato-e, otros a las fuentes chinas y otros al sumi-e . Hasta el final de la Segunda Guerra Mundial, la pintura permaneció muy apegada a las tendencias literarias. Los pintores más representativos de este periodo son Meiji Hashimoto (1904-1991), Kokei Kobayashi (1883-1957) y Yasuda Yukihiko (1884-1978). Otros buscaron inspiración en Europa y Estados Unidos, como Foujita (1886-1968).
La fotografía, de la influencia europea al dominio japonés
La fotografía fue introducida en Japón en 1848 por los holandeses en Nagasaki. Uno de los primeros japoneses en adoptar la técnica fue Shimazu Nariakira (1809-1858), un daimyō fascinado por los conocimientos occidentales. A medida que Japón se abría cada vez más en la segunda mitad del siglo XIX, empezaron a circular más equipos fotográficos, y los extranjeros empezaron a viajar por el archipiélago para captar a sus gentes y paisajes, o a establecer allí estudios, como el fotógrafo italo-británico Felice Beato (1832-1909). Siguieron muchos fotógrafos japoneses, como Ueno Hikoma (1838-1904) y Shimooka Renjo (1823-1924). El desarrollo de la prensa y la industria fotográfica a principios del siglo XX favoreció el crecimiento del fotoperiodismo, con grandes fotógrafos como Ken Domon (1909-1990), Ihee Kimura (1901-1974) y Yōnosuke Natori (1910-1962). Aunque la Segunda Guerra Mundial debilitó el sector, un nuevo impulso se afianzó en las décadas siguientes. El país se convirtió en líder de la tecnología fotográfica entre las décadas de 1960 y 1980, y muchos profesionales japoneses hicieron honor a esta posición de liderazgo, como Daidō Moriyama (1938), Nobuyoshi Araki (1940) e Hiroshi Sugimoto (1948). Aunque esta tendencia ha disminuido desde la década de 1990, la fotografía artística sigue renovándose en el archipiélago, con artistas de talento entre las nuevas generaciones, como Mika Ninagawa (1972), Akihito Yoshida (1980) y Motoyuki Daifu (1985).
Del neo pop art a los artistas de datos, una escena contemporánea híbrida
El panorama del arte contemporáneo japonés es rico y diverso, con mucho por descubrir más allá de estrellas del arte neopop como Takashi Murakami (1962). En el campo de las nuevas tecnologías, el país es famoso por artistas cuya obra ha revolucionado nuestra relación con los multimedia, como Shiro Takatani (1963) y Ryoji Ikeda (1966). No se pierda el museo TeamLab que acaba de abrir sus puertas en Tokio, a la vanguardia del arte digital. En una línea más política, el archipiélago es también cuna de artistas críticos cuyas comprometidas obras desafían las normas de la sociedad japonesa, como Makoto Aida (1965) o Koki Tanaka (1975) y sus instalaciones compuestas. Otra vertiente del arte contemporáneo se centra en lo íntimo, con obras delicadas y sensibles de Rei Naito (1961) y Chiharu Shiota (1972). Para descubrirlas, visite el espectacular Museo de Arte Mori de Tokio.
El arte callejero lucha por obtener reconocimiento
Aunque en Japón el arte callejero sigue considerándose en gran medida vandalismo, en grandes ciudades como Tokio y Yokohama hay varios distritos con bellos frescos u obras ingeniosas y discretas que juegan con el decorado urbano. En Shibuya, Harajuku, Shinjuku y Tennozu Isle, en particular, el laberinto de calles ofrece algunas vistas maravillosas, a veces pintadas en las fachadas de las tiendas o en las cortinas, los raros lugares en los que no se corre el riesgo de ser multado. Eche un vistazo al mapa del proyecto Koenji Mural City (www.bna-hotel.com/projects), que fomenta la creatividad local en uno de los distritos más underground de la ciudad Por nombrar sólo algunos, entre los "blazes" de las estrellas locales figuran Suiko, Esow y Aiko.
