Arte precolombino
México atrae a multitudes por sus vestigios heredados de las civilizaciones precolombinas. Esculturas y frescos mayas y aztecas, realizados con pigmentos naturales (insectos, obsidiana, plantas y resinas), evocan civilizaciones que siguen envueltas en el misterio. El reconocimiento del arte prehispánico comenzó con el descubrimiento de colosales cabezas olmecas que datan de al menos el 900 a.C. En cuanto a los aztecas, la Piedra del Sol, datada en 1479 y tallada en un bloque de lava, aporta preciosas referencias a su cosmogonía. Descubierta por casualidad en 1790, ahora puede admirarse en el Museo Nacional de Antropología junto a una miríada de otras pinturas y estatuas antiguas. Y aunque los museos son lugares ideales para contemplar estos artefactos, también es posible encontrar obras precolombinas en yacimientos prehispánicos como Teotihuacán, Bonampak, Uxmal y Cacaxtla, por citar sólo algunos. Las escenas representadas suelen glorificar a los dioses y los sacrificios humanos dedicados a ellos, así como a figuras antropomorfas. A este primer periodo del arte pictórico mexicano siguió la influencia artística de los españoles.
Arte colonial
La llegada de los europeos al país marcó una importante evolución en los códigos de la estética del Nuevo Mundo. El arte barroco pronto se desarrolló en todo el territorio. Las iglesias y monasterios se construyeron en un tiempo récord, y sus fachadas, paredes y tabiques se cubrieron con escenas bíblicas. Se introdujeron nuevas técnicas de pintura, grabado, coloreado y construcción, y talentosos artistas mestizos, ahora cristianos, se especializaron en bellas artes inspiradas en el Renacimiento italiano. Las representaciones pictóricas seguían siendo ante todo un arte al servicio de la religión. Juan Correa (1646-1716) y el pintor zapoteco Miguel Cabrera (1695-1768) son considerados los artistas más influyentes de la Nueva España en esta época. Los ejemplos más bellos de monumentos de este periodo son probablemente la Catedral de Zacatecas en la Ciudad de México, el Templo Santo Domingo en Oaxaca y la iglesia del mismo nombre en Puebla. Fue finalmente en los albores de la revolución mexicana cuando las tradiciones católicas empezaron a perder influencia.
Revolución pictórica
El tercer periodo en la historia de la pintura mexicana siguió a la revolución de 1910. Se abandonó la pintura de caballete en favor de los murales. Este fenómeno pictórico fue apoyado por el gobierno, que financió a jóvenes artistas para decorar las paredes y fachadas de los edificios públicos. Tres muralistas destacaron: Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco.
El emblemático Diego Rivera (1886-1957) se formó en las Bellas Artes de Ciudad de México y luego en Madrid. De 1913 a 1918, Rivera se inspiró en el cubismo para sus pinturas clásicas, pero pronto rompió con este movimiento para volver al arte figurativo. En 1920, descubre en Italia el arte del fresco, que revoluciona su manera de pintar. A su regreso a México, realizó enormes pinturas murales con pigmentos tradicionales de la época prehispánica. Su primer fresco, La Creación, fue pintado en 1922 para la Escuela Nacional Preparatoria(Antiguo Colegio de San Ildefonso). Pintor prolífico, Rivera respondía a los encargos oficiales. Junto con José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros y Rufino Tamayo, creó obras sobre vastos muros de colores vivos y estilo simplificado. Este marxista convencido pretendía mostrar al pueblo la magnitud de los males que corroían México. A través de su compromiso social y político, los muralistas ayudaban a construir una nueva identidad mexicana.
José David Alfaro Siqueiros (1896-1974) participó activamente en la revolución mexicana y utilizó su obra para apoyar sus compromisos políticos. A diferencia de otros artistas de su generación, se mantuvo optimista sobre el futuro de México.
Menos comprometido que estos artistas, José Clemente Orozco (1883-1949) se esforzó por transmitir la condición humana universal, independientemente de las fronteras. Para Orozco, se trataba de mostrar al mundo el sufrimiento causado por la guerra y todas las formas de violencia. En sus oscuras obras, utiliza metáforas para protestar contra la guerra, la corrupción y la injusticia.
En torno a los muralistas
Rufino Tamayo (1899-1991) pertenece a la segunda generación de muralistas mexicanos. Fue durante una estancia en Nueva York cuando descubrió la pintura moderna y decidió enseñar esta nueva tendencia en Ciudad de México. En su obra, el mensaje político se desvanece en favor de formas abstractas y decorativas. Su cuadro pone de manifiesto la dificultad que tienen los mexicanos para definir su identidad.
El destino de Frida Kahlo (1907-1954) está íntimamente ligado al de Diego Rivera. Mujer libre y moderna, sólo tenía 18 años cuando conoció a su futuro marido, Diego, veintidós años mayor que ella, que la animó en su camino artístico. A partir de entonces, unieron su compromiso pictórico y político en torno a su apego a México. Se casaron en 1929. André Breton describió el arte de Frida Kahlo "como una cinta alrededor de una bomba" A pesar de los intentos del Papa del Surrealismo, Frida se negó categóricamente a ser asimilada a su grupo. Famosa por sus autorretratos, Kahlo es una artista con un estilo reconocible, que refleja su personalidad mixta y compleja. La Casa Azul , o Museo de Frida Kahlo, situada en el centro de Coyoacán, es el lugar de nacimiento de la pintora.
La amiga de la pareja y fotógrafa estadounidense Lucienne Bloch inmortalizó a menudo a los dos artistas, juntos o por separado. De todos los que han retratado a Frida Kahlo, Bloch ha captado su humor y la soledad de su sufrimiento.
Tradición fotográfica
Muy pronto, la población mexicana urbana y rural se entusiasmó con la fotografía. Fue el caso de Hugo Brehme (1882-1954), que utilizó el daguerrotipo para documentar las tradiciones y la vida cotidiana de los mexicanos acercándose a ellos. Fue responsable, en particular, de importantes retratos de Emiliano Zapata, principal protagonista de la revolución. Fue Zapata quien inspiró a Manuel Álvarez Bravo (1902-2002) a dedicarse a la fotografía. Autodidacta, inventó un género que combinaba narrativas documentales e imaginarias para reflejar una identidad colectiva. También está la fotógrafa y activista Tina Modotti, cuyo trabajo fue aclamado por los surrealistas franceses. Sus poéticas imágenes retratan las costumbres de las mujeres mexicanas de principios del siglo XX y ponen de relieve la lucha por el cambio social. Siguiendo sus pasos está Pedro Meyer (1935), pionero de la fotografía contemporánea, que en 1994 creó el portal ZoneZero, la primera página web dedicada a la fotografía. La lista de cazadores de imágenes influyentes incluye también al fotoperiodista Pedro Valtierra (1955), testigo de las guerras civiles en Centroamérica en los años 70 y 80 y de las oleadas de migrantes que se dirigían a Chiapas. Esta experiencia le llevó a interesarse por la situación de las minorías étnicas. Por último, las famosas fotos del genial neoyorquino Spencer Tunick de más de 18.000 personas desnudándose en el centro del Zócalo de Ciudad de México: purismo (¿o pudor?) en estado puro. En una palabra, el arte mexicano de la 8ª parece mucho más comprometido que glamuroso, ya que expone las grandes cuestiones colectivas de nuestra historia contemporánea.
Arte callejero
El muralismo se estableció lentamente como una forma de arte popular. En la década de 1950, la "Generación de la Ruptura" rechazó los valores del muralismo en favor de nuevos temas más cosmopolitas. Su objetivo era ampliar la libertad creativa y lograr la universalidad pictórica tendiendo puentes con sus homólogos europeos. Por supuesto, el arte urbano es descendiente directo de los primeros muralistas mexicanos. Arraigado en la cultura popular, es todo menos una moda. En todas las ciudades de México, sigue estando al servicio de la realidad cotidiana. El arte callejero explotó en Ciudad de México entre 2010 y 2012. Ahora está impulsado por los neomuralistas liderados por Saner, Cix y Spaik, artistas de renombre internacional. Sus frescos se inspiran en los colores y motivos de los textiles, la artesanía y las leyendas locales. Hoy, los barrios de Roma Norte y Condesa albergan las pepitas del arte urbano. Hay collages de Groenewold, frescos de Simtheone y del aclamado Jorge Tellaeche. Sus paisajes oníricos, pintados en tonos pastel alrededor de rostros oscuros, son de una gran sensibilidad. El artista también participa en asociaciones benéficas, además de encargar obras para grandes marcas. En las calles de la ciudad, los homenajes a las mujeres son de todo tipo. Los mensajes dejados por Cristina Maya, oriunda de Ciudad de México, y Cuatrosiete, calígrafa de primer orden, combinan palabras e imágenes.
Muchos de los murales son el resultado de concursos oficiales. Para esta ocasión, el municipio destina un espacio a artistas mexicanos con la misión de sensibilizar sobre temas clave, como el medio ambiente y los pueblos indígenas. La mayoría de los cientos de murales así creados cuentan con el apoyo de patrocinadores, lo que explica la presencia de logotipos de marcas en su interior.
Arte contemporáneo
Encabezada por destacados artistas contemporáneos como Gabriel Orozco y Francis Alÿs, la generación de artistas nacida en la década de 1960 ha sacudido el panorama artístico mexicano. El país destaca por sus numerosos colectivos de artistas, muy activos en la escena nacional e internacional. Sus preocupaciones y su obra pueden estar estrechamente vinculadas a la situación de emergencia de ciertas regiones del país, pero también desarrollan temas más generales. Por último, en los últimos años ha habido un renacimiento de la gráfica (grabado, litografía, xilografía) en muchos talleres, continuando el legado de la gráfica popular de los años 30 y 40, pero esta vez para crear obras más desvinculadas de la lucha social que imperaba entonces. En cuanto a la escena local, Ciudad de México y Monterrey siguen siendo los bastiones del mercado nacional, pero las ciudades fronterizas del norte (Tijuana, Ciudad Juárez) y Oaxaca han sido cada vez más activas desde la década de 2000.
A finales de la década de 1980, Orozco creó el Taller de los viernes, que ayudó a formar a artistas innovadores. Entre ellos se encontraban Damián Ortega y Abraham Cruzvillegas, que recientemente expusieron en el Carré d'Art de Nîmes. Posteriormente, los artistas rechazados por las instituciones crearon espacios independientes. El primero, ya cerrado, fue Panadería, de Yoshua Okón y Miguel Calderón.
La siguiente generación estuvo formada por Minerva Cuevas, Tania Pérez Córdova, Mario García Torres y Martin Soto Climent, todos ellos presentes en la escena internacional. Poco a poco, el mercado del arte contemporáneo evolucionó y empezaron a surgir coleccionistas mexicanos.
Una de las galerías que marcó la pauta fue Kurimanzutto, fundada en Ciudad de México en 1999 a instancias de Orozco. Dirigida por el matrimonio José Kuri y Mónica Manzutto, comenzó representando a los artistas del Taller de los viernes. Una mezcla de artistas consagrados y dinamismo típicamente local.
Además de galerías, cada vez hay más ferias, museos privados y espacios alternativos. Entre ellas destacan Jumex, la feria Zona Maco, que reúne a la flor y nata de las galerías, Proyectos Monclova y Labor. La joven Parque Galería fue creada por dos treintañeros deseosos de dar voz a artistas que no tenían voz: su artista estrella Yoshua Okón, pero también Allen Ruppersberg y Didier Faustino. El colectivo Bikini Wax simboliza la tremenda energía que ha hecho de Ciudad de México un epicentro de las artes visuales. Desde 2013, el espacio dirigido por Cristóbal Gracia invita a artistas de todo el mundo a ocupar sus instalaciones. ¿El objetivo? Mostrar el arte de una manera diferente. Porque en México, ¡todos los estilos florecen!
Arte popular
La riqueza del arte indígena merece una visita. Para aquellos que nunca han tenido la oportunidad de ver pinturas o esculturas huicholas, consideren visitar el Museo de Arte Huichol Wixárika en Guadalajara y el Museo de Arte Popular en la Ciudad de México. Si quiere llevarse obras a casa, le recomendamos el Mercado de Artesanías o la Galería Yawí de la capital. Una cosa es cierta, no hay nada como la composición multicolor y simbólica de estas pinturas y esculturas psicodélicas. Un ejemplo es la obra de la pintora y bordadora Emeteria Ríos Martínez (1952-1994), que evoca perfectamente la visión fantástica y mística de este complejo arte. El arte huichol (o wixárikas) procede de los estados de Jalisco, Zacatecas, Nayarit y Durango. Según los antropólogos, cada pieza de arte evoca ritos y símbolos chamánicos y permite el contacto con los dioses y el mundo sobrenatural. Por ello, sus pinturas de hilo, sus esculturas de cuentas y sus famosos alebrijes, pequeñas figuritas que representan bestias imaginarias (estas últimas, sin embargo, proceden de Oaxaca) se encuentran por todo el país.
