Sabores especiales
No es por falta de haber existido, pero no queda mucho de los comienzos del cine tailandés. Los primeros largometrajes reales se han perdido: una coproducción americano-tailandesa, Miss Suwanna de Siam (Henry MacRae, 1923), luego Double Chance (Manit Wasumat, 1927), o Long Thang (1932), la primera película hablada en la que Bangkok se presentaba como una ciudad de la perdición. Rodada en inglés, The King and the White Elephant (Sunh Vasudhara, 1940), un alegato contra la guerra en un momento en que se avecinaba la invasión japonesa, es la primera película que se ha conservado. La Segunda Guerra Mundial y un contexto económico desfavorable frenaron la profesionalización de la industria cinematográfica tailandesa, cuyo apetito, sin embargo, no disminuyó. Proliferaron las películas en formato de 16 mm, con poca preocupación por los retoques finales, sujetos a objetivos inmediatos de rentabilidad, distribuidos a través de proyecciones itinerantes en todo el país durante las cuales se realiza el doblaje en vivo. Las películas extranjeras o mudas se someten al mismo tratamiento, creando una experiencia y tradición cinematográfica única, a la que rinde homenaje una escena del Transistor de Monrak (Pen-ek Ratanaruang, 2001). En dúo o solo, algunos dobladores se convierten en verdaderas estrellas, encargándose de todos los diálogos, efectos de sonido y comentarios en un acto de ventriloquía virtuoso. Tailandia, un raro aliado de los Estados Unidos en la región durante la Guerra Fría, recibió un apoyo significativo de la Agencia de Información de los Estados Unidos, que ayudó a ampliar el uso de estas sesiones itinerantes de comentarios para difundir un discurso proamericano. Al mismo tiempo, la industria experimentó su primera revolución a través de Rattana Pestonji, considerado el padre del cine tailandés y que dirigió Santi-Weena (1954), la primera película en 35 mm, y Black Silk (1961), una curiosa mezcla de influencias, tanto de cine negro como de melodrama, imbuida de filosofía budista y música tradicional. Desde finales de los 50 hasta los 70, se estrenaron entre 50 y 80 películas cada año. Las pantallas están ocupadas por un par de actores, Mitr Chaibancha y Petchara Chaowarat, que aparecen en 165 películas entre 1956 y 1970, antes de que el primero muriera al caer de un helicóptero el último día de rodaje deAigle d'or, que él dirigía. El accidente se mantiene en la versión final, antes de ser eliminado en las últimas ediciones. Su muerte marca el final de esta sobreabundante producción de películas de 16 mm.
Los años 70 y 80
En 1970, Mon Rak Luk Thung (Rungsri Tassanapuk), una comedia musical rural, un género entonces en boga, fue un gran éxito que popularizó el luk thung, un género musical resultante de una mezcla de influencias. También fue la época de la Guerra de Vietnam, que vio decenas de miles de soldados americanos estacionados en Tailandia, difundiendo la cultura americana. Los directores extranjeros vinieron a rodar allí, James Bond(The Man with the Golden Gun, Guy Hamilton, 1974, en Khao Phing Kan), o películas sobre Vietnam(Voyage au bout de l'enfer, Michael Cimino). Como anécdota, un episodio de la serie OSS 117 dirigida por André Hunebelle fue un precursor en 1964. Pero la amistad entre los Estados Unidos y Tailandia se vio trastornada en 1977 cuando el gobierno impuso fuertes impuestos a las películas extranjeras para estimular la producción local, lo que a su vez condujo a un boicot de Hollywood. La producción se disparó de nuevo - 150 estrenos en 1978 - para proporcionar copias mediocres de películas de Hollywood que ya no se mostraban. Este fue un corto interludio, ya que estas películas regresaron en 1981. La calidad de la gran mayoría de estas películas, series B de bajo presupuesto, les valió el elocuente apodo de nam nao, que significa "agua podrida". Los carteles pintados a mano compiten entre sí con la inventiva y los colores chillones, como los del artista Tongdee Panumas. Es el comienzo de una época crítica en la que la competencia de la televisión ha paralizado la industria cinematográfica, aunque la industria está mostrando algunos signos, aunque una muy pequeña minoría, de un gran avance. Se están haciendo películas más ambiciosas y personales. Las de Cherd Songsri, elogiadas por Apichatpong Weerasethakul, incluyendo La Cicatriz (1977), una tragedia campesina en flamante Technicolor. Su influencia es decisiva en las películas del príncipe Chatrichalerm Yukol, perteneciente a la familia real(Full Citizen, 1977, o El sicario, 1983, dos excelentes thrillers), Vichit Kounavudhi, que presta especial atención a los campesinos de Isan abandonados por el gobierno central y a su forma de vida en La gente de la montaña (1979) y Hijos del noreste (1982). Euthana Mukdasanit da testimonio de una inspiración que se sale de lo común al evocar la trayectoria de un heroinómano(L'histoire de Nampoo, 1984), las minorías musulmanas del sur cerca de la frontera con Malasia(Fleurs et papillon, 1985) o el asilo psiquiátrico(Le Toit rouge, 1987). Jira Maligool revivirá esta inspiración humanista y naturalista en el siglo XXI con La Mina de Estaño (2005), la historia de un niño que crece en el distrito de Kapong.
La nostalgia moderna: una nueva ola
El resurgimiento del cine tailandés coincidió paradójicamente con la crisis económica de 1997. Bajo el impulso de unos pocos directores con experiencia en publicidad, las películas adoptaron un estilo contemporáneo, que fue fácilmente lamido o recortado, mezclando la cultura local con influencias de Hollywood y Hong Kong. Es el caso de Nonzee Nimibutr, que dirigió Dang Bireley and the Young Gangsters (1997), una película de gángsters ambientada en los años cincuenta, y de Nang Nak, la enésima adaptación de la más famosa historia de fantasmas tailandeses. También es el más exitoso. Se ilustra en un buen cine comercial continuando la revisión de los géneros queridos por el público tailandés, como la película épica(Piratas de Langkasuka, 2008), o el drama romántico(Timeline, 2014). Las lágrimas del tigre negro (Wisit Sasanatieng, 2000), presentado en Cannes - ¡una primicia! - es un homenaje ultra-referencial al cine popular de los años 50 y 60, realzado por el uso de colores brillantes. El resto de su carrera se pierde en las películas de la corriente principal sin ninguna distinción real, con la posible excepción de OK baytong (2003), o Citizen Dog (2004), una comedia romántica con un irónico retrato de Bangkok. Pen-ek Ratanaruang, si bien sigue siendo accesible al principio, muestra más originalidad: Last life in the universe (2003) es una hermosa película en la que su dulce pecado, la investigación estética, aún no ha tomado precedente sobre la historia de un bibliotecario japonés y una prostituta que las circunstancias improbables reúnen. El resto de su filmografía no siempre puede presumir de ello: La Nymphe (2009) ofrece muchas imágenes magníficas de la selva tropical, pero cuidado con el aburrimiento, mientras que Paradoxocracy (2013) es un retorno adecuado a un género donde no se esperaba, el documental, y cuestiona las divisiones que han seguido minando la escena política de Tailandia desde el golpe democrático de 1932. Mientras tanto, los hermanos Pang de Hong Kong han elegido Bangkok como el patio de recreo para un llamativo thriller de alto octanaje típico de la época(Bangkok Dangerous, 2000). Prachya Pinkaew es un estajanovista cinematográfico de género establecido, cómodo en las películas de artes marciales(Ong-bak, 2003, que convirtió a Tony Jaa en una estrella del género, o Chocolate, 2008 - "sin cables", el tráiler promete "sin suplentes") y rinde homenaje a los musicales de antaño ambientados en los verdes arrozales del Isan, al chucrut que servía de tocado y a la ropa de colores que estaba de moda en aquella época(Yam Yasothon, 2005). Shutter (Banjong Pisanthanakun y Parkpoom Wongpoom, 2004) es una de las mejores películas de terror de la época. Una ola de cine de autor se produjo al mismo tiempo. Apitchapong Weerasethakul es la inspiración de sus colegas y al mismo tiempo el favorito de los espectadores. Su obra, a veces árida(Tropical Malady, 2004), a menudo vaporosa, sensorial(Syndromes and a Century, 2006), se consagra en Cannes con una Palma de Oro en 2010 con el tío Boonmee, el que recuerda sus vidas pasadas, soñando deslumbrantemente a través de la psique tailandesa. El estilo de Aditya Assarat, aunque más convencional, tiene un tono poético similar en su ópera prima Wonderful Town (2007), una historia de amor ambientada en medio de los paisajes devastados por el tsunami de 2004 en la ciudad sureña de Takua Pa.
Directores extranjeros
El desastroso episodio del tsunami fue relatado en El Imposible por el director español Juan Antonio Bayona, basado en una historia real, que es a la vez una película de desastres y un melodrama (y rodado principalmente en España). Con La Scala (2015), Assarat dedicó un documental a un cine mítico construido en los años 70. La película de Pimpaka Towira The Island Funeral (2015), que también es vaporosa, somnolienta o soñadora, según el estado de ánimo, es una película sobre el viaje de una joven por la región de Pattani y sirve de pretexto para una evocación apagada de la agitación política que sacude el país. A medida que el turismo sigue aumentando en Tailandia, fenómeno en parte profetizado por The Beach (Danny Boyle, 2000), rodado entre Phuket y Koh Phi Phi Lee, los directores extranjeros vienen a Tailandia, y a Bangkok en particular, en busca de inspiración. Nicolas Winding Refn se sintió atraído por las luces de neón que le son tan queridas para un thriller inevitablemente atmosférico (Only God Forgives, 2013), Katsuya Tomita para un viaje al noreste hacia Laos fuera del distrito de luces rojas de Thaniya Road donde trabaja su heroína (Bangkok Nites, 2016) o el director taiwanés Midi Z centrándose en dos inmigrantes birmanos que han llegado allí para encontrar una vida mejor (Adieu Mandalay, 2016).
